舞臺美術在陳列語言中的應用研究

常碩

（國家大劇院，北京）

舞臺美術自古有之，經過歷史的洗禮，逐漸凝練成一門極具魅力的學科，并成為一個具有國際影響力的行業。現代舞臺美術自20世紀中期，首次實現了“舞臺美術”與“展覽陳列”的融合；1967年，“國際舞臺美術組織”成立，并在捷克首都布拉格舉辦“布拉格國際舞臺美術展”。1982年，在北京舉辦的“第一屆全國舞臺美術展覽”是中國的舞臺美術與展覽陳列的首次結合。此后，展覽展示成為舞臺美術設計進行學術交流的重要媒介；為了更好地展示藝術成果、還原藝術氛圍，舞臺美術設計師們日趨注重設計作品與展示環境的融合，從而推動了舞臺美術元素與陳列藝術設計交叉、應用。舞臺美術因其特殊的屬性，其藝術呈現語言豐富且極具感染力，吸納借鑒舞美設計元素，將其融入展覽之中，有助于改變傳統、常規的展陳形式；此外，舞美領域的新理念、新媒介在不斷發展演變中，也為傳統文博機構的陳列語言拓展的新思路[1]。

一 舞臺美術展覽的陳列語言

（一） 環境語言

舞臺美術是環境藝術，通過營造立體的感官環境，渲染舞臺氛圍。展覽同樣離不開對環境藝術的研究與建模。在展覽陳列語言中，是否能通過環境營造而講好“故事”，實現信息傳遞，是陳列設計的重要內容。舞臺美術設計中，注重對色彩、明暗、光線、視覺高度等因素的運用，而恰如其分地運用上述因素，則對展覽陳列語言極有助益。

光環境是舞臺美術環境語言的重要因素。通常的博物館展覽整體光環境比較均勻，較少出現炫麗、耀眼、五彩斑斕的光環境；而展品照明方面，也因展品安全、陳列內容等因素對色溫、色度、明暗、陰影、炫光等謹慎處理，減少光對陳列內容的影響和對展品的損害。而舞臺燈光千變萬化，舞臺效果只有在燈光的輔助下，才具有視覺感染力和沖擊力。在現代舞臺表演中，光線的合理設計和運用使整個劇情層次分明、充滿活力，富有靈氣、富有生命力。而要達到這種視覺效果，燈光的強度、色彩、分布區域和運動變化將起到非常重要的作用。

近年來，越來越多的展覽設計者打破了博物館光環境的局限，在展覽的某個環節中以絢麗多變的光環境營造藝術氛圍，從而起到感染觀者的作用。甚至某些展覽，以光環境的塑造作為主要展陳內容，引發觀者沉浸式的體驗。舞臺美術的光環境營造，已經越來越多地贏得了展覽設計者的鐘愛，成為展覽環境氛圍營造的主要手段之一[2]。

（二） 多媒體語言

隨著高新技術的出現和運用，展覽策劃、展陳設計的理念在逐步更新，新技術、新觀念不斷地被應用于展覽之中。博物館作為人類文明遺存及相關信息與知識的保有者，通過舉辦各種展覽來完成其展示收藏、傳播文化的重要使命。數字展示技術在博物館展覽中的應用，使其掙脫了傳統展示方法對展示空間、展覽內容以及觀眾參觀活動的束縛，增強了展示效果。在互動展示中，無論是視覺的、聽覺的、觸覺的還是多方式的感知系統，展示內容都能夠以具體的傳播形式，讓參觀者親身體驗促進交流的真實性，使觀眾對信息有更深刻、更生動的認識。科技改變生活，無論是展覽設計還是舞臺美術，都因為科技的變革而日益發展，并逐步產生同一、交融之趨勢。

