想聽中國風的神曲，把汪峰的歌唱走調就行

白天寫代碼，晚上作曲，這就是我的大部分生活。很多人都覺得“哇，好分裂啊”，但實際上這兩件事是很相似的：都是把一些固定的東西組合起來，比如數字或音符；都有很強的規律性，但只要在上面加一點變化，就會變得豐富多彩。我對這些富有變化的邏輯性的東西都很感興趣。

就說“中國風”吧，周杰倫《東風破》出來的時候我上高中，印象太深刻了，它跟當時流行的所有歌都不一樣。不過那時候我還沒開始學作曲，只是憑感覺聽歌，后來慢慢累積了一些知識和經驗再去分析，才發現它的節奏、和弦，還有那種重復性的結構“主歌、副歌、主歌、副歌”，完全套用了西方流行音樂的框架。

這種結構性的東西其實是從西方搖滾樂演化過來的。事實上，現在市場上你能聽到的大部分音樂都是這樣的結構，因為對流行歌曲來說，旋律的重復性越高，它就越容易被人們記憶下來。一首歌三四分鐘，真正的“旋律”其實就一兩小段。

最基本的節奏也只有那幾種。在沒有歌詞的情況下，節奏就能營造出曲子的基調，比如最古典、最原始的四拍型搖滾節奏“動次打次”，聽起來有種穩定的動感；而《月光下的鳳尾竹》這種三拍子“嗒嗒嗒、嗒嗒嗒”，給人的感覺就是搖擺、輕快。

和弦也一樣。前段時間網上有一個很火的視頻《三分鐘教你寫一首汪峰式的歌》，就是說汪峰那些很紅的歌，伴奏總是那四個和弦在不斷重復。其實不光汪峰，用這組和弦的歌太多了，用他的伴奏去唱《你知道我在等你嗎》，包括網絡神曲《豬之歌》，都很和諧。

這樣的和弦組合還有很多，它們都經歷了從流行樂發展到現在的不斷迭代，讓大家形成了聽覺上的和諧感才流傳下來，幾乎能囊括大部分的歌了。

但為什么汪峰的歌聽起來比網絡神曲要“高級”？這就要看“變化”了。我剛才說的節奏都是最基本的，在這個基礎上加點微調，比如加快、加重鼓點調動你的情緒，或者放慢速度來制造悠長和深邃感。

音調上升或下降也會造成情緒的轉換。比如“爵士”這種音樂就有很多半音，很多人覺得它有點怪異，但喜歡的人會覺得很有味道。如果在流行歌曲里適當加點類似的小花樣，就會讓一首歌有豐富的情感層次，說到底，聽歌聽的就是感覺嘛。

“中國風”也是這樣形成的，就是在流行音樂的框架里添加了中國元素的東西。比如《東風破》，間奏的一段二胡一下子讓你感受到江南的婉約風情，再加上琵琶、古箏的彈撥，這些民族樂器的音色是很“中國”的。

嚴格意義上說，《卡農》才是“洗腦歌”的鼻祖。現代很多編曲師的靈感都受這個框架影響，不信你把旋律加到任何歌里，保證百搭。

轉音也是很有中國韻味的東西，像戲曲里“咿呀”這種長音漸變非常好聽。周杰倫的中國風歌曲，每一句的尾音都會拖長再“轉”一下，加上古風作詞，“誰在用琵琶彈奏一曲《東風破》”的意境一下子就上來了。

這大概也跟中文的發音有關，英語就沒法唱出轉音。類似的，印度語對印度音樂的影響也很明顯，它發音特別短促，適合快節奏的旋律，就催生了這樣的印度音樂。

鳳凰傳奇就沒有這些“微調”，就是很規矩地重復到底，每個點都有非常強烈的低音。以前迪廳里的電子舞曲都是這樣編的，因為這種穩定的規律意味著很強的節奏感，而且容易讓人產生慣性，這就是為什么它能給人“洗腦”。

當然，像《最炫民族風》《小蘋果》《江南Style》這種風靡全球的“洗腦神曲”，背后肯定有商業推手在運作，不斷制造爭議點啊、傳播啊，但這就是另一個話題了。

說到神曲，不得不提到一首很早的古典樂曲《卡農》。這首歌的結構就是一個非常簡單、非常短的旋律在不斷地循環，而且它的循環是帶有漸進性的，音調不斷升高、節奏不斷變快，總之讓你越來越high，被它牽著走。嚴格意義上說，這才是“洗腦歌”的鼻祖。現代很多編曲師的靈感都受這個框架影響，不信你把《卡農》的旋律加到任何歌里，保證百搭。

另一首“百搭神曲”是前兩年很流行的英文歌《Apologize》，網上有很多把它和其他歌曲混編的版本，最火的是泰勒·斯威夫特的《Love Story》，聽起來都毫無違和感。但每首歌都能套就代表它沒有個性，所以你看，最流行的音樂就是沒有個性的音樂。

大家普遍覺得歐美音樂比我們的水平更高，其實不是這樣。我和我的小團隊專門比較過，發現歐美流行音樂的旋律甚至比汪峰的更簡單，但他們會在編曲中加入不同的音色和配器，融入不同的效果模式來形成更多風格。說白了，歐美人在作曲上不一定領先我們多少，只是技術比我們強、產業比我們成熟而已。

像“流水線”一樣，用一個節奏、一個和弦組合就能“生成”一首歌的作曲人肯定會有，但他們也是在服務大眾嘛，創作沒有個性的“神曲”，他們還是挺用心的。