新裝生態之美

都市綠洲

仙人掌綠、駝粉、山丘黃、落霞橘……低飽和的“綠洲色”為春夏系列帶來清新感。日本獨立設計師黑河內真衣子（Mame Kurogouchi）熱衷于日本瓷器藝術，本季更是以從17世紀古伊萬里瓷器原料中提取的天然釉色為靈感，用手工扎染等工藝制成泛著柔和光澤的連衣裙。瑞士品牌Akris受到奧地利陶藝家Felice Rix的自然主義手工作品啟發，以細長的流蘇模擬微風拂面的形態。Valentino、UmaWang不約而同地用更扎實的短流蘇點綴寬大隨性的服裝廓形，如同瀑布流淌，富有節律。

質樸大地

無論是植物、布匹、陶器還是人類，都是從泥土中來，與世界相融，最終回到泥土中去，我們從2024春夏秀場上，感受到了這個再簡單不過的現實。Max Mara將2024春夏系列命名為“An Army ofWomen巾幗之師”，用剪裁利落的風衣夾克、結實的棉質工裝褲和類似園丁制服的圍裙裙裝致敬鄉間的女性勞動者。Saint Laurent則受到第一代女飛行員的啟發，將男士工裝元素帶入女裝設計。Fendi將羅馬女性低調的日常穿著搬上秀場，造型時髦的同時也適合散步或駕車。這些時裝的色彩根植于大自然的沙土、巖石和樹木，打造自然淳樸的風格，以此致敬那些既優雅又注重實用主義的新女性。

平衡之術

點、線、面，簡單的三元素，通過巧妙的分割、編排、布局，構成復雜的大千世界，自然界的“平衡術”在時裝界同樣適用。鏤空幾何圖形同時出現在Jil Sander和Coperni秀場，為傳統的運動套裝和西服帶來呼吸感，而Louis Vuitton則用成排的紐扣制造視覺的對等。或許并不是有意為之，但Loewe毛衣上巨大的圓形紐扣不禁讓人想起冥想課里的壘石頭游戲。時裝的平衡奧妙并不是對稱，而是和諧 —— 在廣袤的大自然中，平衡也往往存在于混沌之中。

編織天地

在古希臘哲學的觀點中，編織藝術來源于工匠對大自然中蜘蛛網的摹仿。幾千年后，這門美學和慣性運動組合而成的古老技術，依舊在現代秀場應用廣泛。中國獨立設計師品牌Deficeler與貴州冊亨縣的織娘深度合作，從布依族格紋頭帕中提取元素，延展出為女作家量身打造的系列。Bottega Veneta延續“動態的工藝”概念，創造出一個自然原始的世界，熱帶樹葉、拉菲草和繩索等可持續元素，充滿游牧旅者情懷的色彩。南法漁民發明的編織網兜不止一次出現在2024春夏秀場，分秒間穿越進1950年代新浪潮電影中。

珍寶靈韻

沒有人能抗拒大自然慷慨的饋贈。在16世紀的歐洲，王室貴族就喜歡把天然的珍珠和寶石鑲嵌在裙子或帽子上作為裝飾，在今天，人類收集珍寶的熱情有增無減。以3D紡織技術出名的日本品牌CFCL，每一季都會重磅推出“陶器”系列，2024春夏的一件黑色禮服裙，飾有2500枚裝飾亮片，由工匠花費65個小時手工縫制而成。Chanel的孔雀藍短上衣具有粗獷的天然紋路，如同大顆粒的礦石，泛著醒目的光芒。Loewe延續和美國雕塑界巨匠Lynda Benglis的合作，將珠寶蛻變為可穿戴的雕塑作品，以變革性的戒指、手鐲、胸針、耳環和吊墜，映射不斷變化的周遭世界。

嚴格意義來說，在時尚設計中應用手工藝并不是一種“趨勢”，而是高級時裝界始終存在的優良傳統。在經濟下行且信息爆炸的當下，越來越多人開始奉行長期主義，渴望真誠交流——這種對于返璞歸真的期待也體現在2024春夏秀場上。

