淺談拉威爾《G大調鋼琴協奏曲》演奏技術要點

焦以涵

摘要：《G大調鋼琴協奏曲》巧妙地把民間舞曲、爵士風格和優美綿長的旋律融合在一起，濃縮了拉威爾一生中幾乎全部的音樂創作技術和風格特征，它靈活而準確地使用了托卡塔、顫音、復節奏、三連音等技巧，細膩地刻畫出作品生動的畫面。探析這首鋼琴協奏曲的演奏技術要點，能夠幫助我們深入地了解拉威爾鋼琴創作的音響特色和音樂風格等。

關鍵詞：拉威爾 《G大調鋼琴協奏曲》 演奏技術要點

莫里斯·拉威爾（Maurice Ravel 1875—1937）是19世紀末、20世紀初法國最偉大的作曲家、鋼琴家以及印象派音樂最具有代表的人物之一。《G大調鋼琴協奏曲》于1930-1931年創作，1932年1月在巴黎首演，隨后在中歐地區大規模地巡回演奏，所到之處都大獲成功，不僅是拉威爾晚年的代表作，也是20世紀最受鋼琴家青睞的大型曲子之一。《G大調鋼琴協奏曲》是一首以西班牙巴斯克風情為基調，加入了大量的現代音樂元素并融合了美國爵士樂的韻律，在歡騰的旋律里夾雜著極為動人的優美意境。

《G大調鋼琴協奏曲》由三個不同風格的樂章組成，形成“快一慢一快”的節奏。第一樂章沿用了從古典樂派起就采用的奏鳴曲式，讓鋼琴與樂隊相互襯托，譜寫出一部欣欣向榮、熱鬧異常的巴斯克風情樂曲；第二樂章極富抒情色彩，伴奏為慢板華爾茲風格，給人以一種難以言表的藝術享受，仿佛一副音畫交融的唯美畫卷；第三樂章運用爵士樂的表現手法將美國的爵士樂元素融入到法國古典音樂中，在妙趣橫生的回旋曲中將全曲拉至璀璨奪目的高潮。

拉威爾在自己的晚期創作生涯中，已非常熟悉鋼琴演奏中的各種技巧，并嫻熟地運用到作品創作中。他在《G大調鋼琴協奏曲》中，靈活而準確地使用了托卡塔、顫音、復節奏、三連音等技巧，細膩地刻畫出作品生動的畫面。

一、托卡塔的運用

協奏曲107—170小節是第一樂章的發展部，在這里旋律充滿了濃郁的爵士樂風味。在演奏這個樂段時需要用到兩手快速交替的托卡塔演奏技能。作者用鋼琴的爵士節奏配上樂隊恰如其分的頓音把聽者帶入一個聽覺上的饕餮盛宴。

在這個片段鋼琴成為一件熠熠生輝的打擊樂器，但是這種打擊并不代表在彈奏上用近乎野蠻的力量去敲擊。正確的標準是要使音色配合樂隊金燦燦的頓音，讓聽者覺得既要有尖銳、果斷的金屬般特征，又不能只是普通的不講求方法的胡敲亂打。演奏者要想達到這種高超的技能演奏水平，就需在練琴的方法上講求正確的方法。在練習時手指需貼鍵，手腕為不松不緊的狀態。如果手腕緊張，會在以后的加速練習時變得更加僵硬，讓音色聽起來乏味；反之，如果手腕太松弛，又不能在快速演奏中很好地固定手腕。左右手都需保持伸張的狀態，以便于在快速擊鍵時用最短的時間找到下個和弦。

小節里的各個音符可以把它們處理為簡短精干的跳音，這需要指尖極為敏銳的觸鍵能力。要達到敏銳地觸鍵需要大臂垂直地去接觸鍵盤，不能有任何拖泥帶水的動作。發力時時間要短，而且動作要盡可能快速的離開琴鍵，以免下個音在快速奏下的同時上個音還未離開琴鍵或者左右手在琴鍵上相互阻撓。要想達到指尖和手臂手腕的高度協調，就一定要從慢速開始練習。在慢速練習時找到爵士節奏的感覺，找出左手小指頭低聲部和右手小指頭高聲部所需要強調的重音，其它的各音處于較為弱勢的地位。但需一提的是，非強調的音要用同一個力量和下鍵速度去彈奏，這就需要有堅硬的小指頭力量作為保障，這樣才使旋律有輕重層次之分別，又不會讓聽者覺得有突兀的音效效果。

在慢練時對于手小的演奏者需要著力地練習把位訓練。在練習和弦移動時，首先在頭腦中要明確左右手相鄰近和弦的大致距離，特別是左手低音和右手高音的跳躍訓練，應多在琴鍵上做這一單一練習。在練習時還要做到快速果斷地“拋”出小指頭，使之讓旋律音處于主動地位。熟練掌握以上練習方法后可借助節拍器分句加速，讓旋律自然地從指尖流淌出來。