步入新世紀，多媒體技術已成為舞臺美術的必備元素之一。要完美呈現舞臺效果，多媒體技術可謂是不可或缺的重要一環。如果說一部演劇中失去了聲、光、電等多媒體技術，演出將大為失色。同樣，展覽陳列也因運用多媒體技術而使其更具真實性與帶入感，使展陳更為靈動、更具活力。所以，作為舞臺美術與展覽設計交融的舞臺美術題材展覽是離不開多媒體技術的。如何靈活、適當的運用多媒體技術，還原舞臺效果，突出展覽主題，營造藝術氛圍，成為展覽設計的重要一環。音頻、視頻、投影等工具經常是舞美展中的重要展品，承載展覽內容[3]。同時又是陳列設計的重要工具，在烘托氛圍方面最為直接、最易見效。如“北京舞臺美術設計邀請展”中，其中一名舞美設計僅以一塊亞克力為載體，將所有的舞臺效果變化以多媒體編程投影形式放映于其上。又如前文所述，多媒體技術已經為舞臺設計中的常態性媒介。在舞美設計方案中，設計者常以此呈現時空變化，如河水流淌、春秋更替等。舞美模型為舞臺的縮影，因而在舞臺美術模型的制作中，部分設計師會將微型投影作為模型的一部分，用以呈現舞臺效果。而這些多媒體應用被原汁原味地通過投影等工具移植于模型之上，成為展品的一部分。在陳列設計方面，投影、動畫可以強化展覽的美感，還原舞臺氛圍，使觀眾易于理解、樂于觀賞。

（三） 材料語言

眾所皆知，在舞美布景的制作中，不追求“真材實料”，只追求“以假亂真”。制作舞臺布景的很多材料（如苯板、行架等），同樣適合在展覽陳列，尤其是短期臨時性展覽的陳列設計。劇院展覽設計者在展陳設計中運用苯板、亞克力等舞美常用材料，營造舞臺美術氛圍。苯板是舞臺美術中最常用的材料之一，因其價格低廉、輕便易于搬運、易于塑形上色等特點，常被用于舞臺布景、道具的制作，以致成為了舞臺美術的“符號”之一。國家大劇院舞臺美術題材展覽在探尋陳列語言之時，借鑒了舞臺美術布景、道具制作的概念，將造價低廉、便于塑形及搬運的苯板制作成展覽各層級部題版、頭妝設計輔助展具等。一方面，突出了“舞臺美術”這一主題，引發業內人士的共鳴，并使一般觀眾了解舞臺美術的幕后生產環節，增強展覽趣味性；另一方面，有效地節約了展覽成本，縮短展覽制作工期，大量節省了人力、物力。此外，展具設計不僅能夠突出陳列效果，弱化對展品的視覺影響，也可以成為展覽內容的載體[4-6]。“北京舞臺美術設計邀請展中”，默默無聞的長條桌被賦予了新的含義。它既是擺放展品的展臺，也是每位設計的空間領域。長3米，寬1.5米的長條桌成為設計師的工作區域與展示空間，根據每位設計師的不同理念，或為工作狀態之場景還原，或為代表作品的集中展示，或為教學狀態的現場呈現。

二 舞臺美術陳列語言應用之思考

舞臺美術是視覺藝術、應用藝術。追其根本，是用于劇目演出、演員活動的特殊設計，服從于表現的目的。舞臺美術是為了使觀眾更好地了解劇目內容而逐漸發展而來，強調設計的開放性，強調與觀眾的互動與交流，強調沉浸式體驗。而博物館的陳列藝術同樣為觀眾服務，注重傳播文化知識，滴灌并反哺大眾。因而舞臺美術的陳列語言與博物館之陳列語言在特定的環境中有著共同的目標與訴求。審思舞臺美術陳列語言，將其融入博物館陳列設計，開拓博物館展覽策劃與藝術設計新思路，滿足大眾需求，實現“以人為本”，以更加交融、更加沉浸的方式服務大眾，傳播文化傳承文明。

