互聯網+時代的藝術方向

采編/紅　菱

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互聯網+時代的藝術方向

采編/紅菱

目前，全國上下都在熱議“互聯網+”，那么，這種互聯網發展新形態、新業態如何影響著藝術創作、藝術傳播呢？面對互聯網時代的瞬息變化和科學信息技術的飛速發展，藝術的現狀如何？又將走向何方？是“互聯網+”，還是“藝術+”？文化與藝術如何秉承社會責任和人文關懷，結合互聯網發揮更有效更持久的影響力？

近日，第十七屆中國上海國際藝術節的主旨論壇“互聯互通時代的藝術：現狀與未來”與分論壇之一“藝術創新與科技融合”都聚焦了互聯網大背景下藝術的現狀與未來。來自全國乃至世界各地的藝術家、專家、學者等匯聚一堂，探討互聯網對藝術尤其是對舞臺藝術的影響，并分享藝術創新與科技進步相容相生的經典案例。

以前大家必須坐到一個共同的空間里看舞臺上面的表演才能夠欣賞藝術，但是有了互聯網之后，不同的國家、不同地區的人可以參與同一個文化的盛事，一些傳統的音樂、藝術和舞蹈已經突破了地域的限制。

互聯網拉近了藝術家和觀眾之間的距離

21世紀以來，互聯網成為了人們生活中不可或缺的部分，各個行業、領域無一不被互聯網滲透，包括藝術。我們可以看到，通過互聯網提供的全面感知、互聯互通以及智慧服務的技術服務基礎，分散的文化資源正在進行跨時空的有效整合，藝術產品借助新的傳播媒體正吸引著更多的年輕受眾。

捷克布拉格之春音樂節總監羅曼·貝勒在論壇上指出，現在的互聯網使得人與人之間，觀眾和藝術家之間有了更加親密的聯系。“我覺得有時候這就像一個戰場一樣，我們要去競爭來獲得人們的注意力和興趣。在這樣一個互聯互通的時代，這樣一個數碼的時代，要么你出版了一些東西，讓大家都能夠接受，那就能繁榮昌盛；如果你出版的東西沒有人喜歡或者不流行，你就不得不消亡。因此，我們必須要有一個工具來推動文化、推動這些文化活動、項目。而因特網提供了一些特殊的技能，讓我們能夠更好地做好跟藝術節相關的組織和策劃工作，更好地向觀眾進行藝術的呈現，宣傳更多藝術家和節目單的信息。除此之外，互聯網也給我們帶來一些全新的可能性，它不僅在推動藝術家，同時也推動了我們這些規劃者和策劃人。在全球范圍內有各種各樣不同的表演、藝術節，在過去五十多年當中，人們選擇看某個表演前，可以對不同的節目進行一個比較，如果有錄音或者互聯網上面有現有材料的話，都可以進行比較，這就給我們帶來了一種競爭。但因特網也給我們提供了一個絕佳的機會，讓我們知道如何來推廣、宣傳、售票。這些方便度已經是前所未見的了。我們可以看到一些相關的因特網上面的數據，過去幾年以來這種數據的分布發生了很大的變化。我們也可以看到哪一個國家對我們布拉格之春音樂節非常感興趣，哪些國家是不感興趣的。這都是使用數學統計學來做一個分配的分析，而且使用因特網也可以進一步拉近我們藝術家和觀眾之間的距離。”

