在新加坡國家美術館感受東南亞畫家的無窮魅力

人們對東南亞地區的藝術知者甚少，新加坡國家美術館的出現，改變了這一現狀。新加坡國家美術館是世界上唯一專注于東南亞地區藝術的國家級藝術機構。美術館耗資近25億元人民幣，總面積達6.4萬平方米，收藏了8000余件藝術品。

在新加坡的市中心，曾有兩座不對外開放的建筑。歐式的穹頂，莊嚴的科林斯柱和愛奧尼亞白柱引人矚目，它們是原新加坡政府大樓和前新加坡最高法院。2015年11月，這兩座建筑忽然對外開放了。它們又獲得了“新生”。世界上最大規模的東南亞現代藝術博物館，就此誕生。

繪畫與建筑的完美交融

新加坡國家美術館那27米高的圓形穹頂由彩繪玻璃打造，就像一個裝滿了瑰寶的巨大奇幻盒子。若從一個參觀者的視角出發，很難說場館的建筑與其內部的永久陳列展哪個更富吸引力。

一層“歷史館”常設展廳通過豐富的文物與史料，反映這座小島的發展和變遷——從700年前的獅子城、19世紀的英國殖民地 、二戰時期的昭南島到今天繁榮安定的新加坡。

二層“生活館”由四間生活畫廊組成，通過攝影，時裝電影和食物及木偶戲等，詳盡地展示了從殖民地時期到上個世紀八十年代蓬勃發展時期，新加坡的文化變遷。

除主要展館之外，位于地下一層的臨展廳也會不定時舉辦特別展覽：比如越南主題的畫廊，中國畫家吳冠中特別展廳，與紐約現代美術館、法國蓬皮杜國家藝術文化中心和法國國立藝術博物館等國際美術館合作的藝術展等。

當我在館內看到張荔英的畫作時，內心激動不已。新加坡國家美術館陳列著一幅張荔英的自畫像。這幅長17.5厘米，高22厘米的作品，沒有任何關于身體部分的描繪。整幅畫的重點在于呈現她的面部輪廓、表情、神態和細節。畫像中的她有著安定從容的側顏，頭發梳得一絲不茍。端莊大氣中隱含著高貴與驕傲的氣息。新加坡國家美術館藏有張荔英的147幅畫作，其中最著名的，就是這一幅。

張荔英是新加坡六大先驅畫家之一，也是其中唯一的女性。她在南洋美術學院的教學，對新加坡現代美術早期的發展有著卓越的貢獻，影響了一整代的畫壇后輩。

20世紀的亞洲藝壇以男性藝術家為主導，而作為女性的張荔英在其中毫不遜色。年僅24歲時，她的作品就入選巴黎秋季沙龍，多次獲得藝評家的贊賞。巴黎教區藝術博物館也收藏了一幅張荔英的作品。那時，能獲得巴黎藝術界認可的亞洲女性畫家的作品寥寥可數，這無疑是一份榮耀。

這幅自畫像展現了張荔英多面的性格，敏感卻不易動情、謹慎而隱秘、靦腆但意志堅定。此畫的主人曾是張荔英在新加坡的鄰居，幼年時曾在她的花園中玩耍，甚至幫她在南洋藝術學院教課時“看守”房子。他曾當過她畫中的模特，邊吃茶點邊聽她講述一生漂泊的故事。幾十年后，他探望年邁的張荔英，想與她拍照留念，虛弱的張荔英沒有與他照相，卻把這幅珍貴的自畫像送給了他，以證流逝的青春年華。

除了張荔英扎實的藝術功底和純熟的繪畫技法，更為人稱贊的是她的繪畫風格。她一開始就想以西方人看得懂的方式描繪東方生活。正是由于這個初心，她的作品可以說是一座橋梁，連接著多彩的西方藝術和穩健的東方藝術。

50新元背后的中國水墨畫

在新加坡國家美術館的藏品中，還有一位新加坡先驅畫家的作品，名聲在外，那就是新加坡畫家鐘泗濱先生的《曬咸魚》。這幅畫至今都被用作50新元紙幣的背面圖案。

這幅水墨畫描繪的是一片昔日馬來小漁村的風貌。漁民們正有條不紊地晾曬著咸魚。這幅畫的靈感來自一本名叫《咸魚》的兒童書。

生于1917年的鐘泗濱是新加坡現代藝術的奠基人之一，被稱為南洋畫派的先鋒藝術家。同張荔英一樣，他的畫是中國水墨和東南亞藝術之間的橋梁，也是連接傳統藝術和當代藝術的橋梁。

