關于美術

1.傅抱石畫展： 見證當代中國歷史的畫卷

紐約大都會博物館展出的中國當代著名畫家傅抱石畫展，引起了主流美國人的極大關注。《紐約時報》為這次展覽發表的《展示歷史的畫卷》文章寫道：“這次傅抱石畫展，是一個標志：它是大都會博物館首次舉辦的中國二十世紀藝術家作品全面回顧展。為了這次展出，大都會博物館的現任亞洲藝術部主任Maxwell K. Hearn 精心準備了很長時間。此前大都會博物館曾經展出過一些過張大千、齊白石作品，但是他們的畫和中國的政治社會似乎沒有太多的關聯。而傅抱石則完全不同，他不僅僅生活在中國，而且親歷了中國的各個歷史階段，他的作品正反映出了中國這些特殊階段的歷史，讓我們看到藝術和創作自由、美學和政治，創新與傳統之間的關系”。

傅抱石出生在1904年，一生經歷了中國推翻滿清皇帝、中國的抗日戰爭、三次中國內戰、中華人民共和國建立、中蘇友好、文革初期等歷史階段。這一段歷史時期，正是中國社會劇烈震蕩的時期。大都會博物館這次展出了他不同時期的90幅作品，他的這些畫正是這段中國歷史的最好見證。

傅抱石最善于根據古人的詩立意，從中汲取靈感，抓住其精神實質進行藝術再創造。抗戰時期在重慶，他大量詮釋中國傳統文化，為屈原、杜甫、李白、白居易詩配畫。重慶時期的作品，分為人物畫和山水畫兩部分。人物畫主要表現人物故事，如屈原、蘇武、石濤，抒發他對時局的不滿和對中國山水的熱愛。同時也以古代詩為創作的題材，創作了《琵琶行》、《長干行》、《唐人詩意》、山水畫以《夏山圖》為代表。屈原、李白、杜甫、石濤等古人，不僅是他研究的對象，還成了摯友。抱石能與古人息息相通，使他筆下的古代人物個個栩栩如生。

五十年代出現中蘇友好熱潮，他也間接受到蘇聯畫派和美術理念的影響，作品開始大量采用社會主義現實主義創作方法，贊揚蘇聯以及東歐社會主義國家的建設成就。1957年5月，傅抱石以中國首個美術家代表團團長的身份，率領其他畫種的五名團員赴捷克斯洛伐克、羅馬尼亞進行友好訪問，這不僅是傅抱石第一次在異域寫生作畫，而且也是傅抱石平生第一次寫生作畫。在傅抱石的歐洲系列寫生中，在畫面中安排教堂、城堡以及尖頂或紅瓦的建筑，并把國人認為不入畫的電線桿、火車軌道等首次搬上了畫面。在表現手法上，傅抱石舍棄了國畫中常用的人們所熟識的中國山水畫的構圖程式。

傅抱石50年代創作的主旋律是以毛澤東詩意或毛澤東詩詞中提到的重大的歷史事件作為新題材，開始突破傳統題材的束縛，同時在繪畫技法上探索新技法與新題材的結合，創作了《搶渡大渡河》、《更喜岷山千里雪》等應制作品。

這個時期傅抱石開始研究毛澤東的詩詞，并用他那慣用的表現歷史人物作品的方法，將毛澤東詩詞中的篇章移入到自己的畫面中，創作了《七律·長征詩意》、《沁園春·雪》、《清平樂·六盤山詞意》等作品。這些作品中，雖然畫的是毛澤東的詞意，卻看不出有多少新意，仍然是傅抱石一貫的風格。那獨特的"抱石皴"，那改良石濤的樹的畫法，都表明了傅抱石創作毛澤東詩意畫的始初，基本上沒有改變原來的畫法，只是那壓得很低的山坡上若隱若現的紅軍長征隊伍，和遠處的一群飛雁，點明了時代的主題。