（一） 開放性

舞臺是在劇院中為演員表演提供的空間，它可以使觀眾的注意力集中于演員的表演并獲得理想的觀賞效果。通常由一個或數個平臺構成，或有升降、旋轉等功能。現今常見的舞臺有鏡框式舞臺、伸展式舞臺、圓環型舞臺和旋轉型舞臺等。從舞臺的建筑類型與結構不難看出，其理念是吸引觀眾注意，使觀者聚焦于此，本意為向觀眾開放展示，引發與觀眾的互動和交流。因于其開放性，“舞臺”一詞逐漸具備其他含義，如“平臺”“空間”“領域”“社會活動場所”等詞匯的代稱。由此，舞臺美術就于無形之中被賦予了開放性。無論是舞臺效果設計、服裝化妝、道具運用，還是燈光設計、多媒體設計，舞臺美術在舞臺藝術中，都以向觀眾全方位、開放式地展示劇目為理念，以強化與觀眾在思維中的互動、交流與共鳴，從而產生共情為宗旨。舞臺美術涵蓋演出各個方面，貫穿劇目始終，它的合理運用，有助于人物的塑造，有助于劇情的發展。立于舞臺之上，觸目可見，觸手可及，我們能深切感受到舞臺場景是開放的，服裝、道具是開放的，舞臺機械是開放的，演員是開放的，甚至舞臺設計的理念都不為時間與空間束縛，可無限暢想。在博物館展覽策劃與實施中，觀眾與陳列語言的關系已經不同于早期的隔窗觀望、單純觀看，互動性、交流性已為博物館人所重視及研究。舞臺美術的開放性理念適宜在展覽中作為陳列語言，承載一定的展覽內容，為策展者們所借鑒、吸收、利用。舞臺美術陳列語言就如同演員的表演，它不能呆板、冷硬，使觀眾望之卻步，需要與觀眾溝通、互動，從而使觀眾產生親切、愉悅之感。在博物館展覽的策劃與實施方面，也應更加重視展覽的互動環節，以期實現“人”與“物”的交流、“動”與“靜”的互動，使展覽更具人性化，更好地傳遞文化藝術知識，進行藝術教育。“觀”即為觀者，主要為展覽的目標觀眾群；“展”既為策展人，又可理解為展覽陳列語言。“觀”與“展”兩者的互動是展覽策劃與運作不可剝離的環節，互相影響，有機統一。做好“觀”與“展”的溝通與對話，不僅需要新媒體、新技術等媒介的運用，更需要策展者的思維方式的突破與思考角度的創新，開放思維，將舞臺美術的開放性變為展覽陳列語言的應用手段，實現與觀眾的互動與交流，將凝固的展覽哺育為更為開放、更為自由的陳列藝術[7-9]。

（二） 典型性

舞臺美術是呈現劇目內容的重要依托。一個劇目往往僅有幾幕簡單的場景，舞臺美術具有象征性性、指向性與典型性，它在極為狹小的空間與極為短暫的時間內，闡述一定的歷史背景與社會背景，從而為劇目演出打造視覺與感官的支持，讓觀眾在觀演之時獲得劇本所蘊含的各類信息。舞臺美術是時間與空間的濃縮，強調典型人物典型事件的典型環境。通常博物館場景是作為輔助展品出現，一般情況下為再現式的呈現，相較于舞臺美術設計而典型的表現力不足，僅是作為輔助陳列手段應用于陳列之中。而舞美設計是典型的，它不是輔助手段，而是表現語言。環境氛圍營造，推動劇情發展，人物性格塑造都依托于舞臺美術的典型性。博物館人應該借鑒舞臺美術的典型性來渲染展覽主題，營造展覽氛圍。博物館陳列展覽是一個以形象傳播為基礎，以形式藝術為表現手段的科學，是藝術和技術的綜合體，是構想與推敲后的產物。陳列設計是思維活動，是思維過程。陳列設計可謂是一門藝術，用技術來創造空間、敘說故事、牽動情感、引發思考。而在這些創造與敘說中，典型概念的運用至關重要。我們所常見的展覽是以史料、實物為主，結合輔助手段，向觀眾講解它們所承載的文化、歷史內涵，并以此吸引觀眾投入到她的陳列、展示之中。觀者在此可以近距離、平心靜氣地研讀、思考、認識、記憶或欣賞品味展品。它的主要傳播方式和觀眾的接受方式是靜態觀賞，“聲、光、電”及場景營造等方式為其輔助手段，不可反客為主。而舞臺美術展覽既相似于博物館常見展覽，又具有其自身特點，區別于觀者們日常所見的器物陳列、復原陳列以及凝固、靜止的文物展、美術展。它是一種以動態且富有韻律的“舞臺藝術”為主題的展覽。在展覽陳列方面，不同于靜態的文物展和美術展，它要求多元化、多角度地、直觀立體地詮釋展覽主題，還原舞臺場景，營造舞臺氛圍。舞臺美術離不開現代技術與材料，從視覺、聽覺、觸覺等多角度呈現，打破博物館“以物為主、視覺傳播、靜態觀賞”的常規，在借用更多虛擬式、數字式，甚至宏觀概念來表現、演繹、渲染“表演藝術”這一概念。在形式語言的運用上也更多地強化了聲、光、電、色彩，甚至溫度等元素的運用。靜態觀賞可以給予觀眾沉思的空間，新材料、新技術的運用則能調動觀者的情緒，引發觀眾的參與感。除技術手段外，布景、人物及道具（舞臺場景）的創作與塑造同樣適宜運用于陳列設計之中，成為博物館陳列語言，傳達特定歷史特定時期特定人物所處的特定氛圍，給觀眾以身臨其境之感。不同的領域間的相互借鑒、吸收，可以豐富、增強自我的感染力和生命力。因而在展覽陳列設計之時，深挖展覽資源，解析展覽主題，適度增強陳列語言的典型性設計承載展覽內容，推敲并運用符合展覽特點的陳列設計形式將更為觀眾所喜聞樂見[10-12]。