新加坡國家美術館最多時曾展出300件鐘泗濱的作品，其中80%是新加坡國家文物局的永久收藏，其余20%是從私人收藏家手中借來的。也就是說，如果不去新加坡，你幾乎無法從其他地方的展覽中看到鐘泗濱的作品。

《曬咸魚》這幅畫中可以看到中國畫的影子，如背景的樹，采用的是中式水墨畫手法，而畫中的魚和人物則采用偏東南亞風格的繪畫手法，就像整個新加坡文化給人的感覺一樣，讓人感受到的是“和而不同”——乍看之下頗有中國風格，細細品味，留下的卻是東南亞的余韻。

遺憾的是，鐘泗濱先生有一些原本記錄在案的作品不翼而飛。在20世紀60年代，新加坡有很多機構邀請他作畫，結果幾次作畫后，作品輾轉丟失。現在有些他的作品是根據照片，重新黑白復原的。

來自“東南亞畢加索”的名作

新加坡國家美術館館內收藏了眾多藝術家的作品，有一位畫家被稱為“東南亞的畢加索”，他便是拉迪弗·默希丁。這位馬來西亞國寶級的畫家、詩人曾說過：“不斷地融入、抽離，在完成一幅畫的過程中，藝術家需要經歷成千上萬次。這樣的動作和思考，我已經進行了63年。”

他的作品是韻律、色彩與光影的交錯。深深的層疊，在具象與抽象之間游離。從不同的角度和距離欣賞，都能帶來不一樣的驚喜。新加坡國家美術館收錄了他最著名的油畫之一——畫于1964年的《寶塔2》。這也是新加坡著名音樂家、作曲人杰若米·蒙特羅先生最喜歡的一幅畫，他曾說：“在亞洲，很容易看到寺廟，可能路的盡頭就是一座清真寺，過馬路就是一座基督教教堂。看到這幅畫上的三個寺廟，我想拉迪弗想表達的是：盡管我們來自不同的背景，擁有不同的文化膚色和不同的信仰。我們依然能夠與不同于自己的東西和平相處。”

與畢加索一樣，拉迪弗的畫作大多抽象。沒有正確的比例或者透視，更多的是創意、激情、變革，獨一無二。從傳統臨摹追求寫實到現代畫更多地追求獨特性，是藝術發展的必然，也是社會發展的縮影。

除去藝術家對自身藝術理念的追求和實踐，很多藝術家在創作時往往也會對本土環境作出反應。譬如印度尼西亞的現代主義美術，它體現在對刻意美化印尼風景人物的殖民地畫家的抗拒，這群具有現代主義精神的畫家要求美術要反映社會現實，更通過美術表達自己的靈魂感受。

印度尼西亞當代畫家安塔格·維哈羅的作品，就有此特點。他的畫是歐洲表現主義和印尼圖像元素的結合。館內收藏了安塔格·維哈羅的一幅4米的油畫——《三部曲——塵世、地獄與天堂》，這也是我個人最喜歡的一幅畫作。

安塔格的畫作大多是這樣的大尺寸，強大的視覺效果撲面而來。在這幅畫中能看到大量顏料的運用和堆積。那些混合在一起的顏料，好像是在塵世、地獄和天堂里掙扎的眾生的集合。千奇百怪的人形，對應千奇百怪的人性：掙扎、扭曲、墮落、貪婪。比起單純的風景人物，這樣含著自己思想與內涵的畫作似乎更像是藝術家想要追求的。

佳士得亞太區總裁龐智鋒這樣評價安塔格的作品：“剛開始看的時候好像是很難解開的符號、隱喻和文字。但如果你看到他繪畫中表現主義的力量，或者雕塑作品中凝聚的精神，就可以感受到他對人類生活狀況被政治、民族、宗教等分割的表述。”

在新加坡國家美術館，藝術家通過美術表達各自的靈魂，使現代主義在東南亞呈現不同的風貌，這也是新加坡國家美術館最令人動容的所在。

（責編：馬南迪）