淺談音樂美學在聲樂藝術中的應用

[摘 要]一部音樂作品之所以被稱為經典作品，是因為其經受得起時間的檢驗。在時間的考驗下，不論是中國的民間音樂或者是西方的古典音樂，能被稱為經典的作品都具有永恒之美的特點。在欣賞這些優秀音樂作品的同時，欣賞者必須具備一定的音樂審美能力，并結合音樂美學來理解作品。通過對作品基本內容的深入了解，做到更好地理解作者在創作中的真實情感。

[關鍵詞]音樂 聆聽 審美 音樂美學

[中圖分類號] J601 [文獻標識碼] A [文章編號] 2095-3437（2013）21-0052-03

從廣義上來說，音樂屬于表情藝術的范疇，也屬于藝術美學的分支。音樂美學是藝術學的重要組成部分，它是通過音樂基礎理論來指導音樂實踐的。但很多人對于音樂美學問題還是望而卻步，這是由于對音樂美學的研究相對薄弱。其實早在遠古時期，音樂美學就已經存在了。它不但指導著音樂的發展，也具有一定的社會作用。這就提醒聲樂演唱者在研究聲樂技巧的同時也應該重視對音樂美學的研究，將學習到的音樂美學理論與具體聲樂藝術結合，為演繹作品提供更為廣闊的知識平臺。

一、音樂美學在聲樂藝術中的重要性

音樂美學早在中國遠古時期就存在了，只是由于當時缺乏記譜方式而沒有保存下來。在古代奴隸社會就記錄著最早的民歌：“男女有所怨恨，相從而歌。饑者歌其食，勞者歌其事”。最早被記錄下來的歌曲集也是中國第一部詩歌總集《詩經》。在古代，詩歌都是用來唱的，當時的樂師將民間歌謠編成詞，并將這些唱詞匯集到宮廷唱給天子聽。就音樂美學中的審美性來講，最早被記錄下來的應該是孔子的音樂思想。孔子最早用“善”與“美”來檢驗音樂，凡是合適的就是好的，也就是“中和美”。這一點從孔子在聆聽了周代《大武》之后，給出的評價是“盡善未盡美”就可以看出。也由此可以看出，我國古代的聲樂藝術早已存在音樂美學的觀念，也將此作為評價音樂作品的優劣。古代的《唱論》就是一部針對歌唱聲樂藝術要求而作的作品，同時也提出了當時演唱的審美標準。在現在的聲樂教育中，聲樂教師在指導學生聲樂技巧的同時，也需要幫助學生建立起對聲樂藝術的審美觀，普及相關音樂美學的知識，指導學生將音樂美學用于具體的音樂實踐。

二、音樂的美學特征在聲樂藝術中的作用

表情藝術最基本的特征就是它的抒情性與表現性。這也使得音樂不需要借助中間環節就能直接進入聽眾的心里。但表情藝術又必須通過長時間的一度創作與二度創作，才能構成一個完整的表演。在學習聲樂的過程中，我們需鍛煉自身對聲樂藝術的聽覺能力，做到既尊重作者的創作又能進一步完善作品、表現作品。聽覺能力直接影響聲樂學習，由于聲樂教學屬于抽象的感覺教學，要掌握其特點需要依靠聽覺的記憶。沒有做好熟悉作品的案頭工作，就無法完整地表達作品的真實情緒。所以不論是聲樂學習者還是教育者都要學會聆聽，并在仔細聆聽多次后再給出客觀評價。聲樂教師要正視學生聽覺訓練的重要性。每個學生的聲音都是獨特的，對于不同的學生，教師要善于聆聽，聽完以后仔細分析，看其哪種聲音是最本質、最自然的，并以音樂洞察力加以比較，然后給予點評定型。這就要求教師自身也需要具備良好的聽覺和豐富的經驗。只有培養正確的聽覺能力才能提高學生對于聲樂發聲優劣的判斷，這樣才能做到更好地提高學生能力。

三、了解音樂美學中美的定義，并將其運用到歌曲中

學習音樂美學對聲樂學習者有著十分重要的作用。眾所周知，不同的歌曲給聽眾的感覺是不一樣的。例如，抒情、節奏慢且帶有傷感歌詞的歌曲，會讓人感到憂郁、寂寞；激情、高亢、具有動感節奏的歌曲，能帶給人活力。總之，不同的歌曲的美是不一樣的。所以，在學習歌曲的同時，要先了解音樂美學中對于歌曲的不同美的定義。在了解不同美的定義后，歌唱者才能更好地進行表演，了解作曲家在創作時的本意。音樂美主要分為喜劇美、悲劇美、崇高美、優美、壯美。例如，《人說山西好風光》、《彩云之南》這一類描寫風景秀麗的歌曲，就屬于優美的范疇。近代合唱歌曲《黃河大合唱》描寫了英雄氣魄，就屬于壯美的范疇了。不僅歌曲具有這些美，戲劇也一樣。例如，威廉·莎士比亞著名的戲劇作品《羅密歐與朱麗葉》，就屬于悲劇美的范疇。可見，藝術都是相通的，在學習音樂的道路上，不僅要了解歌曲的處理、聲音的技巧，也要學會將其他相關學科的知識運用到自身的作品中。這就說明，聲樂教學是一門三位一體的學科，它具有科學性、藝術性、思想性綜合的原則。

