論聲樂表演的二度創

摘要: 二度創作在聲樂表演藝術中占有非常重要的位置。二度創作是指歌唱者通過演唱把歌曲的樂譜變成實際音響的創造性勞動，即把音符和文字符號變成聲音的過程，是一個藝術再創造的過程。本文細致闡述了二度創作的幾個基本環節，為演唱者把握歌曲的二度創作提供了指導和幫助。

關鍵詞: 聲樂表演二度創作概念重要性環節

一、二度創作的概念和重要性

聲樂藝術表現的目的是通過聲音來感動聽眾，運用各種技巧和方法產生富有藝術表現力的聲音，從而傳達思想和情感。在我們所接觸的表演藝術中，除了即興表演以外的所有表演藝術都存在著一個共同特點，即它的出爐需要兩道工序:一是創作;二是表演。從事表演藝術的人都知道創作的重要性。二度創作在聲樂表演藝術中占有非常重要的位置。

二度創作是指歌唱者通過演唱把歌曲的樂譜變成實際音響的創造性勞動，即把音符和文字符號變成聲音的過程，是一個藝術再創造的過程。一首聲樂作品最初的創作終歸只是停留在紙面上的，而演唱者在演唱表演過程中除了保持詞曲作者的基本要求外，還不可避免地帶有自己獨特的理解和藝術處理而形成自己的演唱特色。

二度創作的基礎在于對一度創作的正確理解，在于對歌曲內容的某一側面的深刻理解和揭示，在演唱中把握歌曲基本內容和在允許的范疇內表現出個性。這就要求歌唱者必須把歌曲唱活才能使聽眾充分感受到強烈的藝術感染力。因此，作為一名聲樂表演者，應該從各個方面來豐富自己，提高自己的文化藝術素質，腳踏實地地進行艱苦的藝術再創造活動。通過不斷地學習和積累各方面的知識來為歌曲的二度創作服務，使聲樂演唱達到藝術表現的較高層次和水準。

二、二度創作的環節

(一)作品的全面而深入之分析

作品的全面而深入之分析是二度創作的首要環節。當我們拿到一首歌曲時，分析作品是必不可少的環節。第一，是對歌曲內涵的理解。所謂內涵，主要是指作品的內在含義即思想感情。理解作品的內涵是聲樂表演的基礎，應該將歌詞進行反復朗誦，以便從中了解作品的時代背景、特定環境和思想情感脈絡。一首歌曲的或長或短，都凝聚著作曲家的強烈情感，作曲家的深情厚意都蘊藏在每個音符中，歌唱者要認真去發掘和體會。對作品的理解越深，感受越深，在演唱時的表達也越真、越完美。只有在理解作品的基礎上，才能在演唱中做到真情的流露。第二，作品中意境的想象。何為意境的想象呢?就是要表演者盡量去啟發音樂的想象力，根據歌曲的內容和音樂形象，在自己頭腦中形成一幅幅生動的畫面，讓自己置身于作品的意境中。像戲劇演員進入角色一樣身臨其境。一旦把握了歌曲的基本情緒和意境，那么就能在演唱時達到情真意切。作為歌唱者，應隨時去搜集和傾聽各種生活的畫面與聲音，去感受生活，來增強我們對生活的理解能力和想象能力，從而更深刻地理解作品。第三，作品風格的分析掌握。作品的風格或者說音樂的風格掌握得好與壞，演唱出來的效果是不大一樣的。因此，歌唱者要準確地表現作品的內涵還必須在歌唱前對作品的時代風格、民族風格、地區風格、個人風格等進行細致的分析和了解，恰如其分地用自己的歌唱技巧來表達作品的風格。一個歌唱者文學修養的深淺，也會直接影響他對作品的理解和風格的把握。因為風格的形成是建立在最深刻的認識基礎上的。成熟的演唱能把作曲家的創作意圖和作品的風格特點淋漓盡致地表現出來。

(二)作品的藝術再加工之處理

有了對聲樂作品全面深入的分析以后，就能對歌曲處理有一個全面的總體設想。它包括整個歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等問題。歌曲的結構、曲體、調式旋律的起伏發展，直到節奏、和聲等給演唱者以藝術表現的總啟示，可以指引歌唱者內在情緒的走向，找到全曲的高潮及層次。處理歌曲時，畫龍點睛的部分往往是一些重點的字、句。只有在這些詞句上下功夫才能使聲樂表演顯得動人和自然，更有味道和美感。

以咪咪的詠嘆調——《人們叫我咪咪》這首聲樂作品為例，咪咪的聲音運用必須根據塑造純潔美麗、樸素單純、虛弱、多愁善感的人物形象而定?！斑溥洹边@個人物的聲音，需要純凈圓潤，音色要稍稍偏暗，反映出咪咪簡單的內心世界和貧窮的生活。這首詠嘆調的音量達到中等甚至中等偏弱就足夠了。在“di primavere(明媚的春天)”樂句，即詠嘆調的A段結束前面，出現了全曲第一個小高潮，但稍縱即逝。這只是她內心情感的小小起伏，是為后面的洶涌起伏做鋪墊的，所以聲音還是應該平靜。而B段在重復了一句“人們叫我咪咪，為什么?我也不知道”之后，咪咪就進入了無拘無束的自由遐想，那么在演唱時就要使聲音顯得俏皮、跳躍一點，速度也可適當加快。咪咪的遐想一發不可收拾，她進入了自己的世界，內心樸素而純潔的情感洶涌起伏，“ma quando vien lo sgelo...(寒冬已過春爛漫，最初的陽光屬于我，春天的第一個親吻屬于我)”，由輕到強音樂如潮漲般漸漸升起，抒情感人的旋律和美麗的詩句使全曲達到最高潮，在處理這一句演唱時可以用較強的音量，可以在聲音里加入較多的氣息來形成一種情感涌動的聲音感覺。另外，在有些歌曲演唱處理中也有運用聲音的虛實、強弱對比來處理歌曲的開頭與結尾的，這樣的演唱一開始便能達到“先聲奪人”的效果，在結尾也能給人留下“余音繞梁”的韻味。比如，我國男高音歌唱家郭頌老師演唱的《烏蘇里船歌》就充分展示了這種對比手法的藝術魅力。當然還有通過延長高音時值來渲染歌曲高潮的，比如女高音歌唱家郭淑珍老師演唱的《黃河怨》，在最后一句“你要替我把這筆血債清還”中的“債”字上運用精湛的高音技巧延長時值，那種悲痛欲絕的情感一股腦兒全部傾泄了出來，有力地渲染了全曲的高潮，歌中的旋律與情感也達到了最高峰。

