荷蘭當代攝影展: 我者與他者

鄭蕾

媒介，尤其是攝影，在自我身份的構建中扮演著舉足輕重的角色。整個人類借助于媒介，在自我體驗、自我與他人之間不斷交流反饋，其間產生了無數的偏差、誤讀、調整。這里不僅僅是橫向的自我文化與他者文化的交融分際，也是一個不停界定自身的縱向過程。近期在何香凝美術館展出的荷蘭當代攝影展，就是通過9位年輕的荷蘭藝術家的作品，從身體這個側面呈現出了自我認知的矛盾。荷蘭似乎是世界上貫徹自由和開放最為徹底的國家。15世紀初，在歐洲版圖中其他國家的人們仍維持著向貴族繳納稅收獲得武力保護的生存模式時，通過海運貿易、商業交易積累了大量財富的荷蘭市民，已從貴族的手中買下了城市的自治權。松散的聯邦制，弱勢的貴族階級，市民的自我意識，培育了荷蘭繪畫藝術與其他歐洲國家不同的土壤。普通市民和其生活場景更多地作為肖像畫和靜物畫的主要角色，與此同時也誕生了如倫勃朗（Rembrandt van Rijn）、梵高（Vincent van Gogh）、皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）等卓越的藝術家，種種因素下的積淀，促成了荷蘭藝術發展偏重于視覺藝術領域以及獨特的實驗精神等特點。

在攝影這門視覺藝術上，荷蘭也保持著先鋒實驗精神。其世界著名的Foam攝影博物館就將大量目光投注在年輕的藝術家身上，推進視覺語言的最新嘗試。這次深圳何香凝美術館與荷蘭Foam攝影博物館合作主辦的展覽荷蘭當代攝影展《我們之間的空間》就集中展出了年輕荷蘭藝術家的作品，他們大部分出生于70、80年代，用鮮明個性的語言，戲虐地表達對自我和他人的認知。

一位猶太商人曾經控訴倫勃朗為他的女兒所作的畫像一點也不像本人，但是畫像是否需要事無巨細地表現原貌？如果說攝影的出現取代了繪畫的肖像功能，那么人像攝影是不是需要原原本本呈現對象？或者一定要將對象置于敘事傳統中加以表現？這次的作品整體上首先提出一個大大的疑問：圖片中的變形或者夸張的個體，是否可以順暢地與自我認識互動？其實欣賞這些作品時所感受到的偏離，是一個個有趣的體驗。人體攝影、繪畫，無一不是基于模特、藝術家，藝術家對模特的切入點，模特對自身的看法等循環往復的意識形態的表現。此次展出的作品，共同表現出了自我的認識與自我的呈現方式兩股復雜交織的力量所帶來的沖突，尤其是當下被龐大社交網絡及媒體包裹著的人們，該如何形成對現實自我的意識和保護。

人體是大部分攝影藝術家的表現對象，情欲的、非情欲的、具有美感的、或者相對撕裂的，此次展覽也不例外。“身體如血肉和肌膚一般，可被視為一種純粹的形式，成為了藝術家的工作室中經典而正式的研究對象，同時它也是藝術家情欲窺視的對象（保羅·庫伊克），或構成了對性別和社會責任的嘲諷（梅拉妮·博納約）。”Foam攝影博物館副館長馬塞爾·菲爾（Marcel Feil）認為“9位荷蘭當代藝術家均以攝影（或有時以影像）為創作媒介，通過嚴謹的調查、詼諧的視覺建構和動態圖像，實現了對人體意義、價值與再現的探索與挖掘”。

出生于1981年的年輕藝術家阿努克·克呂托芙（Anouk Kruithof）深受菲利克斯·岡薩雷斯·托雷斯作品的啟發，偏重于元素的共享，她的作品更多的是將問題處于一個場景當中。作品《壓力》系列展出的是藝術家在網絡搜索到關于華爾街的圖片、將其像素化打印后在華爾街上兜售的攝影作品。兜售的過程中如果有人愿意買下它，正準備交錢的時候，藝術家則告訴對方，其實你不用交錢，免費拿去就好了，借此來否定當下流行的商業行為模式。在《萬物皆起伏》系列當中，藝術家則讓華爾街的大律師和大金融家們做出俯臥撐的姿勢進行拍照，對資本主義制度進行嘲諷，該系列作品都被排成一個圈，藝術家似乎刻意地表現著一個毫無開始和結束的循環，詢問著這些充滿力量、權力的人們將把我們帶往何方。而波普利爾則從媒體傳播的角度審視著個人身份的再現和重構。時尚攝影當中模特固有的姿勢、奧巴馬演講當中固有的拍攝角度等等，社交網絡及公共宣傳對自我認識塑造元素的影響和模式化，是波普利爾試圖表現的重點。