四、將音樂鑒賞能力運用到聲樂教學中

在學習聲樂的初期，很多學生或多或少都聽到教師提及音樂感受的重要性。同一首歌曲被不同的歌唱家演繹后，效果是不一樣的，這是由于每個人對音樂作品的感受不同，而做了相應的改變。這就要求學習者注重平時的音樂素質培養。這里所提及的音樂素質是指對音樂的鑒賞能力，也就是音樂內心聽覺能力。

在《沈湘聲樂教學藝術》一書中，沈湘教授認為，“好的聲樂老師有好的耳朵，也有豐富的教學手段；中等水平的老師有好的耳朵，但是教學手段可能少些；最不稱職的老師是耳朵的辨別能力很差，但是教學手段又太多”。可見，對于聲樂教育者而言，擁有良好的聽覺能力是很重要的。

（一）通過熟悉、分析作品運用內心聽覺

歌唱者對聲樂作品的音響效果要有預想，再唱出來。這就是“意先行，腔后行”。在頭腦中逐步地聽到從粗略到精細、從模糊到清晰、從浮動到穩定的聲音，最后形成對這一聲樂作品整體的、固定的歌唱音樂內心聽覺。另外，在歌唱前的準備過程中，在用鋼琴彈奏伴奏部分時，要用內心聽覺想象出旋律；反之，在彈奏旋律部分時，要用內心聽覺想象伴奏部分。甚至不用鋼琴彈奏，在看譜分析研究作品時，就應該在頭腦中運用內心聽覺默默進行歌唱。

（二） 聆聽不同類型風格的各類作品

在學習聲樂的道路上，由于聲樂技術的不斷提高，聲樂學習者會接觸到更多更為復雜的作品。這既是對聲樂學習者的要求，也是對其內心聽覺的培養。在分析各種不同類型的音樂作品后，要掌握各種類型中最典型的音樂處理。聲樂學習者在學習一首新的歌曲時，要能及時應對，而不是等待教師的處理。音樂作品不只包括聲樂作品，也包括器樂作品、交響樂、歌劇、合唱等。在聆聽這些作品的同時，要學會做筆記。另外，在鑒賞之前，要先對作品有一定的認識。如果有條件，要多向其他專業的同學請教。器樂專業的學生對音樂作品的感受相對于聲樂專業的學生要好一些，這是由于器樂專業的學生長期都是運用肢體進行表演的，對音樂作品的熟悉度更深。

（三）對于不同類型的作品不同的處理方式

聲樂學習者要會選擇適合自己的聲樂作品。首先，要理解作品。這包括了解作品的時代背景、創作意圖、作品詞曲、思想情感。其次，要培養歌者個人的文化修養和生活底蘊。同一首作品，不同的歌者演唱的效果各不相同。這是由于演唱者在這作品中融入了自己的人生故事，所以越是簡單的歌曲越難唱。作品越簡單就越需要歌唱者更多地加入自己的再創作，這就要求歌唱者對于情感的表達更為準確，更加貼合作品原來的詞義。再次，聲音的變化。不同的音色會帶給作品不同的味道。例如作品《聲樂隨想曲》，就要求歌唱者使用自然純凈、古樸典雅而不失透亮、輕盈的聲音來演唱。這就要求歌唱者不但要吐字清晰連貫，而且不能因為只看重咬字而破壞旋律線條的優美；速度不能過快，但聲音必須流動，流暢而不失平衡。在歌唱這個作品的時候，要尊重原詞的意境，不用去追求聲音的明亮和高亢，更多的是要表現那種忽明忽暗的空間感。所以，在接觸不同的作品時，不要單純地追求聲音的音色、強度、節奏感等，而要尊重原來的詞義。只有統一的整體，才能使作品更具有生命力。

五、歌唱技巧中的幾點訓練

大多數初學者學習聲樂的時候，第一步一般是通過錄音學習，聆聽大量歌唱家的演唱錄音和現場教師的示范，再看著歌譜學習。但是大部分的初學者都不太注意自己的聲音，而是把注意力放在單純的模仿名家和教師的聲音上。這種行為會使學生成為模仿樣板歌唱家，缺乏個人的聲樂審美觀。學生也不清楚正確的聲音概念，從而影響學生的內心聽覺，也會影響他以后的聲樂學習發展。所以在學生學習之初，教師應該著重注意樹立學生正確的聲音概念。