傅抱石成名于20世紀40年代，但并不為社會各階層認知。給傅抱石帶來更大名氣的作品，則是1959年秋和關山月一起創作的巨幅山水畫《江山如此多嬌》。“這幅高5.5米、寬9米的大畫在中國歷史上史無前例，因此它的出現本身就已經具有特殊的意義，何況它又是表現毛澤東詩意的作品，所以得到了當時許多中國黨和國家領導人的關注”。當年9月27日，毛澤東專門為這幅畫題寫了“江山如此多嬌”，這是毛澤東一生惟一為繪畫作的題字，更為這幅畫奠定了在現代美術史上的歷史地位。當年尼克松訪華時，就曾在這幅作品下與中國領導人合影。

六十年代在文藝為工農兵服務思想影響下，傅抱石開始以畫圖解共產主義理念。“文化大革命”的前夜，中國開始醞釀一個更大規模的政治運動，作為藝術家他不得不首先面臨生存的選擇。這個時期他繼續創作毛澤東詩詞畫、以及紅色題材作品。1960年9月，傅抱石率領“江蘇國畫工作團”開始了二萬三千里的旅行寫生。在旅行寫生之后，傅抱石以旅行寫生中的題材創作了《西陵峽》、《黃河情》、《棗園春色》等一批代表作品。1963年，他專程赴井岡山、瑞金創作了《井岡山》等一批作品。從這批作品中可以看出當時中國社會生活中的政治背景。這一時期，傅抱石又集中創作了《冬云》、《詠梅》、《登廬山》等一系列毛澤東的詩意畫。與50年代相比，這些毛澤東詩意畫已經早已失去了他早期樸素的情感，出現了一種裝飾化的傾向，反映了他處在當時歷史環境中精神和身心的疲憊。

60年代初，傅抱石的事業達到了新的高峰，同時他的生命也走向了低谷。1962年，因為病臂使他開始徹夜難寐，寢食不安。1965年9月29日，傅抱石終因腦溢血在家中辭世，享年61歲。

在大都會博物館展出的這些傅抱石的作品中，我們不難看到中國社會政治、意識形態對藝術家的深刻影響。但由于傅抱石長期深入對實際生活的體察，他的畫尤其是古代歷史人物畫畫意深邃，章法新穎。傅抱石很善用濃墨，渲染等法，把水、墨、彩融合一體，達到翁郁淋漓，氣勢磅礴的效果。在傳統技法基礎上，推陳出新，傅抱石可謂獨樹一幟。郭沫若對傅抱石評價道：“中國繪畫，南北有二石。北石即齊白石，南石即傅抱石。” 2009年11月23日 ，在中國嘉德秋季拍賣會上，傅抱石的《巴山夜雨》以 1848萬人民幣成交。2011年5月22日，在中國嘉德春季拍賣會上，傅抱石《石濤詩意圖》又以2050萬被買家收入囊中。此前，2009年香港佳士得他的《杜甫示意圖》拍得6002萬港元，2010年《琵琶行》在香港佳士得拍得7008萬港元，均創造了歷史最高記錄。

2.畢加索畫展：黑與白的魅力

周末去紐約的古根海姆博物館看了主題為《畢加索：黑與白》的展覽，很是喜歡。

以前我們對畢加索的作品印象比較深的都是一些彩色作品，這次古根海首次采用全單色視角回顧畢加索的藝術創作生涯，史上恐怕不多見。這次展出的118件展品中，有38件作品從未在美國展出過，其中包括《戴帽女人的半身像》在內的5幅畫作，更是從未在世界上任何一個地方公開展出過。

走進展廳，首先映入眼簾的是一幅《燙衣女》，這是一幅畢加索早期古典主義的代表作。從這里開始，我們逐漸進入這位偉大藝術家形成獨特風格的每一個歷史階段——他的藍色和玫瑰時期、立體主義的研究開拓時期、新古典主義的喻象畫和對超現實主義的探索時期，直到畢加索晚期登峰造極的那些作品——黑白的色調將它們從所謂的新古典主義與分析立體主義中完全剝離出。古根海姆這次完全證實了畢加索的話，將顏色從畢加索的畫作中抽離，那些畫的藝術成就絲毫未受影響。

正如美國詩人格特魯德·斯泰因所說：“在這些畫作之中，灰色有著無限的變化，并被這些畫作的活力賦予了新的色彩。”評論家大衛·西爾維斯特所提出的：畢加索經常在其相對紛復繁雜、更具野心的作品中使用黑白兩色，“就像結構立體主義中的純灰色畫一樣，顏色的減少消解了結構上的錯綜復雜。”