相較于以往，四大時裝周秀場涌現了大量依賴手工制作和自然材料的新款，它們在造型上千姿百態，但無一例外地強調舒適、真實和有機：Loewe還原時裝的基本線條，著眼輪廓，將細節放大雕琢。超大號的別針讓絲綢長裙充滿立體度和肌理感，奇異而有趣；Hermès以精巧刺繡工藝勾勒經典圖案，柔軟的皮革被手工打造出起伏的邊緣與鏤空造型；Saint Laurent看似簡約，但那些對剪裁要求嚴苛的獵裝夾克卻是以棉、亞麻、薄紗等貼身材質制成——天馬行空的當代設計理念讓傳統手工藝煥發全新樣貌，也重新喚起人們對手工藝時尚的興趣。

長期被低估的手工藝

手工藝保護者Rebecca van Bergen曾經在世界經濟論壇上講過一個故事：她曾去印度北部的城市瓦拉納西尋訪當地手工藝。這里的手織絲綢擁有五百年的歷史，人們需要花很多年才能精通織布機的用法，不計成本地在一塊布上精耕細作。這樣創造出的織物媲美藝術品，可總是在交易市場賣不出價格，即便當地匠人日復一日堅守手工信仰，也難以取得與藝術家或者設計師同等的成就。

手工藝的價值被低估的歷史，要追溯到工業革命時代，機器的普及提高了生產效率，手工不再是造物的最佳方式，但流水線式的制造體系讓物品失去了靈魂。20世紀初，歐洲曾經興起過一場“工藝美術運動”，在英國紡織品設計師WilliamMorris的帶領下，不少有識之士開始呼吁重振手工藝，他們從自然形態中汲取靈感，用雙手感受材料中蘊藏的潛力——這場運動雖然短暫，但長久影響著各行各業的創意者。

Loewe的創意總監Jonathan Anderson是William Morris忠實的追隨者——不止因為個人愛好，也因為Loewe品牌的創立便是源自“工藝美術運動”。2017年，Anderson從Morris公司的檔案中挑選了4幅插畫，并以此為主題創作膠囊系列，這些飽含自然氣息的作品在今年被展陳于Loewe首個大型展覽《匠藝天地》中。作為這次展覽的策展人，Jonathan Anderson說：“我加入Loewe之初便懷揣著一個美好愿望：塑造能夠打破工藝、藝術和時尚之間界限的品牌。我希望工藝能如同一門學科般得到更廣泛的展現，進而提升人們對于手工藝的本質和潛力的共有認知。”

手工藝如何啟發時尚

不僅是Loewe，奢侈品牌向來將手工藝視為自豪感的來源：Bottega Veneta在創始之初就因為intrecciato皮革編織工藝聲名鵲起；Loro Piana古老的織造工藝，在新時代被視為“老錢” 的標志；Saint Lauren雖然以先鋒姿態聞名，但時裝越是銳進創新，越是需要對工藝有絕對的信心。更不用說忠于傳統的Hermès，至今仍然保持用最結實優美的“馬鞍針法”來制作鉑金包……

除此之外，手工藝人也成為時尚大師們的靈感繆斯。例如，Issey Miyake經常提到陶藝工匠Lucie Rie，他曾如此描述與這位陶藝家的邂逅：“看到她的作品，我深深感受到這代表著‘創造’的意義：在深受啟發的同時，也感覺渾身充滿了能量。”在1990年代某個系列中，Miyake將Lucie Rie制作的鈕扣用于大衣的領口與門襟處。有意思的是，Jonathan Anderson自孩提時代便深受Lucie Rie啟發，也一直嘗試將Rie的創意元素融入時裝和包袋設計中。以Rie的成就和地位，即便被譽為藝術大師也絲毫不夸張，但她始終拒絕媒體稱她為“藝術家”。“我只是一介陶工，這是我的工作， ”Rie曾經這樣說，“藝術理論對我而言沒有意義，但美不一樣。”

時尚如何賦能手工藝

我們不能忽視的是，時尚品牌對民間手工藝的深深敬意不止體現在這一季的秀場中，這份承諾更是早已寫進品牌的長期發展計劃：2016年，Loewe基金會開設Loewe基金會工藝獎，此后每年會選出約30件應用藝術作品，包括陶瓷、琺瑯、珠寶、漆器、金屬、家具、皮革、紡織品、玻璃、紙張、木器等，入圍作品可以在巴黎展出，最終獲勝者將獲得5萬歐元獎金；Fendi于2020年發起的“hand in hand”項目，集結各國頂尖手工匠人與手工藝坊，將各地特色手工技藝應用到手袋上，其中去年的展覽包括兩位彝族非遺傳人的作品；Bottega Veneta則發起“Bottega forBottegas”項目，在全球精選工坊，為他們提供廣告版面、官方網站、新聞資訊和門店櫥窗等平臺，通過自身的國際影響力為它們提供推廣支持，目前合作工坊中有5家來自中國。