關于“正確的模仿”，沈湘先生曾經提出以下觀點。

（一）模仿同一聲部

初學者剛接觸聲樂還不了解自己的聲音適合唱什么類型的作品，應盡可能地詢問教師的意見，不要過早貪圖一些高音和技巧的表現。因為在沒有掌握扎實的聲音技巧的時候，過度的表現會傷害自己的聲帶和信心。所以在教師布置曲目的時候，可以詢問教師在選擇曲目時的側重點，還有現階段自己適合演唱什么類型的歌曲。在學習一段時間后，教師給學生定位了聲部或者更加適合演唱什么類型的曲目的時候，學生可以就選擇一些同一聲部的歌唱家演唱的曲目來聽。這樣的模仿能幫助學生更好地認識自己的聲部特點，也能幫助學生貼近歌唱家的角度。這種模仿是正確的，是以培養學生自身的歌唱聽覺為目的的，而非單純的模仿樣板歌唱家。

（二）正確認識各個階段

金鐵霖教授認為，在學習聲樂期間會有不同的階段：不自然階段、自然階段、科學的自然階段。

例如，在不自然階段，大多數的聲樂初學者會遇到聲音不統一的問題。聲樂初學者在這個階段要做到不可用蠻力。因為歌唱者其實類似運動員，必須通過訓練學會使用身體各個器官來歌唱，必須以特殊的方式來訓練歌唱肌肉。要盡量做到“外松內緊”，因為在學習到一定階段或者學習一項新的聲樂技巧時，學生可能會不習慣，認為自己的喉部是緊張的，于是認為這是不對的，從而對這種新的技術產生反感。而導致這種情況的原因是學生還未完全掌握新的聲樂技巧，無法與之前的聲樂技巧做到統一。

（三）不可貪大

這個問題在很多的聲樂初學者和愛好者身上都會出現，有時因貪圖高音的洪亮等，他們會盲目選擇一些不適合自己的作品，而忽略了自己原本聲音的特點和優點。另外，很多學生會在有回響的教室或者澡堂練唱，總覺得那時候的聲音是最好聽的，其實是因為其共鳴能力還沒達到一定水準。所以在學習歌唱時，切勿貪戀難度大的歌曲和有共鳴的房子。

六、結語

每一個學習表演的學生都希望能有一天登上舞臺表現自己并獲得觀眾的喜愛，但大多數師范院校的學生都缺乏舞臺經驗。大學一年級的聲樂專業學生想參加優秀學生比賽，但自身的聲樂技巧達不到要求；而教師由于面子問題不讓該學生參加，這樣不但會影響學生的自信心，也違背了聲樂教學的基本原則和思想性。隨著學習的不斷深入，學生的聲樂技巧越來越成熟。這時候再參加比賽，可以展現學生自身的實力。但這時的學生由于缺乏舞臺經驗，一上臺就緊張，影響了歌唱水準。這使得學生自信心受傷，也會質疑教師的教學水平。

聲樂教學是一門要求技術性的音樂藝術學科。教師不但要注重基本音樂知識的傳授，也要重視聲樂實踐的重要性。學生在學習聲樂技巧的同時，要多上臺表演，積累舞臺經驗，在舞臺上做到克服緊張情緒；爭取發揮良好，把歌曲的藝術美傳遞給觀眾。

在學習聲樂的各個階段都需要認真的思考，要學習調動身體的其他器官和能力來幫助學習。聽覺能力的培養是一個需要一直積累的過程，也是能體現音樂學習者綜合能力的表現之一。音樂是意志的表現。一個人世界觀的形成，價值觀念的建立，人格的完善，理想的升華，都在很大程度上取決于道德、修養的作用，而音樂恰恰是陶冶情操、完善人格的有效途徑之一，它有著強烈的感染力，能深深打動欣賞者的心靈，觸動人的靈魂深處，對人的情操的培養起著潛移默化的作用，使人在美的享受中開闊視野，陶冶性情，豐富感情。

綜合來說，音樂美學思想必須與道德倫理觀念結合起來，它賦予音樂審美以新的內涵，提高了音樂的作用，使之不僅成為娛樂的方式和表情達意的方式，還成為傳遞思想、道德、倫理主張的重要形式。所以在我們學習聆聽和表現作品的時候，不僅僅要注意音樂作品的本質表現，還要學會站在音樂美學的角度，將兩者更好地結合起來。這樣的音樂思想表現會讓音樂作品更有生命力，也能讓聲樂教育者具有開拓的思想。在聲樂教學時，教師不能只將聲樂技巧單純地傳授給學生，要能做到對比不同的時期、不同的作曲家、不同的社會文化背景等來看待音樂作品。教師要提供更好的音樂平臺，在短暫的教學課程中，給學生一個更好、更寬的眼界。

[ 參 考 文 獻 ]

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[責任編輯：劉鳳華]