美國藝術：走向現代主義

徐悅

1865至1945年間，是美國風云激蕩的八十年，在這時代洪流中，美國藝術受到政治、經濟、文化等因素的互相影響，完成了向當代風格的轉變。

在這八十年間，美國經歷了19世紀60年代的南北戰爭，以及20世紀的兩次世界大戰，完成了從一個農業國家向一個工業化國家的轉變。

由此，芝加哥藝術博物館、泰拉美國藝術基金會和上海博物館聯合策劃了“走向現代主義：美國藝術八十載（1865—1945）”特展。該展展出了選自芝加哥藝術博物館以及泰拉美國藝術基金會的重要收藏，集中了80件美國藝術大師的經典繪畫和紙本作品，其中愛德華·霍普的《夜游者》是首次在亞洲展出，非常之罕見。芝加哥藝術博物館的美國藝術策展人莎拉·凱利·奧勒說起美國畫家霍普的《夜游者》，此作是芝加哥藝術博物館的經典作品，來上海博物館展出后，自己本館的觀眾將看不到此作而感到遺憾。

泰拉美國藝術基金會策展人彼得·約翰·布朗利則關注溫斯洛·霍默等藝術家，并討論美國獨立戰爭、西部擴張的文化影響、城市空間的現代化等。另外，展期將至2019年1月6日結束。

現代西部

19世紀70年代，隨著對西部資源的進一步開發，以及來自美國東部和世界其他地方移民的增加，美國政府開始撥出大片土地留待使用，最終形成一系列國家公園和自然保護區。這些地方和其他景點一樣促進了旅游業的迅速發展。對西部風景的憧憬日益增加，吸引了渴望將此題材引入畫中的藝術家群體，哪怕這個地區已經迅速地現代化。

當美國人開始懷念開拓時期在第一線的艱辛與喧囂，緬懷他們稱之為“消失的種族”的印第安部族時，一些生活在東部的藝術家，比如喬治·德·福斯特·布萊什和弗雷德里克·雷明頓，坐在他們安全的工作室中描繪這份日益增長的懷舊情緒。雷明頓在他的繪畫、青銅雕塑和期刊插圖中運用浪漫主義的手法，描繪軍人與美洲印第安人之間的殊死搏斗，從而表現征服西部的進程。隨著美國印第安人生活的認識更加全面，原住民的形象也在更復雜的情緒影響下而改變。20世紀初，像瓦爾特·烏福這樣的美國西南部藝術家賦予了普韋布洛人端莊、優雅的氣質。這些藝術家也敏銳地表現了當地獨特的光線和色彩。這種趨勢在現代派畫家的作品中達到了頂峰。他們中的一些人遷居至西南部生活，也有一些人只是當時短暫地游歷，但他們都以創新的風格描繪了西南沙漠地區的獨特地形和具有沖擊性的主題。

美國景象

從舊大陸來到新大陸，20世紀科技的突破與戰爭的變革，帶動了美國工業的繁榮與城市的發展，美國藝術家們也開始大膽創新，表現主義、立體主義、超現實主義、抽象表現主義等各種藝術潮流層見迭出。觀眾將在展覽中領略愛德華·霍普《夜游者》、詹姆斯·麥克尼爾·惠斯勒《藍色與金色的夜曲》（南安普頓的水面）、瑪麗·卡薩特《夏日》等經典名作。透過他們的作品，將感受到美國西部粗獷的風景與繁華都市背后的孤寂，探索藝術家認識藝術、認識自我的方式，更將增進對美國歷史進程與社會變遷的認知。

然而，美國有兩次世界大戰之間的豐產期，經歷了對現代藝術探索的分流。1929年，美國進入經濟大蕭條時期，這次嚴重的經濟危機對藝術界也產生了影響。藝術家對于在如此嚴峻的時代中應該表現什么進行了討論，力圖尋求一種真正的美國藝術，為大眾帶來希望。一些人認為應該繼續推動抽象畫派，但其他人則認為它過于歐洲化，轉而追求具象的現實主義來表現更為本土的主題和話題。大蕭條時期的美國文化想象，包含了普通個人的理想狀態，以及社區和歸屬感的概念。一些活躍在20世紀30年代高峰期間的藝術家因此選擇以寫實主義手法描繪普通美國人的日?；顒?。另一些藝術家則持孤立和逃避的立場，轉向新出現的流行心理學領域，借助新的語言來表述個人的情感世界與集體思想。所有的這些嘗試歸總起來可以被稱為“美國景象”。