上海國際藝術節中心藝術總監劉文國透露，今年上海國際藝術節將很多節目放到互聯網上進行

轉播，“把舞臺表演精髓通過互聯網傳播，爭取更多青年人來參與我們的藝術節，讓他們享受藝術的魅力。”美國林肯中心藝術節藝術總監、美國斯波萊托藝術節總監奈杰爾·雷登介紹，林肯中心建立了一個直播項目，將節目放到互聯網上，未來可能還會出電影版。在林肯中心計劃中，舞臺精品有望變為電影、廣播節目等多種形式。論壇上，雷登表示，當前來說，互聯網的確是一個非常重要的把藝術內容帶向觀眾的媒介、工具。“以前大家必須坐到一個共同的空間里看舞臺上面的表演才能夠欣賞藝術，但是有了互聯網之后，這些都會有很大的改變。現在不同的國家、不同地區的人可以參與同一個文化的盛事，一些傳統的音樂、藝術和舞蹈已經突破了地域的限制，新媒體已經改變了我們現代的這種現場藝術表演的形式。有了微博、微信，現在你肯定可以看到別人對于某一個藝術表演的評論。我們的藝術家還可以找到一些全新的地方，可以剖析歷史來做一些全新的東西，可以找到一些還沒有人去評論的事件，可以做革命性的藝術的創作，這就是一種冒險。現在的藝術家可以創造一些全新的藝術品類，同時把它帶到一個新的高度。就像愛因斯坦所說的，知識很美妙，但想象力仍比知識更加的重要。”

互聯網和新媒體轉變了人們的生活方式、交往方式。藝術是生活的反映，所以社會生活的轉型必然帶來藝術的轉型，不論從形態到內容，都是一個重要的變化。新媒體和互聯網給演出藝術帶來的是新的形態和內容的革命。

互聯網給演出藝術帶來的是新的形態和內容的革命

時代在發展，無處不在的互聯網成為了藝術節、藝術作品推廣的非常重要的渠道，同時也成為藝術家創作中不可忽略的存在。

“互聯網和新媒體轉變了人們的生活方式、交往方式。藝術是生活的反映，所以社會生活的轉型必然帶來藝術的轉型，不論從形態到內容，都是一個重要的變化。新媒體和互聯網給演出藝術帶來的是新的形態和內容的革命。”上海戲劇學院院長韓生在論壇上指出。同時他介紹了上海戲劇學院正在進行的“數字演藝集成創新·文化部重點實驗室”的項目。“為什么用‘集成創新’的概念？我們感覺到，第一是技術的過剩，現在新發明新出現的技術有95%還沒有轉化為藝術創作；第二是技術的濫用，離開了戲劇和藝術的本體，形成沖突狀態；第三要面向新一代原住民，在數字媒體時代，一個新的觀眾群的適應；第四是人類社會發展的需要。從深層來說，人類社會發展過程中，技術帶來的異化，需要藝術來彌合。”論壇上，韓生還特別介紹了正在進行的“云劇場”的實驗，“我們提出了‘云劇場’網絡交互劇場實驗的目標。這里面用的技術，虛擬現實、增強現實、多空間并行、異地劇場同步。過去的概念中，戲劇表演是在一個空間當中，觀眾和演員直接交流以及觀眾之間的交流，但是現在由于網絡技術的發展，人和人之間的交往方式在變化，可能空間和劇場的‘場’的概念都在發生變化。在不同的區域里，可能在做同一件事。所以這時候劇場就可能發生在不同的空間同步進行。比如，羅密歐在這個劇場，朱麗葉在另外一個劇場，但兩個人可以同演一臺戲。這個概念我們先在校內的劇場空間內進行實驗，把現實表演和虛擬表演以及不同空間的表演做交叉。然后可以在上海不同的劇場進行實驗，然后還可以異地，比如說另外一個劇場在北京或者在新加坡、德國等，但演的是一臺戲，這時候網絡技術提供了這種可能，把兩個不同的空間連成一個劇目在不同空間同步展開。我們現在開始鋪設這樣的通道。”

舞蹈家、畫家沈偉指出，近些年，他也開始探討空間，探討距離，探討一個人和空間的距離以及視覺、投影等帶來的新的距離，而這個空間是以前不存在的。在演出的時候，為了探討不同的空間，他也用到了這種新的空間的認識。他舉了一個演出的例子：一位演員身上掛了一個iPhone，演員之間跳舞的時候，那個iPhone的攝像頭看到誰，就在屏幕上面馬上呈現這個鏡頭看到的東西。“數碼時代是生活中的一種新的現象，起了一個很好的溝通作用，同時給生活中的感官提供了一種新的文化呈現。比如一個小孩花四五個小時在電腦上面做事情，他的情感跟電腦已經產生了一種關系，這是這些年所產生的一種新的文化現象。藝術家可以呈現、表達他跟互聯網、數碼時代的關系。實際上隨著時代的發展，這種現象在藝術家里面可能會呈現得越來越多。”