這次展覽還提供了一種更為直觀的解釋：畢加索對黑白的運用與他的西班牙血統有關。整個二戰期間，畢加索在被占領的巴黎創作赤裸的人物和斜倚著的裸女，這表現了他對單色調的圖形、形狀和體積的高度興趣。在這一時期，他創作了《停尸房》一幅記錄戰爭破壞性的殘忍、令人生畏的黑白油畫。極低沉的色調、緊密的圖形以及黑暗與光的鮮明的對比，這些特質反映在其作品《Still Life with Blood Sausage》（1941年5月10日）中，所以畢加索最重要作品的特點，傳達出一種憂郁的情緒，由于這位藝術家對人類遭受死亡和剝削這些苦難的普遍性的探索。在1954年，畢加索創作了一系列的主要為黑白色調，風格化的有關希薇特·大衛——一個象征著新的，復雜的女性特性的年輕女人——的作品。這種以極簡的用色范圍描繪出的人物更有生氣并更易讓人感受到女性的活力。

畢加索不需要刻意在一幅復雜的作品中，去安排鮮明的色彩對比，畢加索創作的《女帽作坊》（1926年）、《停尸間》（1944-45）、《榮譽女仆》（1957）等傳世之作，以及回歸舊石器時代洞穴木炭和簡單的天然礦物顏料繪畫傳統的1909年作品《裸女和吉他》、grisaille（1932年作品《頭像雕塑藝術研究》瑪麗·泰雷茲）、1923年作品《拿煙斗的男人》，畢加索用黑色和灰色為主這種獨特的藝術形式，同樣是忠于西班牙長達幾個世紀的傳統。

漫步在《畢加索：黑與白》展覽，回顧這位多產的西班牙藝術家整個職業生涯，不難看出：在他創作生涯中，隨著色彩運用的不斷減弱，更加能突出畢加索作品的結構形式和他一貫固有的藝術藝術風格。畢加索以小畫板、以最簡單的顏色、明快的線條、以及普通素描、創造出一種復雜多樣的語言。黑、白、灰的主題對他后期立體主義，新古典主義的具象繪畫和超現實主義的繪畫一直產生著影響。即使在他的晚年描繪戰爭暴行、詮釋藝術史、靜物寫生畫的輝煌作品中，他也在盡量減少顏色色彩的種類。

畢加索的作品揭示了他畢生追求的一個獨特的藝術創造過程，直到1973年4月8日他離開這個世界。他創作的黑色和白色為主調的作品在繼續影響當今藝術家。調查顯示，1904年至1971年間包括繪畫、雕塑、紙藝作品的藝術家，都刻意選擇黑色，白色和灰色作為作品主調。沒有幾位藝術家像畢加索這位20世紀最受肯定的藝術家那樣對后世有如此大的影響力。

3.大都會博物館： 沃霍爾五十年

《關于安迪·沃霍爾：六十位藝術家，五十年》（Regarding Warhol： Sixty Artists， Fifty Years）特別展在大都會藝術博物館熱展。展覽通過45件安迪·沃霍爾（Andy Warhol）的作品以及其他60位其他藝術家的100件作品的展出，顯示近幾十年來，安迪·沃霍爾對當代藝術的巨大影響。

安迪·沃霍爾（Andy Warhol，1928年8月-1987年2月），出生賓州的藝術家、印刷家、電影制作者，是美國視覺藝術運動波普藝術最有名的開創者之一。

沃霍爾最大的貢獻是將世俗的東西藝術化。同時打破高雅藝術與通俗藝術疆界是沃霍爾藝術中對后世影響最深遠的部分。沃霍爾試圖將平常物品搬上最高藝術殿堂，如他的易拉罐系列，同時他又努力從中尋找變化和樂趣。他將最反映時代精神的物品以直接的方式呈現給大家，所有人都能看懂，而不同的人又會它們產生不同的理解。

