時尚+藝術，我們這樣生活

每個人都在以自己的方式呼吸時尚、觸摸藝術，它們為平凡枯燥的生活開啟詩意視角，讓每一個稍縱即逝的瞬間，幻化為美的盛宴。

時尚展覽最時髦

時尚界的女祭司Diana Vreeland在1972年受聘于紐約大都會藝術博物館后，以戲劇化的形式打造了十余場具有革新意義的時裝展，帶領人們以前所未有的角度感受時尚。如今，無論是為宣揚品牌文化，還是留存時尚精髓，各種多維度、多構思的時尚展覽毫無疑問成了探索時尚藝術的最佳途徑。2012年紐約大都會博物館的“Schiaparelli and Prada”隔空對談；2013年倫敦設計博物館“Hello My Name is Paul Smith”將設計師作品、私人藏品、數碼影像及工作室的模擬還原等匯集一堂；Fendi以影院式的展區，講述品牌服飾與電影的親密聯系，每一個展都留給人們一段璀璨迷人的旅程。

Magazine

可收藏的雜志

在時尚界有這么一些雜志，它們的出版次數“陰晴不定”，它們的大小、材質、排版等也從不按常理出牌，而正是它們，讓我們體會到一本出版物的真正價值。擁有它們，也成為一個時尚藝術咖最好的炫耀品。《Acne Paper》和Acne Studio 都是當下最有影響力的名字，因為它們是把Scandinavian Ascetic北歐審美觀帶入時尚界的主要貢獻者，創辦人的初衷即希望它成為一本永不過時的讀物。從開刊到現在的《Visionaire》，是一本沒有固定樣子、限量發售、奢侈的時尚雜志，每一期都是一種藝術的體現，外表對它而言只是一種形式，真正不變的是里面對時尚藝術精神的無盡探索與創造。

銀幕中的時尚夢

你無法說清時尚與電影誰成就了誰，你需要的，只是享受其中，跟隨它將夢幻帶入現實。每個人心中都有屬于自己的時尚電影名單，到最后往往故事的是與非，劇情的深度與意義，都不重要了，因為那些時裝就是當中最擊中人心的態度體現，最直接最輕易引起共鳴。《蒂凡尼的早餐》中赫本的小黑裙造型讓設計師紀梵希與小黑裙都自此奠定江湖地位，從此，有品位的都市淑女，就是紀梵希。《工廠女孩》則是關于迷茫困惑、波普藝術的，華麗麗的60年代時髦標志。《了不起的蓋茨比》中那些盛大的別墅派對拉開序幕時，人們都希望時光倒流，活回那個紙醉金迷的美好年代。

被定格的魅力

時尚攝影藝術家的鏡頭里存在一個與現實截然不同的世界，當攝影成為藝術，它總要在某些地方觸動人心，捕捉與呈現人們未知的領地。時尚攝影師很特別，因為他在創造攝影藝術的同時，也在表明自己的時尚態度。第一位捕捉動態的時尚攝影師Richard Avedon，用鏡頭記錄優雅和一種與世無爭的美；被譽為時尚攝影造勢者的Helmut Newton則透過黑白照片講述一種細膩、性感又充滿反叛危險的美；而Tim Walker則用魔幻般的畫面，呈現童真、浪漫、恐懼、孤獨或者是愛的困惑。時尚攝影就是他們的藝術語言，更多的故事隱藏在畫面背后。

畫廊時裝店

時尚界最有資本傲嬌的時尚設計概念店10 Corso Como，正是起始于名為“Galleria Carla Sozzani”的畫廊構想，逐漸發展成如今涵蓋時尚潮流、藝術、音樂、設計與美食的時尚空間。它的整體概念在不斷進化，而它的先鋒態度與敏銳視角，始終集中體現于Galleria畫廊。創始人Carla Sozzani對藝術的大膽視野與強烈熱愛以及對細節的執著堅持，型塑著10 Corso Como的發展。巴黎頂尖服裝店L'Eclaireur，與比利時的藝術家Arne Quinze合作的店內裝飾藝術，每個客人都將在店內經歷獨特的體驗，夜間商店則變身畫廊，在特殊裝置配合下變幻不斷。看，最前端的時尚都離不開藝術。

畫出來的風尚

在20世紀初期前攝影時代，時尚插畫師與風尚流行息息相關，當中不乏對如今的時尚攝影及廣告領域產生深遠影響的經典，René Gruau就是這樣一位擁有永恒經典風格的插畫藝術家。他為一生最親密的客戶也是摯友Christian Dior繪制插畫，也與《Vogue》《Fémina》等雜志合作，可謂時尚產業品牌最早的背后推手。百年來，時尚插畫以最直接的形式連結著藝術與時尚，記錄著每個時代的風格片段。用畫筆揮灑激情的Tony Viramontes輝映著1980年代的濃烈浮夸；David Downton的勾魂作品，則讓在上世紀50年代后處于式微境地的時尚插畫，再次登上頂級時尚雜志的封面。