有一批自稱是“地區主義”的藝術家，在主要城市樞紐以外的地方創作，以格蘭特·伍德、約翰·斯圖爾物·柯里和托馬斯·哈特·本頓為代表，他們選擇融合現代的、前瞻性的審美以及對歷史（意指可用的過去）和美國鄉村傳統的尊重，柯里和本頓等人通過緬懷被遺忘的英雄和回顧固有的美國歷史敘述，重塑了過去，并將其與當時的現狀相聯系，審視了美國奴隸制和種族主義留下的復雜問題。民間藝術和其他形式的美國藝術品由惠特尼美國藝術博物館和紐約現代藝術博物館收藏并展出，為眾多藝術家提供了靈感。

多麗絲·李等畫家考察了日常生活的各個方面，用一種離奇的、民間的、方言似的藝術語言來表現家庭生活和其他社區活動。與此同時，雅克布·勞倫斯和羅馬勒·比爾登分別探討了北方都市和南方鄉村中的美國黑人社區的生活。紐約康尼島游樂園吸引了美國大眾蜂擁而至，這里提供的流行娛樂活動使他們可以暫時忘卻為生計掙扎的日常和艱辛的生活。

雷金納德·馬什也為之吸引，并將其作為繪畫的主題。其他畫家，如陶德羅斯·格勒和歐·古格勒米，通過自己的繪畫捕捉到大都市中的近乎奇幻，甚至超現實的日常場景，比如擁擠的城市空間和都市中詭異的空曠空間。美國杰出的現實主義畫家愛德華·霍普對光影效果的掌握都達到了爐火純青的地步，他尤其擅長用光與影的對比描繪形影相吊的人物，以表現心理上深層次的孤寂。

霍普的《夜游者》靈感

愛德華·霍普曾說《夜游者》的靈感來自于“紐約格林威治大道一家街角上的餐廳”，但精心安排的構圖和缺乏敘事性的特點賦予這幅畫一種超越特定地點的、永恒的、普遍的品質。畫中描繪了一個通宵的餐館，里面坐著三位各懷心事的顧客。一個男人形影相吊，背對著觀眾。他右邊的柜臺上有一只空杯，暗示這個座位是剛剛空出的。在柜臺的另一邊坐著一個男人和一個女人。他們沒有相互對視，但他們的手幾乎觸碰到了對方。畫中的第四個人物是餐廳的侍者，他的嘴微張，似乎正在發問，霍普筆下的人物總是避免眼神交流，他們之間的相互關系也很曖昧。他們永遠相隔而坐，表現出一種純粹美國式的孤獨。

熒光燈在20世紀40年代早期才剛剛開始被使用。畫中的餐廳散發出一種詭異的光芒，如同一座夜晚的燈塔。霍普沒有在場景中設置任何明顯的入口，而觀眾一方面被畫中的光線所吸引，一方面則被無縫的玻璃窗隔離在場景之外。

霍普把畫中的元素縮減到最基本的層面；即使是在餐館外面，城市街道上通常的景物——行人、汽車、垃圾都一概不見蹤影。霍普否認他刻意用這幅畫來象征人的孤立與都市生活的空虛，但他承認，在《夜游者》中他“可能不知不覺地描繪出了一座大城市的孤獨”。

1942年5月13日，愛德華·霍普給芝加哥藝術博物館的館長丹尼爾·卡頓·里奇寫信說：“得知您喜歡我的《夜游者》，并為博物館購買這幅畫，我感到非常榮幸。我深信這是我畫過的最好的畫之一。在上個冬天，我似乎能夠比過去更好地在畫作中表達我的所思所想了。”霍普不是唯一一個意識到這點的人：《夜游者》也是20世紀認知度最高、最受人們喜愛的畫作之一。