梅拉妮·博納約（Melanie Bonajo）的作品《家具束縛》系列當中的主角則是被一堆家具、家務物品捆綁靜默的裸體女性，色調清冷毫無生氣，藝術家試圖表達對傳統女性角色的疑惑以及女性自我定位的問題。同樣以女性身體為主角的保羅·庫伊克（Paul Kooiker）則從一個情欲窺視的角度，反映出他對感知過程的迷戀。庫伊克作品風格不同于其他荷蘭藝術家明快地運用色彩，而是以一種幾乎可以嗅到血腥味的方式進行呈現。不能讓人感到輕松，但卻使人無法轉移目光。雖然斯特凡·勒伊滕比克（Stefan Ruitenbe）的作品也是對女性身體的表現，但卻不似庫伊克一樣充滿了情欲色彩，他的作品中重復使用了油彩、煙霧和聚氨酯等材料的涂染，使作品充滿視覺美感和沖擊力。同樣的，昆·豪斯（Koen Hauser）的《雕塑裸體》系列，也是極具視覺美感的作品，但豪斯顯然是一個向往純粹美感的完美主義者。他也以在美術、時尚和實用攝影之間游蕩地難以理解的作品而著稱。從純粹的審美到高度的觀念性，豪斯的作品具有明顯的形而上的特點。

藝術家埃爾薩·約（Elza Jo）和亞普·希仁（Jaap Scheeren）則喜歡拍自己。埃爾薩·約在其作品中融入了三維物體、繪畫、電影和錄像等多媒體工具。作品《死神》系列則來源于墨西哥文化中關于死神的傳說，死神的化身“白衣女孩”與生者之間的黑白交替、緊抱環繞，象征著生死之間的平衡和因果。而亞普·希仁則是一個有趣的家伙，“亞普·希仁是個瘋子”，他的朋友們都這么說。其作品當中的自我嘲諷和詼諧，充滿了不羈和機智。在《身份系列》當中，亞普·希仁用一個巨大的蘿卜代替了自己，兩只蘿卜分別代表了整容前和整容后的樣子。輕松愉快的反諷，反叛戲謔的表現手法，在《我在這里但是為什么》系列作品當中也強化地表現了出來。我在哪里，終點在哪里，那里是否比這里更好，亞普·希仁將自己作為對象，帶給觀者開放式的疑問和思考。

作為此次展出當中年齡最小的藝術家，生于1984年的揚·赫克（Jan Hoek），展出的作品《新馬賽人新攝影系列》和《幸福的瘋子系列》呈現出一種戲劇化反差。《幸福的瘋子》系列的主角是流浪的埃塞俄比亞精神病患者，而作品中模特的表情卻都像是剛從王位站起的帝王一般嚴肅而威儀，揚·赫克用充滿著人文關懷的表達方式，呈現出了這些患者自我認識與外界定位所形成的巨大的落差。在《新馬賽人新攝影》系列當中，作品的主角是仍舊畫著傳統的原始面龐圖案的馬賽男人們，而其中之一的模特卻身穿現代社會的運動服。從原始部落慢慢被城市文化侵襲的當下，馬賽人在其身份定位上的困惑割裂，與擁有跨文化經歷的人們共享一種不確定感。

身體只是作為一個材料或者作為一個材質、藝術家表達的工具，攝影作品所集中表現的并不是身體自身。“我們之間的空間”，這個空間既是物理空間，也是自我認識的空間。此次展覽的陳列，不像群展，而像七個個展，每個展廳是一個藝術家的作品，更清晰地呈現出作品的思路和其延續性。而通觀所有作品，都帶有一種 “過度”的形式感，但是現場體驗又極具美感。這種美感除了來自藝術品本身，也來自公共空間私密性的分享。這些充滿戲謔、吸引眼球的作品，經由對身體成熟的反思，提出對自我“真相”比以往任何時候都更加迫切的追求，尤其在今天社交媒體廣泛應用的背景之下，這種追求變得更加曖昧，更加進退兩難。（編輯：李魯博）