從藝術史看油畫色彩處理方式的演變

馮佳惠

摘要：色彩是所有畫種中不斷研究和探索的永恒話題，是油畫創作形式感的一種重要表達方式。本文通過在批量油畫創作實踐基礎之上，探索如何通過油畫色彩的處理，更好的為油畫的形式感的表達而服務。本文將從藝術史的角度回顧油畫色彩處理方式的演變方面，以理論角度提出色彩油畫形式感表達中的重要性。從油畫創作實踐的基礎上，嘗試性的探討。怎樣看從藝術史看油畫色彩處理方式的演變。

關鍵詞：油畫；色彩；協調；形式感

色彩在油畫中作為一種視覺語言原素，其價值不在于要完全的還原和再現實物的色彩，而是在于其表達出情感主題的精神。油畫色彩就正是通過這樣的提煉并運用獨有的技法和材料而具有了感染力，體現出其獨有的審美價值。在不同的歷史發展階段，不同畫家的繪畫中都對色彩的表達有著不同的理解。德拉克羅瓦就曾稱繪畫的色彩為“繪畫的音樂”，康定斯基也有其所謂“顏色聲音說”。越是接近西方現代藝術，對于色彩變現力的追求就愈加顯現。然而藝術家們在今天對于油畫色彩語言還在進行著不斷地學習和無窮地探索。

國內外關于油畫形式感的應用研究和研究相關論著較為普遍，但是切入點各不相同。本文在批量油畫創作實踐的基礎之上，對油畫色彩的夸張與協調這種色彩的表達方式產生了新的感悟，并以此為新的切入點來進行深入討論。

油畫色彩的發展與人們對光的感受密不可分。古典主義時期的油畫色彩風格的形成和當時油畫發展較為發達的地區所在的位置有關。在這些維度偏高的地方，往往光照較弱，而當時的房間多為小窗，綜上原因導致室內的光線有限，光產生的環境色就異常微弱。因此，畫家往往注重的是其素描關系即其結構關系，而往往忽略了色彩關系。

素描是畫面結構的基礎，而色彩與素描的關系，是長久以來也是爭論的話題。瓦薩里在《名人傳》就將素描稱之為“藝術三要素之父”。而在此之前，切尼尼曾提出素描與色彩并不存在根本對立，都應該是繪畫創作的重要基礎。此后，素描與色彩的爭論更是層出不窮。后來，人文主義者保羅·洛馬佐提出了較為中立的觀點，認為藝術家既要像米開朗基羅、拉斐爾等素描大師對結構的成熟運用，也應該去體會提香、柯雷喬等色彩大師的創作力，從而使兩者的關系和諧的融合。但長期以來占主導地位的仍是色彩要讓位于素描、構圖與比例。

其實自16世紀后半頁，像在菲得里科·巴洛齊在進行大幅創作之前，通常會準備柔和的、涂繪的色粉筆畫出彩色素描小稿。而16世紀晚期威尼斯畫派用油畫畫“素描”稿己成為一種標準模式，在一些學院中也是用筆和“色彩”直接寫生。在繪畫實踐中，色彩逐漸與素描站在同等重要的位置。

在歷經了17世紀巴洛克的雄壯華麗與18世紀洛可可的輕快明麗，奠立了繪畫色彩的純熟境界后，到了 19 世紀，油畫的發展有了新的趨向。英國畫家康斯特布爾通過在戶外寫生的方式，直接的去獲得對顏色的感覺，他用細微的筆觸在局部填充顏色來混合形成明亮的色塊，使得整個畫面都比傳統古典畫法豐富。我們可以看到筆觸的運用在油畫色彩的發展中發揮著微妙的作用。康斯泰伯爾因為對大自然的細膩觀察，形成了自己的補色原理，并使法國畫家德拉克洛瓦從中得到啟發。德拉克洛瓦運用活躍的筆觸，在畫面的很多部分大量使用對比色，讓畫面更加的華麗。安格爾就曾說到：“色彩可以增強繪畫效果，但她僅僅是一個女仆人的絕對，僅對藝術的真正完美起了些許促進作用，所以她往往是顯得更迷人了一些而已。”但事實上是，我們仍可以從安格爾的繪畫和理論中看到他對色彩運用的重視。而且，他經常還會過分夸張甚至失真的顏色來彌補過于樸素的色彩感。

而法國巴比松畫派則再次使繪畫注意到光對色彩的作用。巴比松派的畫家們不斷在各種天氣和時間下的風景中感受光源色和景物本身的色彩間的微妙融合，認識到在色調在體現不同的時間、氣候、光線下的景物的氛圍上具有重要作用。

在這一認識之上，法國印象主義畫家又對油畫色彩進行了新的創新。他們善于感受光線給景物色彩帶來的瞬息萬變的色彩，采用細碎筆觸將得到的感受用對比色并置，他們改變了傳統用單一色來表達黑色的暗部陰影不同層次的手段，而是也采用色點并置的處理方式，這樣一來，因為人本身的生理視覺條件，并置的色點會產生透明的或者具有冷暖感受的色塊，使觀者獲得細膩而唯美的觀感。印象主義典型的通過色彩，來弱化景物的體積感。也不再靠線條和明暗關系處理精深，而是通過光學原理，形成其空間感。在后期印象派理論的發展，油畫的色彩不但在光影處理上加強了量感，還把光譜色替代為原色，對現代派繪畫造成了深遠的影響，使之后的繪畫在表現上，色彩呈現變得大膽、鮮艷、明亮。

在 20 世紀的油畫中，不同的藝術流派都體現了各自不同的藝術呈現方式，油畫在色彩觀念上發生了很大變化：立體主義風格更注重形體的構造而把色彩放在次要位置；野獸主義通過在夸張的色彩中獲得均衡；表現主義通過脫序、大膽的筆觸和色彩運用表現扭曲的心理狀態；抽象主義將點線面做了最純粹的排列；抽象表現主義通過隨意的潑灑、涂抹顏料表現其狂放的內心。這些不同的風格都是新的色彩觀念的體現，通過對色彩的不同呈現風格來體現自己作品的獨有性。

后印象派以后，色彩在藝術作品中作為畫家自我表達最直接的手段——高更把繪畫看成是一種獨立于自然之外的東西，用更具提煉性的色彩表達個人的主觀意識，他認為“為了追求色彩的純粹，值得犧牲一切”；塞尚熟練的運用“色彩造型”的方式，讓色彩替代了體積和空間關系。他重視局部色調，用對比色替代混合色。他宣稱：“在豐滿顏色的同時，形狀自然就變得豐滿了。”西方油畫藝術在色彩方面的沿革與發展可以說是從客觀再現到主觀表達這一條道路，同時，我們也看到了油畫色彩與素描、光、線條、結構等之間的交織，而色彩也從起初服務于其他要素的角色，逐漸跳入到了主角的舞臺。

在個性表達極為強烈的今天，人們對繪畫的色調嗜好是多種多樣的。本文提出的色彩的夸張與和諧并存的表達方式，只是一種探索性的嘗試，但是卻具有一定的實驗價值。在藝術中沒有個性等于取消自己，但是個性也并不等同于藝術。油畫色彩隨著時代的推移，只有我們把他當成油畫中有力的藝術手段而被探索、創造和運用，也只有當我們更好的把握對油畫色彩的控制，才能顯現出油畫的相對獨立的藝術價值。