《馬可·波羅》：一位實踐者的心得體會

文：周曉琳

2017年10月，我在羅馬學習期間，收到廣州大劇院的邀請，希望我參與原創歌劇《馬可·波羅》的演出。我通過相關人員了解到主創團隊以及部分演員的情況之后，對其產生了極大的好奇與期待。一方面，好奇于這是一部講述中國與意大利相關故事的作品，音樂卻是由德國作曲家施耐德創作完成的，他不會說中文，但要在中文語境下寫一部歌劇；四位外國歌唱家還要突破性地用中文完成全劇的所有唱段和臺詞，首演這部原創歌劇。同時我也期待著英國科文特花園皇家歌劇院前歌劇總監卡斯帕·霍爾滕的執導——他將如何從一個歐洲人的視角講述13世紀意大利旅行家馬可·波羅在游記中所記錄的中國故事？而我在劇中所飾演的女一號傳云，作曲家筆下的她會使用哪些音樂元素？音樂語匯是什么樣子？音樂是有旋律性、歌唱性，還是非常先鋒？感謝這個時代給予我們這代人機會和舞臺，有幸能夠在中國原創歌劇高速發展繁榮的時期，一直在舞臺上學習、實踐。我想從一個參演者的視角，簡單談談我對這部戲的感受，以及我對中國原創歌劇在唱腔和表演形式上的思考。

聲樂技術：可以犧牲音色的“美”，來刻畫人物的“真”

剛收到《馬可·波羅》全劇聲樂鋼琴譜電子版，我就迫不及待地在平板電腦上打開，視唱了其中幾個段落。傳云的第一個唱段的旋律就把我吸引住了：很有歌唱性，其中滲透著中國民間音樂元素，是一種既熟悉又陌生的感覺。然而多看了幾段之后，我發現，這竟然是一部無調性的作品。

一部歌劇的靈魂在音樂中，戲劇以音樂來承載，人物的塑造脫離不了譜子。傳云在第一幕中介紹自己時，音樂運用了中國民間音樂元素中的江南小調，配器上也加入了二胡、揚琴和竹笛。音樂的地域性、形象性栩栩如生，刻畫出一位西子湖畔的江南女子。我在演唱這部分時，音色上盡量靠前、明亮。當隨著劇情的發展人物的情感越來越復雜、糾結時，我在音色和技術上做出更多調整。排練和演出的進行過程中，我始終在不斷深入體會作曲家的意圖。到最后一場演出時（5月19日晚），在第三幕馬可·波羅的痛苦回憶中，最難的一段是兩遍完全相同的華彩式旋律，雖然只有一個“Ah”，卻真實地表達了人物內心那種“杜鵑啼血”般的強烈感受。茶館中傳云自殺前的幾小節到High C高弱的華彩，“Ah”也唱出了人物對生命的留戀與不舍。

作曲家發揮音樂想象力來創作作品，但具體需要什么聲音類型的歌唱演員，在作曲家的心目中有時并非完全明確。我近年來參演的原創歌劇劇目都曾有過這樣的做法，用不同“號”的女高音飾演同一個角色，有的劇目甚至出現一組用美聲唱法演員，一組用民族唱法演員，以求找到更適合角色的聲音。在《馬可·波羅》這部劇中，傳云的音域跨度為兩個半八度，從中央C到High E，配器上女高音唱的旋律經常和圓號在一起，甚至在一些段落中銅管組跟人聲使用了同樣的旋律。如何讓聲音穿透樂隊，且不被樂隊遮蓋？這在演繹上又增加了一層難度。在華彩段落中，七度向上向下的大跳；在high E上保持8拍并做處理。兩遍同樣的旋律如何處理出不同效果，才能更加符合人物內心的表達呢？在第一遍High E，我以弱聲進入，從漸強到漸弱至無聲的處理，來表現人物的悲慟之情；而在第二遍則以一步到位強起的High E，表現人物目睹家國破裂時內心迸發出的吶喊。

在表現人物戲劇性張力的部分，需要有很好的中低聲區；在人物內心類似于詠嘆調的抒情部分，音區比較高，但同時需要在高聲區咬字，這對演員的技術又提出了考驗，如何能夠處理好聲音與咬字兩者間的平衡呢？熟悉我的師長們問我，為什么不更多地用高弱來歌唱？是啊，這一直是我的強項。但我認為所有的演唱技術都是為情感、為人物而服務的，脫離了這些，再華麗的聲音又算得了什么呢？

舞臺表演：寫實與寫意結合，可以借鑒中國戲曲元素

歌劇作為西方的“舶來品”，用音樂承載戲劇，通過聲音來塑造人物。在這幾年的原創歌劇排演中，我切身感受到，相對于西方經典歌劇而言，我們的原創歌劇在表演形式上更具挑戰性。

