從美術角度談藝術美

龔碧花

摘要：本文從美術方面談談對藝術的一些認識和看法，供同行參考。

關鍵詞: 美術；藝術美；程式

說到藝術，人們會很快想到美術，音樂、文學、舞蹈、戲劇等等。限于專業，我只從美術方面談談個人對藝術的一些認識和看法，想必能一斑窺見全豹。

藝術的外在形式可以是事物，可以是聲音，也可以是行為。美術的表現方式則是通過實物呈現的視覺藝術。“美”是美術作品生存的根本，一件作品失去了“美”，則毫無價值。美學家說過：“美術作品一定要美。”這個“美”正是藝術美。藝術美是一種獨特的美，它通過藝術作品表達一種思想、理念并引人思考，使作品從形式上，內容上達到完美的結合，給人以藝術的享受。優秀的藝術作品雖然令熱愛藝術的人愛不釋手，但它不一定是“美”的東西，它或許看上去很難看。很美的東西不一定具備藝術美。拉非爾的畫可謂“二美”結合（藝術上的美和世俗中的美相結合），他的作品總是給人甜美的感覺，波提切利的作品亦多以“美”而著稱，他們的作品因“美”而打動人，而梵高筆下吃土豆的農夫，割耳朵的自畫像，畢加索“解剖”的妓女，抽煙斗的男人等，看起來給人以恐怖或悲憫，不會使人想到美。而他們的作品則更能打動人，給人以震撼力，打動觀者的心靈，這便是藝術“美”之所在。現代藝術往往不能以美術稱之，但它們能引導人們的思考，它們依然很“美”。

藝術上形式與內容的問題始終被人們鬧得喋喋不休，偌大得一個中國，大部分藝術作品都是千片一律。形式和內容居然都有不成文的“規定”，山水畫必然是“斧劈”、“披麻”，要有山有水有云有樹有房屋，否則不是山水；油畫則要講筆觸，講肌理……，中國人習慣于守程式，講法則，筆筆皆有出處，說《芥子園》害了幾代學國畫的是有些道理。設計行業亦然，凡是“祖國”、“中華”題材的，長城、故宮、天安門等。藝術上最忌程式化，公式化。本來前人的法則自有前人的道理，但一定成為定理，便會失去生命力。一般都說內容決定形式，但也不一定，有時有了好的形式，未必是先有內容的。藝術本無定法，沒有固定的程式，什么是美的，什么是丑的，也沒有定法。藝術需要感情，美需要感覺，一切藝術類都是作者和觀者心靈之間感覺的交接和 碰撞而來的。

我們看到一副繪畫作品，被其深深地吸引，沉浸在藝術的美妙之中。而旁邊有人在解釋：什么顏色大膽，筆法樸拙，構圖奇特，黑白處理得當，這畫似乎是哪兒哪兒的山水……說得愈是具體，愈是顯得不美。真正的美是模糊的。美往往是只能意會不可言傳的--因為美來自情感，人的情感是微妙的，抽象的，模糊的。我們看達利的畫，會被深深地震動，但我們說不出到底“美”在那里，一旦說得仔細，達利的畫也就失去吸引力。達利自己也拒絕解釋他的作品。他說：“我和你們一樣看到我的畫感到驚訝。”藝術往往毋需太多的解釋，藝術是感性的，它的美是屬于感覺的，是“從心造境”（郭若虛語）的。千萬不要把本來模糊的東西說得十分具體。

既然美是情感產物，那么產生藝術美的唯一源泉是真情實感而非技術。技術可以幫助表現情感，但技術絕非藝術。偉大的藝術品并非技術性都很高，相反，真正的藝術品，其手段往往是笨拙的。而技術上相當高妙的，藝術性往往不高--因為他缺乏感情。原始社會留下來的樸拙的巖畫、石刻，雖然手段極其落后，然而并未絲毫影響其藝術美，相反增加了藝術性。漢、唐雕塑，洋洋大氣，氣魄宏偉，充滿時代的激情。其手法質樸、古拙。而明清的雕飾品，大部分雖技法精熟，雕飾精到，技法上遠勝于前代，但大都流于程式，過分的雕飾必然導致庸俗，讓人看了并不覺得很美。羅丹說，真正的藝術是忽視藝術的。同樣，真正的技巧是忽視技巧的。為藝術而藝術，為技巧而技巧，必然難以產生藝術的美。梵高在繪畫時，自己被深深地感動，他富有激情的筆觸完全是他情感的自然流露。他不會想到要用如何如何的技法等等。一切服從于藝術家的情感。真正達到“天人合一”境界的藝術家，中國只有徐渭，西方只有梵高。藝術家是因情感而激動而創作，而非為創作而情感。

藝術作品因有藝術美而生存，但現在藝術品是可以復制的或用人來復制，或用機器復制，藝術品被復制了。藝術美被復制嗎？這當然要看被復制的程度。復制的與原作越接近，其藝術美則會被復制一部分，但作品可以復制，作者的感情是不會被復制的，即使作者本人復制本人的作品（真正的藝術家是不會這樣做的），也不可能復制的一樣，因為很難再達到當時那種情境了。這也是一些藝術家的創作會有高峰和低谷的原因之一。北大美學家彭鋒先生認為當藝術家作品被復制得一模一樣時，藝術品本身顯得不重要了，判斷一件作品是否為意識品的標準是看其是否是藝術家創作的。我有不同的看法，其一是藝術家如果沒有藝術作品，何以為藝術家？一個被認為是“藝術家”的人，其生活方式又何以判斷是不是藝術家？其二，難道是“藝術家”創造出來的任何“作品”都是藝術品嗎？例如有一件作品的作者是一位普通人，時間久了，那位普通人成為知名的藝術家，那么那件作品是不是藝術品呢？即便是偉大藝術家，也有失敗作。看來判斷一件作品是否為藝術品的唯一標準是看其是否有“美”，羅丹說：“在藝術中，有‘性格的作品，才算是美的”。所謂“性格”，就是不管是美的或是丑的，某種自然景象的高度真實，甚至也可以叫做“雙重性的真實”；因為性格就是外部真實所表現于內在的真實，就是人的面目，姿勢和動作，天空的色調和地平線，所表現的靈魂、感情和思想。要使自己的作品有“性格”，藝術家本人必然是有“性格”的，藝術品永遠是藝術家個人的表現。在藝術家的眼力，自然中的一切都具有性格，因為藝術家所看到的，是他心靈的濾鏡所透過的，事物蘊藏得意義。藝術發展到今天，呈現出近于混亂的局面，什么樣的形式都有，打亂了我們原有的藝術欣賞習慣，人們感到藝術欣賞今天很難有一個標準，但什么樣的才叫有“性格”呢？似乎又很難確定，尤其是西方的一些“現代藝術”，有的像是再做游戲。因為古典藝術是以和諧為美的，而現代藝術的特點是不和諧。不“美”，但往往令人思考。在當今雜亂的“藝術游戲”中，我們應該冷靜地去看，如果在其“游戲”的內部傳達了某種內容和趣味，那就值得我們欣賞，如果“游戲”里還透露出一種人生的體驗，一種生命的體驗，而且很巧妙，引人深思，這個游戲便是一件作品了。--藝術如何變，是不會脫離感情的。“沒有情感這個品質，任何筆調都不可能打動人的心。”（狄德羅[法]語）改變的只是表現方法和形式藝術表現的是站在自然前面的人的情感。吳冠中提出的“風箏不斷線”也是這個道理。

參考文獻

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