當代基礎素描教學面臨的問題

李洪震

素描教學對于培養和提高學生的創造能力具有非常重要的意義。想培養學生對素描的持久興趣，就要不斷探討改進教學方法，在素描訓練的過程中，積極引導學生提升對美的感知能力、表達能力和創造能力。

一 素描教學中所面對的問題

1 關于畫“準”的問題

在基礎繪畫教學中，相信所有的教師都會被問及“如何畫”和“怎樣畫”才能畫準之類的問題。這樣的問題看似簡單，其實卻相當棘手。關于這個問題，我們應該從繪畫基本要素的角度去引導學生思考，讓他們知道所謂的“準”絕不僅僅是絕對意義上的“準”，更不是為了這個“準”去反復測量著畫。這種測量的習慣有礙于提高感受力，還會減弱視覺的敏感度。要用自己對物體的看法、感覺去表現那些你認為是內在本質的東西，這才是藝術表現的核心所在。只要去仔細研究就可以發現，像德加和馬蒂斯那樣的大師的素描作品中所描繪的人體并非是如同解剖圖式那般的準確。正如德加所說，“素描畫的不是形體而是對形體的觀察”。也就是說素描是一種發現的行為，所謂的準確只是“感覺上的準”，而在這種大感覺的引領下的繪畫語言或者說繪畫的各種基本要素，即是組成畫面的重要因素。自然描摹對象的能力并不能完全等同于基本功，這是個老問題，但對于今天的素描教學來說仍然還需要再次強調。所謂的“精確”只有在創作思維的產生和形式語言的出現后，才具備使用價值。馬蒂斯曾說“準確的描繪不等于真實”，因此作為教師一方面要嚴格要求學生掌握自然物象的客觀規律，另一方面要啟發和鼓勵學生發現自己的藝術感受能力，培養挖掘藝術素養，這二者并無先后之分，而是同時進行各有偏重。

2對造型基礎訓練意義的認識

把“素描基礎造型”提高到“素描造型藝術”的高度，并非違背了所謂“循序漸進”的原則，而藝術感覺、藝術想象、藝術創造能力的培養，也正是基礎素描訓練中要著重解決的問題。好多人認為只有基礎牢固才能談及創造，似乎“基本功”的好壞是決定一個人的創作水準和藝術成就。然而我們卻發現這樣一種比較普遍的現象，許多“老畫家”搞了一輩子“基本功”還嫌不夠，以致于喪失了從事創作的能力。這確實是當前社會上普遍存在的現象，但我們不能就此全盤否定素描的功能和素描基礎訓練的意義。那么問題出在哪里呢？其實主要原因還是教的問題，是人們對素描的認識過于教條和狹隘。在素描教學中，形體、結構、透視的訓練是基礎，審美趣味、表現力、創造力的培養也應該是基礎。單純的技能訓練其實等同于模仿能力的訓練，模仿再現能力作為基礎訓練的一個組成部分固然是必要的，但不能使它成為教學的終結。教師應該把藝術觀念、藝術思維、藝術想象帶入素描教學，進行全面地訓練和培養。藝術史學家奧班恩指出：“創造等于藝術的論斷，創造應該成為所有致力于建立某種藝術觀念的基礎。”顯然，藝術活動是一項創造性的勞動，創造性已被看作是藝術的最高追求。因而，在現代素描教學中，培養學生創造性思維和藝術審美判斷是非常必要的。觀察表現對象須嚴格要求、認真對待，不可用時間的長短和刻畫的精微來衡量。一張作業畫了三十節課未必就是嚴謹，有時一兩節課的作業，未必就是敷衍，而在于是否抓住重點和要害。大師們的素描習作，既是嚴格的習作，又是可供欣賞的藝術品。他們將對象畫得也許具體但不僵化，有主有次，必要處像汗毛一樣細微的地方也不放過，達到了“盡精微致廣大”的境界。

二 素描教學在教學實踐中的運作

1 構建多方位意識的現代造型藝術觀念的基礎素描體系

當今的信息化時代具有多維、多元的文化特征，而當代素描教學也應符合順應這樣的時代特征。當下藝術思潮風起云涌，各種藝術觀念及各種藝術形態、形式同時交匯、相互作用、相互并存著。素描作為一種獨立的藝術形式，必須緊扣時代的脈搏。眾多的畫家正以不同的藝術觀念探索著素描藝術的多樣可能性，在這個領域內早已出現寫實、表現、抽象同時并存的豐富格局。西方的素描觀念早在19世紀末20世紀初就已發生了重大變化，對畫家來說再現寫生對象已不再是目的，馬蒂斯的“準確的描繪不等于真實”之說更是成為現代素描的綱領。而我們的某些藝術院校在今天依舊以單一的寫實素描訓練為主，就會與現今的時代脫節，會有被時代拋棄的風險。實際上從近幾年我們的美術院校所培養的學生的專業素質、創作能力上可以看出，我們的藝術教育體系與現實社會的需求之間存在著較大差距。具象寫實僅僅是素描藝術的一個分支，但在我們的教學中卻長期被視為素描的全部，其根本原因是我們多年來形成了一種單一化、程式化的認識。在社會高速發展的今天，寫實素描教學的變革已經勢在必行。這并不是對傳統素描的否定，而是對傳統造型理論的繼承和發展。素描的表現領域應得到較大地拓展，其形式、風格也應多姿多彩。英國藝術教育家、理論家赫伯·里德在《通過藝術的教育》一書中寫道：“沒有一種藝術風格是和人的各種類型是一致的，而是人的類型有多少，藝術風格便有多少。”由此可見人的多樣性決定了風格的多樣性。