德國柏林邵賓納劇院藝術總監托馬斯·奧斯特瑪雅在論壇上介紹道，作為國際化的劇院，他們會把現實生活的某些方面帶回到劇院，讓表演人員和觀眾進行互動。“表演當中有這么一個時刻，主角在發表一個演講，關于政治的系統。在這個時刻，大約有15分鐘的時間，我們使用了一個法國哲學家寫的文本，在這個文本念完之后，我們就問觀眾誰同意主角的觀點，在伊斯坦布爾和其他城市我們做了這個相同的工作，有時大概有80%到85%的觀眾會舉手。接下來，表演當中所謂的壞人，兩個政治

家，他們代表的是保守派的想法，這兩個人攻擊了觀眾，有時觀眾會參與互動，我們把觀眾的互動給拍攝了下來。每一個觀眾的參與、互動都是在表演過程當中，這都是我們表演的一部分，他們的行為和表現就好像參與了戲劇當中的角色，對戲劇當中的人物進行攻擊和反駁，所有這些都不是事先設定好的。通過這樣一種數碼化的體現和展現的方法，世界上不同城市的人都可以在網上觀看當時現場的觀眾是如何反應的，以及他們是如何參與的，還可以看到不同國家人的反應。最終我們可以有一個全球意識的建立，每個國家并不是孤獨和孤立的。”

很多年前，表演界已經開始引入科技的成分。近些年來，多媒體技術在舞臺上的運用越來越多，但在廣藝基金會執行長、廣藝科技表演藝術節創辦人楊忠衡看來，很多舞臺表演并不是科技藝術表演，因為終究還是一個表演藝術，使用的技術并不在這個表演里面占有主體的地位。論壇上，楊忠衡介紹了近幾年來臺灣的藝術家發展的一種叫作科技表演藝術的新門類。“在過去的五年，我把2010年稱為臺灣科技表演藝術元年。所謂科技表演藝術，發展得很早，大概從視覺藝術出發，從靜態、動態到能夠互動，到加入表演的成分在內，逐漸變成一種表演的形式，稱為數位藝術表演。它的精神還是一種數位的藝術品。推動到第六年，我們對于科技表演藝術有了一個新的定義，基本上還是表演藝術，但是科技元素在表演里面具備同等的地位、分量，而不只是舞臺效果的工具。其中有那么幾類：第一類是融合類，在表演里面兩種元素的結合是比較均等的，會分不出你中有我、我中有你；第二類技術面較強；第三類是表演性比較強，也許技術層面不是那么的尖端，可是是表演整個數位精神的所在。舉個例子，舞臺劇《黃翊與庫卡》的創作者是藝術家黃翊。一般藝術家操作數位技術必須依賴其他工程師的協助，但黃翊是一個很特殊的天才，為了與機器人一起跳舞，他去學習機械操作。舞臺劇中機器人的每一個動作都是他自己親自寫出來的，而他與機器人的共舞會讓你忘記這些技術的存在。現在，數位藝術表演才剛開始，有很大的成長空間。但是數位表演藝術是不夠的，我們怎樣發展出一個又有數位精神又兼具表演藝術精神的東西呢？如果有的話，會是什么？這是我們過去五年探討的重點。相信這個門類在可見的未來可以帶動一種新的思潮。”讓科學家、藝術家走到一起去創造，這是遠遠不夠的。不能單單把科學和藝術當作兩種原料調在一個杯子里面攪一攪就希望有新東西產生，一定要考慮催化劑的作用。催化劑是什么呢？是藝術、是藝術家、是藝術機構的職責和作用。科學和藝術的合作真的可以帶來一些無窮的創意。