二、顫音的運用

協奏曲230—244小節是一樂章的華彩部分，所謂“華彩” 原指意大利歌劇中詠嘆調末尾處由獨唱者即興發揮的段落，后來在協奏曲樂章的末尾處也常用此種段落，樂隊通常暫停演奏，由獨奏者充分發揮其表演技巧和樂器性能。“華彩”部分的演奏較為自由，難度也很高，所以往往最受聽眾的關注。

這一部分右手大量用到了顫音技巧。顫音（Trill，通常縮寫為tr）為裝飾音的一種。表示主音與上方音或下方音急促地交替著演奏。顫音在鋼琴領域里是一種常用技巧，在進行顫音練習時，要使每個手指都能獨立地顫動起來，這要求兩個手指特別靈活的同時動作，音色均勻而動作迅速，手腕不僵硬，手型保持自然，手指貼鍵，在快速彈奏時靠琴鍵的反彈力彈出下一個輕巧連貫的音符手指，并且做到手指不粘連，不側重于任何一個音，獨立靈活，不得忽快忽慢，忽強忽弱。每一次練習顫音都盡量保證有十五秒左右的時間，相當于慢板的八拍左右。顫音要彈得輕巧，快慢要結合曲子本身的背景而定。在初進行顫音練習時，要換不同的節奏進行反復練習，例如用前附點和后附點交替進行練習，逐漸熟悉以后可改用十六分音符以慢板四小節為一單位加速練習。值得一提的是，在練習時不要通過過分擺動手腕來代替手指主動的觸鍵動作。正確方法為略微提高小臂，讓手指和小臂半懸在空中，手指貼鍵，靠琴鍵反作用力來完成這一技巧。

協奏曲230—236小節的旋律都由藏在十六分音符的左手來體現，右手的顫音只起到裝飾旋律的作用。在進行左手旋律訓練時，不能一開始就只強調旋律音，而忽略其它所有音，這樣會讓指甲疲軟無力，又無法使旋律音柔和地透出來。

協奏曲238—244小節主旋律換到了右手的顫音，而左手變成了優美的織體。在演奏右手顫音時小臂和手腕略微提高，手指貼鍵，靠觸鍵的反作用力來實現輕柔綿長的旋律。在完成顫音時還需注意旋律的流動性，這就需要科學合理的指法編排，應多用靈活的2、3指或者1、2指交替演奏。從240—244小節有較為明顯的漸強漸弱標志，在處理漸弱的力度標示時右手較為難把握，要做到聲音弱而不虛，就需要靠小臂的重力和指尖的靈活來實現。

三、復節奏的運用

復節奏（polyrhythm）又稱為不對稱節奏（asymmetric rhythm）。蘇聯著名的鋼琴家涅高茲在他的《論鋼琴表演藝術》曾經這樣解釋復節奏：“關鍵在于把握不同節奏的時間層次，也就是說在復節奏的演奏中必須抓住不同層次節奏的時間差異。”復節奏可簡單理解為在同一樂句或者同一小節里面，各聲部的對位不整齊，聲部不相一致。在識譜過程中，通常會遇到3對2，5對3，或者5對7等復雜節奏的排列，這種以節拍為單位相對應的節奏稱為“規范式復節奏”；第二種復節奏的類型較為自由，它們節奏排列無規律可循，不能按照節拍相對應的關系來進行演奏，稱為“自由式復節奏”，相較于第一種的復節奏更加難以掌握。

在印象派作品里，作者常常為了表現豐富的和聲與靈動的畫面線條，常把復節奏的素材加在曲子里面，這無疑增加了演奏者對技術性把握的難度。在鋼琴教學中，復節奏練習是大多數學生都會遇到的“難路虎”，它的難點在于除了重音以外，其他聲部的各個音都不能在同一時間同步奏出。在練習時我們可以先分別練熟左右手，熟悉它們的旋律和各自的律動，嘴巴跟著念節拍的重音，清楚地記住分開時的速度、節奏，再跟著雙手合。這一方法適用于內心聽覺較強的部分學生。另外一種方法是運用數學計算得出最小公倍數，再合理安排左右手的各音，在相應的位置上進行對位訓練。

四、三連音的使用

鋼琴的一連串三連音在弱奏的背景下渲染出那虛無縹緲的的氣氛，揭開了協奏曲的序幕。在彈奏協奏曲1-15小節的三連音時，因為兩手相鄰，“手架子”一定要支撐好整個手臂手腕的力量，手臂手腕放松，力量自然地落在指尖。在初識譜時，需要“一板一眼”地用指尖的力量放開聲音彈出來；在完全熟練彈奏以后，手指貼鍵，擺脫掉一個力量一個音的奏法，指尖需要靈活自如地控制聲音，要使旋律聽起來浮而不躁，松而有度。用手腕把所有的三連音串成一個整體，音符之間以旋律的橫向進行為前提，不能把長句子切割成一個個零星的片段。加速彈奏時還需注意相臨近的音要整齊，不能因為快速彈奏使旋律粘連和渾濁。