沃霍爾的標志性的風格——用簡單的、底片式的圖像和大塊明亮的顏色——正是沃霍爾以顏色和重復手法進行的實驗——將任何一位名人簡化為一般普通人的肖像，如他著名作品杰奎琳·肯尼迪、瑪麗蓮·夢露、毛澤東、貓王、馬龍白蘭度等，同時使用大塊明亮的顏色用絲印模板的方式，反復表現臉部表情，這一做法永遠地改變了世界的藝術和設計。這種20世紀60年代沃霍爾新的變現方式，讓人們第一次開始看到大面積的色塊和圖案在居家裝飾和時尚業中的運用。安迪·沃霍爾的藝術思想和作品，影響了美術界五十年之久。人們不難從大都會的這些他本人的和其他藝術家的作品中，看到安迪·沃霍爾的藝術理念對后世藝術家的深刻影響。

安迪·沃霍爾認為藝術應該與金錢掛鉤，應該要努力把藝術商業化。紐約現代藝術博物館在1962年12月舉辦一場關于波普藝術的研討會，與沃霍爾一樣的藝術家們被指責為對消費主義的“諂媚”。但無論評論家們如何炮轟沃霍爾們對商業主義的擁抱，整個1960年代，世界越來越清晰地見證著藝術文化領域的商業轉變，而沃霍爾正是這場轉變的核心。

安迪·沃霍爾內心深處是具有徹底的民主與平等思想的，他與社會最上層的人社交，也與社會最底層的人來往。正如他所描繪的：“這個國家的偉大之處在于，在美國開始了一個傳統，在那里最有錢的人與最窮的人享受著基本相同的東西。你可以看電視喝可口可樂，你知道總統也喝可口可樂，麗斯·泰勒喝可樂，你想你也可以喝可樂。可樂就是可樂，沒有更好更貴的可樂，你喝的與街角的叫花子喝的一樣，所有的可口可樂都一樣好。”使用名人肖像使他的作品更容易出名。這也是了他對于名聲的平均化、傳遞性的具體實踐。他認為名聲的分配越平均，世界會越美好。他的藝術作品也呈現出同樣的“可口可樂”姿態：無論是富人還是窮人都能從那鮮明的色彩和明確的構圖中獲得快樂。他認為可復制的商品是在工業時代對自由與平等的最好饋贈。以安迪·沃霍爾為代表的波普藝術家通過廣泛的藝術探索改變了世人評價世界、生活和藝術的方式，并以此證明生活和藝術沒有高低貴賤之分，藝術不再是少數人享用，而屬于普通大眾，并逐漸以新的方式從為權貴服務轉向為民眾服務的民主化進程。

安迪·沃霍爾的藝術中強調重復性，他的畫作中顏色與構圖不斷變換，造型卻從未改變的明星獲得了重點的重復，如夢露的紅唇、貓王的臀部。沃霍爾認為重復可以讓人發現新的樂趣，當無趣的主題被不斷重復，美感應運而生。重復性是工業生產的特質，也是工業美的體現。在沃霍爾的作品中，我們看到了重復所能產生的韻律美。不僅如此，他作品中的色彩與構圖使得它們得以在重復中富于變化，這對于之后的工業產品藝術化有深遠的影響。他偏愛重復和復制。“我二十年都吃相同的早餐，”他解釋說：“我想這也是反復做同一件事吧。”對于他來說，沒有“原作”可言，他的作品全是復制品，他就是要用無數的復制品來取代原作的地位。他有意地在畫中消除個性與感情的色彩，不動聲色地把再平凡不過的形象羅列出來。他有一句著名的格言：“我想成為一臺機器”。他的畫中特有的那種單調、無聊和重復，所傳達的是某種冷漠、空虛、疏離的感覺，表現了當代高度發達的商業文明社會中人們內在的感情。

安迪·沃霍爾作品的內容與美國社會的消費主義、商業主義和名人崇拜緊密相連，是針對消費社會、大眾文化和傳播媒介的產物。安迪·沃霍爾發明了廣為流傳的“成名十五分鐘”理論。“在未來，每個人都能出名15分鐘。”之后他又說，“每個人都可能在15分鐘內出名。”如今互聯網發展、新媒體的出現產生的名人效應以及對藝術的普及作用不正在進一步印證了他的藝術理念嗎？

（湯偉，旅美學者，現居美國紐約）