2 教學實踐中的具體運作

具體的運作當然是教與學，但這種傳統見解有失偏頗，更恰當地說應當是整體互動的共同探討。因為繪畫藝術不同于其他學科，其他學科教師所具備的主要是經驗與個人擁有的知識，而藝術不僅取決于知識的增進，更取決于自然的秉賦與靈性。在此，師生之間更多地是相互探討、彼此交流和取長補短式的學習過程。

多年來，美術院校一再強調再現能力的提高和扎實的寫實功底，因而學生們過于把精力投注于依賴對象的再現模仿，而對把物體的自然形態轉化為藝術形態的創造能力卻給忽略了。這顯然是教學的某種失敗，應當引起深思。多數人都能夠較好地完成精細的“標準素描”，卻對速寫感到畏懼，因為速寫不僅需要一般的觀察能力，更需要藝術語言的組織能力。有鑒于此，將精力適度轉向文化形態與形式結構的研究，更有助于學生審美鑒賞能力和表現能力的提高。鑒于形象思維的特點，我們不能套用類似理科專業的教學模式，也不能照搬蘇俄繪畫模式，而應當擴大文化視野，采取靈活多變、多元并存的教學方法，以適應多元世界的文化需要。

首先，在強調基本功的同時，應當引導學生弄清楚什么是藝術的眼光，也即以某一種造型的視角去揣摩外部形態，不論這種視角是結構的、點狀的抑或線性的，最終不論表現什么，總得以某種藝術語言為媒介。這樣的觀察才是形象思維的把握，這就不僅需要我們認識事物的規律，同時還要把這種認識轉換為藝術的解決手段。

其次，畫者應當從歷代大師那里汲取豐富的養料。教師應當鼓勵學生深入研究大師們的經典作品，尤其是素描與創作草圖，素描的各種方法探索正是創作的先導。除傳統教學一再重視的古希臘藝術、文藝復興藝術、古典主義藝術、現實主義藝術諸流派以外，過去我們忽視的重要文化和大師都應引起高度重視。對大師的研究應分為若干層次，其一是分辨和理解古典藝術與現代藝術具有本質差異的兩種不同形式語言規則或圖式觀念，這一點非常重要，有助于我們提高對文化形態及其形式規律的認識能力，擺脫混亂的模糊認識。其二是區分不同的表現范疇，即寫實、表現和抽象三類傾向的表現形式，目的是理解藝術表達的對應方式以及產生不同傾向的社會因素，同時分析人類情感需求與藝術表現的統一性和多樣性。其三是研究具體的多種表現手法和變化，諸如明暗的、塊面的、線條的、線面結合的、點狀的，等等，目的是領略這些表現方式的魅力所在。其四是研究不同的文化形態、民族信仰、時代精神及個人特點，諸如嚴謹的、細膩的、粗獷的、優美的、滑稽的、悲劇的等不同風格，目的是認識各民族文化形態的共性、個性和時代特征及藝術家的個人情懷。這些不同層次的研究加起來才能構成我們對文化的整體認知。

當然，所有的研究都要落實到實踐本身。除了教學慣例以外，教師應當嚴格要求學生平時多畫速寫。速寫的正式授課課時應有所縮減，以恢復它作為繪畫日記的傳統慣例，每學期要有相當的作業量，并作為一門課程認真計分。原先用來安排速寫的課時則改為慢寫、默寫或臨摹。這個課程的目標應當追求帶有半創作性的重點來探討，它不要求刻畫上過于深入，而是要求形式上的多樣。因而教師應精心研究與安排寫生對象，擴大靜物的品種，變換多種側重點不同的構圖方式。而在人物寫生上也要求考慮多樣性與服飾變換，并根據學生的不同專業、層次、特點，引導多種可能的方向發展，這樣的探索空間應當是趣味盎然的。而臨摹應當是一種意臨，甚至還可以加上變體創作，比方說梵·高就常常改畫德拉克洛瓦、米勒等人的作品。這既是一種學習，也是一種有趣的游戲。進行這樣的安排，教師不應局限于個人主觀的偏好，對不同方式的畫法和不同見解絕不能加以排斥，相反應當給予正確認識和客觀評價，并作出合理地引導。另外，由于慢寫是個很寬泛的概念，風景寫生也可以歸于這一類來安排課程，在風景寫生中尤其要引導學生關注構圖的重要性和繪畫語言的選擇。

總之，在素描教學中要有足夠的針對性，學生的藝術個性才能夠在自主選擇中得以實現。這樣做有利于學生在風格探尋的藝術實踐中認識和發現自己，并有效地加以調整。在模仿的基礎上加強寫生和創作教學力度，強調自己的感受與體驗，關注現實，強化創造精神，提取其他藝術風格的養分，探索個人的藝術表達方式。基本法則和技巧固然重要，但更為重要的是觀念的區分、選擇及相關的形式劃分。有了這樣的針對性，我們的素描教學才能夠真正地做到有的放矢和卓有成效。

參考文獻

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[4]赫伯·里德.通過藝術的教育[M].長沙：湖南美術出版社，1995.