對話Jonathan Anderson

ELLE：用傳統工藝制造實用、現代且不失文化底蘊的物品，訣竅是什么？

Jonathan Anderson（以下簡稱Anderson）：傳統工藝的現代性完全可以超越時間的限制。舉個例子，在這次Loewe大展上，有一排鄧希平先生打造的單色釉陶瓷金鐘碗，靈感來自明清兩代間極簡的傳統單色釉陶瓷美學，它們看起來非常具有現代性，但同時體現了四百年前的文化底蘊。我認為其中的竅門在于，當你決定活用一種傳統工藝時，需要思考如何讓這件物品持續四百年。當我看著這些瓷碗時，會捫心自問，我如何才能設計出和它們一樣雋永的包袋？或許，這就是以古為師吧。

ELLE：為什么這次展覽會詳細介紹設計背后的創造過程？

Anderson：作為消費者或觀展人，我們有時會忘記這些物件是由人制作的。公開設計的幕后故事，是希望大家可以意識到，產品的尺寸可大可小，可以涉及技術，也可以涉及手工，或兩者兼備。手工藝是Loewe的重要基石，我們在銷售一個包的時候，不僅僅要展示產品本身，更重要的是展示這些令人驚嘆的工藝是如何形成的。我希望這個展覽能讓更多人意識到我們的產品是值得信賴的，以及手工藝的寶貴價值。

ELLE：這次展覽中不乏和中國傳統文化相關的物件，中國傳統文化如何啟發你的創作？

Anderson：我的祖父熱衷于收藏瓷器，所以在我很小的時候，我就迷上了中國的單色釉陶瓷。它們的顏色實在太驚艷了，尤其是石榴紅、麥綠……很難想象這些如同昨日剛剛出爐的物件竟然擁有幾百年的歷史。很多古老的手工藝都起源于中國。我很欣賞的一些西方創意者，比如陶瓷藝術家Lucie Rie、建筑師Ludwig Mies van der Rohe和Philippe Starck，都從中國傳統手工藝中汲取靈感。中國的手工藝不僅具有審美價值，也有實用價值，18世紀晚期中國瓷器出口到英國，廣泛應用于醫療衛生等領域，徹底改變了世界。如今，中國傳統文化又持續塑造著我的創造性思維，它是古老的，同時也是現代的。物品的現代性不一定是SIM卡或計算機，一張桌子、一個瓷器也可以同樣現代。

ELLE：你剛剛提到了Lucie Rie，她曾經說過：“我不是藝術家，我是一名陶工。”你從Lucie Rie身上受到了怎樣的啟發？

Anderson： 我愛Lucie Rie的作品。藝術家和工匠的工作都是圍繞著創意，在我看來兩者沒有本質的區別，更沒有等級之分。最重要的是，Rie在不同生命階段、不同的條件下都堅持使用同一種媒介進行創作，充分展現了一名創作者的堅韌性。她通過一生不斷實踐，找到了自己的創作語言。

ELLE：這次展覽和荷蘭鹿特丹的建筑OMA事務所聯合操刀打造，可以聊聊為什么是他們？

Anderson：我曾經看過很多OMA操刀的展覽，他們有一套獨特的敘事邏輯：抓住故事的精髓，并將其轉化為建筑和空間的形式，這樣做出的展覽具有清晰的思維線索。

ELLE：互聯網文化到底是在助推還是摧毀手工藝的發展？

Anderson：我認為互聯網有助于手工藝的發展，因為它能將工藝開放給更廣泛的受眾，年輕人可以通過網絡學習和參與其中，比如在居家隔離期間，編織工藝因為抖音這樣的平臺迅速流行起來。我從不排斥任何形式的新技術，技術是優化手工藝的方式，與弘揚手工藝的美好愿景并不沖突。比如在這次展覽中，你可以了解到我們是如何運用技術分析一只包的磨損情況的，工匠可以通過這種前沿的方式預測皮具材料在未來十年內的變化。