劃間的大千世界

自20世紀后半期以來，隨著以波普藝術為代表的當代藝術的崛起，藝術與生活的界限被進一步地模糊，藝術的內容和形式得到了極大的拓展。相比之下，作為20世紀經典藝術的延續，抽象藝術與世俗生活始終保持著謹慎、有尊嚴的距離，顯得并不那么親近，對于國內習慣了以內容為先，且缺少抽象藝術欣賞經驗的觀眾來說，抽象藝術顯得過于神秘，甚至有些晦澀。這也解釋了為何在此之前，從未有抽象藝術家能在中國美術館做抽象藝術個展。

在這樣的背景下看譚平在中國美術館的最新個展《1劃》，我們不能不為譚平在抽象藝術上的持續努力而產生敬意。在此次中國美術館的圓廳之中，譚平用一根一刀而成的40米長線（《+40m》），演繹了抽象之于他，之于觀眾的意義。一根長線，由觀念出發，可以是老子“萬物得一以生”的生機勃發；也可以是佛語“九九歸一，終成正果”的洗盡鉛華。本著“少則得，多則惑”的理念，譚平以一條線與展廳、與觀眾對話，沒有形象、風格等框架的束縛，觀眾目光所及，心之所感即意義所在。待走到近處細細玩味，刻劃行進中的波折、摩擦又蘊含了中國書法揮運間的枯筆、飛白，一氣呵成，元氣淋漓，不僅有草書揮灑的肆意狂放，又有楷書創作的法度深嚴，藝術家將書法的抽象性和豐富性溶于抽象作品中，呈現出時而隱沒、時而伸張的自我面貌，用譚平自己的話來說，將一個中國人與生俱來的書法情懷溶于作品之中，是一個自然而然的過程。

一塊板，一把刀，藝術家將色彩、材料、肌理等服務于形式的因素通通剔除，以緊縮到最小程度的藝術性和物象性彰顯最強的真實性和個人性。刻劃過程中譚平全身心投入畫面，在刀與板的直接接觸過程中完成極個人化的表達。經過6個小時的努力，藝術家將一根線從摹寫實物的藩籬中解放出來，使其獲得完滿的內在力量，同時借助抽象藝術更為純粹的形式外表，完成對自我真實的詮釋。

除了對線條游刃有余的把握，《+40m》也是譚平在多次考察中國美術館圓形展廳后為其量身定制的一件作品，用譚平的話說：“這件作品完全是為中國美術館而生的。”譚平在展覽自述的開篇寫到：“我認為，一好的藝術品，自身的質量只是評價它的一個最基本方面，它未來與將要被展示的空間有機結合是作品最終完成的綜合體現。藝術家在創作的時候是否考慮‘空間’因素，如何確立作品與‘空間’的關系，這些思考是決定作品能否呈現一個完整形態的關鍵所在。”為了達到這種作品完整形態，譚平曾先后考慮過多套方案，其中包括由早年細胞造型轉換的圓形雕塑和以強烈視覺刺激，營造夢幻效果的多媒體形式，但都因其與圓形展廳和觀眾的契合度不夠而被否定。在經過了多次設計和自我否定后，譚平最終決定以一條最簡潔、也最能說明問題的細細曲線橫貫整個弧形墻面，此舉不僅能做到與展廳形態的完美結合，將藝術的張力最大化，同時也能將技巧性的因素降到最低，做到與觀眾的直接互動。可以說《+40m》適合也僅適合在中國美術館的圓廳中展示，如果放置于其他不同的空間，也將失去作品真正的含義。