奧地利林茨電子藝術節藝術總監弗里德·斯托克介紹，在非常早的時期，林茨電子藝術節就做了當時一個非常大的創舉，把藝術家的作品和科學家的作品、技術人員的作品進行了一個融合。“可以說這在當時是一個具有里程碑意義的做法。上世紀70年代和80年代，計算機技術沒有廣為使用，所以當時使用的是電子技術，我們可以看到，即使在早期也已經有了這樣一種兩個不同領域之間相互靈感的迸發。而且當時發現，把新的技術引入到文化與藝術當中是非常重要的。”在弗里德·斯托克看來，讓科學家、藝術家走到一起去創造，這是遠遠不夠的。不能單單把科學和藝術當作兩種原料調在一個杯子里面攪一攪就希望有新東西產生，一定要考慮催化劑的作用。“催化劑是什么呢？是藝術、是藝術家、是藝術機構的職責和作用。科學和藝術的合作真的可以帶來一些無窮的創意。有了這些創意可以創生出各種各樣不同的形式。這種創造也不再是一種單純的、傳統的方式。好比在工廠里面生產一樣，創意不僅僅是一個單向的一端輸入、一端產出，而是整個過程當中各種力量交互、互相影響。我們現在在嘗試一些不同的模式，用藝術的力量來看一下藝術可以為其他的行業、其他的一些領域做些什么。這些作品做出來之后，通過它的回饋，重新循環往復，又可以激發出怎樣全新的內容。這是一種全新的藝術的表達，這也是我們藝術最重要的一個作用。”

相信很多人還記得，2015年羊年春晚上，李宇春的獨唱節目中最讓人震驚的是利用全息投影技術一下子變出了四個李宇春。但這還不是最讓人嘖嘖稱奇的，2014年美國公告牌音樂大獎頒獎典禮現場，邁克爾·杰克遜以全息影像的形式“復活”，轟動全場。而這“神來之筆”出自美國“脈沖進化”數字特效公司。“‘邁克爾·杰克遜’唱了一首從來沒有唱過的、不是他原來唱片里的歌，這樣人們不會把這歌跟原來的進行比較。邁克爾·杰克遜在唱歌的時候，一定會跳舞的，圍繞著邁克爾·杰克遜的演員中，有一些是投射出來的假人，有一些是真人演員在真的表演，好像跟邁克爾·杰克遜有互動一樣。我們有臺上、臺下，讓觀眾覺得是有景深的，是非常真實的。”美國“脈沖進化”數字特效公司執行主席約翰·泰克斯托在論壇上詳細說道。他還介紹了另一個項目，把一個去世的說唱演員再次搬上舞臺，“這個項目我們花了七個禮拜，做了動畫版本，重塑這個人。我們在一萬九千人面前投射了這樣一個全息的人物形象。特別的一點是，他唱的是一首老歌，加上一些新的歌詞，讓觀眾意識到不是真人，是假人。?一開始這是一個

娛樂節目，后來成為一個很轟動的事件，網上有幾百萬的點擊量。我們發現我們引入了一個新的行業，從中可以看到演員的價值等等飆升。我們不僅重塑了演員復活本身，而且讓整個藝術界都知道這個數字人或者說把一個去世的人再帶回來有多大的價值，這有利于行業的發展。當然這還涉及到家庭人員意愿的問題。再回到這個行業，我們是不是可以重塑一個所謂的虛擬表演的行業？不僅可以重塑名人，而且可以重塑每個普通人，這是很大的機會，特別是數字時代，有很多新的商業機會可以從中產生。”

舞臺表演到最頂級的時候已經讓人忘了技術的存在，單純的就是一個藝術表演，這是我們追求的境界。

歡迎任何新媒體元素的加入，但絕對不要忘記想討論的是什么

在中國上海國際藝術節的論壇上，嘉賓們舉了很多科技進步與藝術創新融合的例子，與此同時，他們也強調，藝術尤其是劇場藝術仍然具有不可取代的特色與作用。

沈偉指出，溝通是人和人之間從視覺到聽覺、嗅覺各方面的全方位的溝通，因此，互聯網屏幕上面的溝通方式，沒有辦法代替劇場藝術。“還有一種很有意思的東西是人和人之間的磁場、感染力。同一個音樂，你在電腦上面聽或者聽CD與你坐在劇場里面聽音樂家演奏，是兩回事，后者是完全把你整個人給融化掉的感覺。這是我們很多藝術家都認同的一點。因此我的作品一般都盡量不用技術，不然的話，今天出來一個新的技術很好玩，下個星期又出來一個新的，去年的就不好玩了。新鮮的技術沒有得到歷史或者文化上面深度的溝通，無法永恒。”