（三） 沉浸性

在參觀展覽時，首先吸引觀眾視線的是展品的形態和色彩，而非展覽的具體內容，只有到了真正對展品去注意的時候，才會領悟展品所要呈現的內涵。而舞臺藝術則與之不同。從故事傳唱到視覺賞析，舞臺藝術的魅力為人們所公認。舞臺藝術的魅力極大程度上源自舞臺美術與舞臺演出為觀眾帶來的沉浸式體驗。舞臺美術是動態的藝術，是“活”的藝術，需要親臨現場，親身參與，親自體驗方能感受到其藝術的魅力。如果說文物、文獻等展品是通過靜態展示，讓觀者感受歷史的滄桑與歲月的凝結；舞臺美術就是通過聲音、光線、色彩、形狀、材質等元素的無限變化使觀眾享受時空的交疊與知覺的體驗。“演”是舞臺美術的靈魂，也是舞臺美術展覽不可缺少的點睛之筆。“演”既意之“表演”，又意為“變化”。舞臺美術是表演與變化的藝術。國家大劇院的舞臺美術展突破了一般意義上的展覽模式，在展覽中融入演出元素，以“展”“演”相結合，將展覽“從無聲變有聲，從平面變立體”，利用劇院優勢，吸引各方觀眾，實現藝術普及，開展社會教育。“為表演而設計——歐洲當代舞臺美術設計展”中，開設了“大師工作坊”，舞美設計師與觀眾共同探討劇本、繪制設計圖、制作模型、服裝、道具，使觀眾對舞臺美術有了直觀體驗，也使得整個展覽更加立體化。“演”不僅是人的活動，聲、光、電結合的“活”展品、多媒體的廣泛應用等都是舞美設計陳列語言中“演”的基本元素[13-15]。如互動設計中，依據觀者的知覺反應，將復雜的概念用具有明顯視覺特征的形態展現出來，當觀眾利用視覺器官獲取光影、空間、材質、色彩等環境信息后，會產生自動搜索頭腦中相似記憶的知覺行為，激發觀眾的聯想，讓參觀者親身體驗促進交流的真實性，使觀眾對信息有更深刻、更生動的認識。沉浸性實際上是對展覽內容的“激活”，通過展示手段的萬千變化，引導觀者融入展覽主題，體會展覽內容，架起“展覽”與“觀者”的橋梁。舞臺美術與展覽陳列同為視覺藝術、應用技術，在陳列藝術設計中融入舞臺美術陳列語言，勤加思考、科學處理，可以提升展覽的藝術性與感染力，滿足觀眾對未知的探求心理，實現知識的傳遞與文化的傳播。

三 結語

隨著社會的發展，行業間的界限逐漸模糊，跨界成為一種常態。國家大劇院為表演藝術中心，但同樣兼具著藝術普及與社會教育的職能。展覽陳列是劇院進行教育傳播的途徑之一，是藝術普及的一個重要窗口。因其自身職能與定位，劇院展覽策劃工作常與表演藝術息息相關，展覽陳列方式也常汲取表演藝術領域中的元素與手法。舞臺美術是演出的重要元素，無論是布景、燈光，還是服裝、化妝，都是演出不可或缺的組成部分，并極具強烈感染力和傳播力。探尋演劇、設計等不同藝術之間的切合點，將舞臺美術的獨特屬性賦予陳列語言之中，通過視覺、聽覺、觸覺等方式，達成不同學科之間的通感，從而創新陳列設計理念，豐富信息傳遞方式，是在打破行業藩籬后的一種突破和實踐。無論是舞臺美術還是陳列藝術，其對話與交融為必然趨勢。在“藝術+科技”的多元發展視角下，這對姊妹藝術終將在交融中大放異彩。