在圓廳的前后左右四個方向，分別展示了譚平不同階段對“線”的理解，從中不難發現譚平把握繪畫乃至展覽整體性的用心，這種整體性貫穿著作品與作品、作品與觀者的關系，讓整個展覽變得流暢。如果我們將展覽中所有作品按照時間順序并置，便會發現譚平的“線”所經歷的變化歷程：從寫實的線到表現的線，再從抽象的線到極簡的線，作品之間環環相扣，脈絡清晰，所有的鋪墊都最終指向如今的《1劃》，某種意義上說，中國美術館圓廳所展示的《+40m》是凝聚了藝術家40年藝術歷程的里程碑式作品。但如果我們放棄這種復雜的歷史敘事，將時間順序打亂，隨意將任何一件作品與《+40m》并置于一處也同樣會產生意想不到的統一性，最明顯的例子莫過于前廳《-40m》和圓廳之后的多媒體作品。作品《-40m》的出現源于一個偶然，譚平在印制《+40m》的過程中為了防止木板上多余的油墨弄臟作品，就在印紙的后面又覆蓋了一層墊紙吸除油墨，但這一創作過程的副產品卻無意間成就了《-40m》這件作品。《-40m》與《+40m》互為表里，二者形成一種對話，在無意與偶然間，打破我們對已有藝術的認識，同時賦予這條線另一重意義。而圓廳后的影像作品則是譚平《1劃》最初構想的延續，譚平將《+40m》的線條語言轉換到影像之中，并且賦予線條以運動能力，當人靠近屏幕時線的流動便會加快，人遠離時運動又會放緩。多媒體與《+40m》一動一靜，使線條呈現出動靜皆宜之美。兩組作品從不同方面對《+40m》予以補充，同時彰顯譚平對展覽整體的匠心獨具。

譚平的作品形式多樣，曾經受到過許多藝術浪潮洗禮的他始終堅持著個人的獨立思考與判斷，譚平從不將自己限定在某種風格的樊籬之中，而是執著于語言的創新和實驗性。當代某些成功的藝術家在找到一種符號或者風格后，就會以此來確定自我的形象，不斷重復，對面日益膨脹的市場，此種做法不失為一種策略，但長此以往必定對藝術家的創造性形成一種束縛。而譚平作品的跳躍和變化是比較多的，自學生時代以來，譚平的作品面貌幾乎每隔幾年便會有新系列問世。從最初學院時期的寫實版畫，到畢業后的表現繪畫；留學德國后快速接觸表現、新表現、抽象等各種現代藝術，回國后以東方情懷將之熔于一爐，形成自己的語言，譚平逐漸打破材料、風格的界限，將各種藝術形式為我所用。從一種風格轉換為另一種，或是徘徊期間，對譚平而言只是一個越來越清晰，越來越直接的過程，現在的風格和藝術門類對他而言已不再是障礙，而是根據需要所做的最恰當、最自由的選擇。所以《1劃》的極致凝練不會是譚平抽象藝術的終點，而是一個自我否定和自我超越的節點，當空間、環境發生轉變，又會產生不同的語言和表達。所以我們有理由對譚平的下一件作品保持期待。

談論譚平的藝術，還有一個不容忽視的重點就是他近十年來對設計教學的介入與理解，這對他的藝術產生了深刻的影響。我們知道，在20世紀現代藝術的發展過程中，現代設計的發展是一個重要的催化劑，許多著名抽象藝術家都有過設計教學的經歷。但是譚平并沒有簡單地將設計的構成要素引入他的創作，而是從設計的基礎教學中獲得一種新的觀察角度與工作方法。藝術創作是一個向內回溯，與個性緊密結合的過程；而設計則給人一個自我消解的機會，將人的目光從自我轉移到更廣泛的區域，其中包括受眾、環境、空間等外部因素，是一種向外思考的過程。借由設計，譚平開始更加注重藝術與環境的關系，對于藝術表現中時間與空間的關系，甚至藝術與觀眾，藝術與美術館的關系都有所思考。設計的向外思考同樣也給了譚平更加自由的創作領域，讓他的抽象更加清晰，更多地介入生活。

在當前商業主義、唯美主義盛行的時尚藝術圈里，譚平不為任何風格的時尚壓力所左右更顯難能可貴，借助抽象的表達，譚平尋獲了更自由的空間，也讓他找到了一條屬于自己的路。一路上，所有對形式語言的不懈探索和對藝術理想的堅持都凝聚成一條指向遠方的線，線的盡頭將是更為廣闊的大千世界。