(三)節奏的把握和處理

節奏是音樂的支柱、樂感的核心。節奏既需準確、穩定，又需富有律動，充滿活力。每一首歌曲，都一定會有它的節奏特點、旋律特點，而這些特點在一定程度上也體現出作品的風格。譬如，《帕米爾，我的家鄉多么美》是一首典型的新疆塔吉克民族風格的歌曲，它的特點非常鮮明，主段部分的7/8拍是貫穿全曲的節奏，民族風格濃烈。我們進行藝術表現時一定要緊緊抓住歌曲的節奏特點。此外，我們還要認真唱好弱拍起音和重視神奇的休止符。

節奏不僅要注意強弱拍的規律，而且要注意弱拍起音的唱法。歌曲中常常會遇到從弱拍起音甚至從弱拍的后半拍起音。一般說，從正拍起音的樂句，通常是用在敘述、肯定的情緒中;而從弱拍起音的樂句，則通常是表現感懷、贊嘆和詢問、思考的境界。如《祖國!永在我心中》這首歌的開始部分都是弱起。因此，作為樂句起音的弱拍音，應起得非常輕柔，富有流動感，呈不穩定性。在演唱時應有請進來或流出去的感覺，當它很輕柔地流向正拍時再把聲音放出，在正拍上形成相對的穩定感。

聲樂作品的每個音符都是作曲家的心血，是他們心中情感的傾訴和流露。休止符便是其中之一，只不過它不是用歌聲而是用心聲去唱。它是為歌曲中情緒的轉換、發展而安排的必要時間，不是絕對的空白和休息。音響停止或中斷時，感情線仍然繼續著，甚至在休止時集聚著更大的感情力量，但不要認為聲音沒了，感情也沒了，我們反對“一刀切”的看法。古人云:“此時無聲勝有聲?！边€有一句形容它的名言，贊它是“無聲的交響樂”，無聲可以給人以豐富的想象空間，足見它的重要性。歌劇《傷逝》選曲《不幸的人生》中就出現了很多休止符，抓住它，整首歌曲的感情線也就出來了，在藝術表現中才更加真實、感人。

(四)行腔、吐字技巧的處理

在聲樂表演中很重要的一環就是要把握行腔、吐字的技巧，也即所謂的“字正腔圓”，實際指語言中的母音要咬得正確，在行腔過程中要保持母音的正確運行，中途不能走樣。歌唱的任務是真切、生動、優美地表達歌曲的內容。首先必須讓聽眾聽清歌詞的每個字，同時欣賞到美妙的歌聲。我們經常聽到這樣的說法“要叼著唱”，行腔中字頭固然重要，但要把它唱得輕巧靈活，既要唱清，又要唱松，這就需要掌握技巧。叼住之后要立即往字身上過渡，此時除了氣息的力量之外，吐字頭的所有力量和狀態應立即消失，僅保持這個字的單一韻母的發生狀態，字身唱法的基本要求是母音應保持到下一字出來之前的一瞬間才收音。而字尾即韻尾，字的收音不能太重、太輕或太長，這樣會破壞字、聲的統一。收音的動作主要由下牙關、舌與下唇來完成，收音時這些部位要放松，在下一個字即將出來的瞬間，很快、很輕柔地完成，同時還要注意母音的轉換。

準確地使用語言，掌握技巧，做到字正腔圓和藝術性的表現語言內涵是我們歌唱中極其重要的方面。我們堅決主張字的清晰準確，一個學習聲樂的人如果字唱得不清楚，怎么能感動別人呢?沒有清晰語言的聲樂藝術表現不是完整的聲樂藝術表現，完美的聲樂藝術表現必定有清晰的語言。

(五)“漸”的妙用

為了表達豐富的歌曲內涵，感情有許多發展變化，表達手法也多種多樣，如抑揚頓挫、快慢強弱等。如何使這些變化合理自然，其奧妙就在一個“漸”字，如漸強、漸弱、漸快、漸慢等?！皾u”字是這些發展變化的中間紐帶，做得好，聲音就自然優美，完整感人;做的不好，就不是漸變，而是突變，如同變臉術一樣滑稽可笑。要使“漸”字做得好，應注意在轉換時，前者要為后者做準備，后者由前者承接過來之后再加以發展。這是很細致、微妙的過程，完全要靠我們不斷的理解，提高修養來完成。藝術表現的好壞，在很大程度上也取決于“漸”字的運用，需要我們精心去揣摩。

演唱者的二度創作，是最終完成聲樂作品藝術實現的必要保障，是作曲家創作的聲樂作品的創作延續和升華，因此，演唱者應認真仔細地把握歌曲的二度創作。

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