托比亞斯·維特也有類似的觀點：“劇院是來創造一個真實的時刻，一個當下的時刻，一個現場的演員跟一個現場的觀眾互相溝通和交流的、面對面的時刻。因為是同時發生的，電影和媒體是做不到的。在數字世界當中，我們人和人之間的接觸會有新的意義，但是沒有任何東西可以代替這樣一種直面的接觸，這會有很大的影響力，而且會改變很多東西。新媒體是有它的意義，但是不能取代人的集會和直接的對話。所以，在劇院當中投入的每一分錢，每一種努力都是值得的。”

托馬斯·奧斯特瑪雅指出，舞臺上面對新媒體的使用慢慢會變得越來越自然，但是同時他也認為：“我們必須面臨這樣的現實，要把我們所面臨的藝術世界看作是一個財富，也就是三維的、真正的生活、現實的情況，我們不知道下一刻會發生什么，因為這是完全自由的，同時也是表演的人員、我們的觀眾自我真實的體現。在當下的表達，這就是戲劇的魅力所在。任何新媒體元素的加入都是受歡迎的，但我們絕對不要忘記我們想討論的是什么，要講的是什么故事，這是我們戲劇和劇院的核心。”

中國臺灣的當代傳奇劇場藝術總監吳興國在論壇上談到了2013年愛丁堡藝術節邀請他去做的開幕演出，他以獨角戲的方式詮釋了卡夫卡的作品《蛻變》，其中用科技的方式跟藝術做結合、對話，里面用了大量的黑白水墨的影像，而這些都統一在他想表達的主題下。“這個作品可以說，一半在說卡夫卡，一半在說中國的戲劇、文學、美學的一些哲學概念。對于西方的著名的故事，我們不但不破壞它，而且想辦法把我們中國的人文精神放進去，把中國文學的底蘊跟美學的底蘊與世界名著經典做結合，也讓西方人能夠快速認知我們的表演藝術到底是如何來傳達情感的。”

楊忠衡認為，科技藝術在未來有這么幾個遠景：“第一是從技術到藝術，所有的技術最大的新鮮感可能持續不到一天，所以科技藝術最后還是會回歸到人性、思想、創意，這一點是非常重要的；第二是從有形而無形，很多藝術家第一步讓你看到舞臺上面用什么技術，但實際上最高的境界應該是表演中讓人感受不到技術，就像我聽了一個鋼琴家的獨奏，那個鋼琴可以說就是當時的科技藝術，要是沒有那么精巧的工藝，用錯了材料、材質，都會造成藝術品的瑕疵。但當它到最頂級的時候已經讓人忘了技術的存在，單純的就是一個藝術表演，我覺得這是我們追求的境界。第三是從同源而合流，科技和藝術，或者他們的出發點是一樣的，我們要創造一個新的創意，在經過不同的發展之后，在舞臺上面還是合為一體。”

弗里德·斯托克指出，理想來說，在思維創意的階段是靠藝術為主，而不僅僅靠原先嚴謹的科學的方法。“我們是天馬行空，通過豐富的想象力來給問題找到更多可能性的解決方案。但有的時候，真正的問題在于你要了解有哪些可能性，這也是藝術的輸入能夠帶來巨大價值、巨大生產力的一個方面。但是在這里我特別想提醒大家，不管你的焦點在哪里，一定要考慮，你做的東西會給社會帶來怎樣的影響、產生怎樣的作用，只有這樣才能讓藝術與科學有一個更好的合作。”（攝影：祖忠人）