《馬可·波羅》中的南宋女子傳云這一角色完全是虛構的，她在劇中是南宋朝廷派往中亞離間蒙古汗國以牽制忽必烈南侵，試圖色誘馬可·波羅并阻止其與蒙元合作的神秘女子。她是美貌與智慧并存、外表強大內心脆弱的女子。排練廳里沒有代用景，傳云這個角色也沒有道具，沒有了這些可以幫忙的“支點”，演員只能借助想象力來豐富自己的內心，走進人物的內心世界，相信人物的存在。導演希望在傳云這個人物的塑造上，要有對馬可·波羅的溫柔、對下屬柳娘的強硬、對大宋的愛和對大都的恨。很多的調度在臺唇，離觀眾更近，除了在舞臺上真聽、真看、真感覺之外，細節的刻畫與放大變得尤為重要。“手”在這部戲中非常關鍵，在色誘時，在向馬可·波羅提出邀請時，在傳云愛上馬可·波羅時，在傳云放走愛人時，以及在南宋滅亡十載之后與馬可·波羅再度相見時，“手”的細節刻畫對劇情的發展起到至關重要的作用。在色誘馬可·波羅的部分中，我在表演中加入了戲曲元素“蘭花指”，以表現東方女子的柔美、含蓄和嬌羞。在我和馬可·波羅的飾演者、丹麥男高音彼得·洛達爾第一次排練時，他迅速領會了我的意圖，并做出反應。

中國歌劇演員在演外國劇目時，會學習很多西方人的肢體語言，在美國還有教授歌劇表演的老師專門按角色分類加以訓練。但是什么樣的肢體語言是適合我們中國原創歌劇的呢？在這幾年的舞臺實踐中，戲曲元素備受中國導演青睞，有時也運用得很巧妙。例如歌劇《駱駝祥子》中，從父女反目到結婚出嫁的一氣呵成，簡單地用戲曲中“一桌二椅”的手法，巧妙地把場景由室外切換成室內。在虎妞說服祥子去找四爺提親這段戲中，也運用了戲曲的身段，表演與歌唱巧妙結合，為此劇增彩。在真聽、真看、真感覺的同時，融入戲曲表演元素，是不是也會讓我們在歌劇舞臺上塑造的中國人物更有說服力呢？16世紀我們的昆曲已經有了一套完整的音樂和戲劇形式，與歐洲的歌劇幾乎同步誕生。在中國歌劇快速發展的階段，與西方歌劇在中國生根的同時，讓中國經典藝術形式得以傳承、互學互鑒，也不失為一個良策。

內心刻畫：讓一個虛構的角色生動地活在舞臺上

我的一位朋友在看了《馬可·波羅》的公開彩排之后，看著劇照問我：為什么傳云自刎時會面帶微笑而又眼含淚水？這涉及我對所飾演角色內心的理解。傳云因為內心的愛，一次又一次地放過了馬可·波羅，她也為南宋的滅亡和無力回天而內疚自責。在對愛人的思念和目睹國破家亡的雙重煎熬中，傳云走過了十年光陰，而茶館這一幕讓她對家國情仇做了一個了結，她自己也得到了解脫，此刻她含淚的笑容正是她內心復雜情感的真實寫照。正如劇作家韋錦老師所說：傳云的“死”即是“生”。

藝術創作在很大程度上也是一個“自圓其說”的過程，而角色內心的建立源于演員對劇本的認真學習和研讀。我反復吟誦文天祥的《過零丁洋》，體會詞句中慷慨激昂的愛國熱情和視死如歸的高風亮節，以及舍生取義的人生觀，這極大地幫助我更加深切理解傳云的亡國之痛。在一次次的排練和演出中，人物形象越來越清晰豐滿，每一次的排練和演出都是新的藝術創作過程。如前文

所提及的“杜鵑啼血”唱段，起初我覺得這不是華麗的炫技，而是在表現一種悲傷的情緒。直到最后一晚演出進行到第三幕，聽著馬可·波羅的內心獨白，我感覺終于找到了更準確的理解。當我看到紗幕上的血，由上而下慢慢滲透下來，剎那間我明白了——這不僅僅是悲傷，而是絕望。從悲傷到絕望代表著希望的徹底破滅，此時的傳云已“死”,也讓十年后傳云自刎的壯舉以及一切都變得合乎情理，合乎戲劇發展邏輯。對角色內心理解的轉變，需要在一次又一次的排演和演出中用心感悟才能得到。

關于人物內心刻畫，我認為表演中的三個體系均有其獨特價值。斯坦尼體系，要求演員完全生活在角色當中，不是表演而是生活。布萊希特體系，強調演員和角色之間保持距離，既是劇中人，又不是。而我們中國戲曲表演體系，則是通過突破時間空間的限制，以虛擬的動作和布景，營造出一個與真實生活相去甚遠、卻飽含意境之美的舞臺藝術世界。

《馬可·波羅》是我主演的第23部歌劇，也是我主演的第11部中國原創歌劇。近些年來，中國歌劇在國家的支持下得以蓬勃發展，業界對中國歌劇創新也展開了廣泛的研討與實踐。任何一部新的原創歌劇，對于演員、聽眾、從業者、評論家都是一個新的挑戰。《蝴蝶夫人》一百多年前在米蘭斯卡拉歌劇院首演時并未被認可，但如今它卻是最受歡迎的經典劇目之一。在中國，原創歌劇的探索和發展也需要呵護和包容，更要有開放的心態，來傾聽不同的聲音。作為實踐者，我對我們這個美好的時代心懷感激，同時也備感自己作為一位歌劇從業者所肩負的重任。如何能讓中國歌劇更好地成長與創新，能夠古為今用，洋為中用，在世界歌劇舞臺上自成體系發揚光大？我相信：道阻且長，行則將至。