“何為主流？”2019惠特尼雙年展中的攝影作品解析

摘要：2019惠特尼雙年展中的攝影和影像作品引發了人們對于歸屬感以及美國社會人群的政治屬性等問題的思考。這場展覽中的作品指涉了社會如何作為紐帶將人群聯結。當“家庭”“族群”“藝術界”等不同屬性問題同時在展覽中出現時，作品之間的聯結引發了人們對藝術及社會的思考。

關鍵詞：惠特尼雙年展 當代藝術 攝影 耶魯攝影

位于紐約的惠特尼美術館一直是美國最為重要的藝術機構之一。簡單來說，如果想要知道美國藝術的發展脈絡，這里就是很好的選擇。而每兩年舉辦一次的惠特尼雙年展，從1973年誕生的那一天開始，就被烙上了強烈的美國印記。惠特尼雙年展的政治意向十分明顯：宣揚美國的價值觀，提升美國年輕藝術家的國際地位。迄今為止，它已經成功地幫助杰克遜·波洛克、杰夫·昆斯、喬治亞·歐姬芙等一大批美國藝術家獲得了全球的知名度和市場地位。

本屆未命名的雙年展由簡·帕內塔（Jane Panetta）和魯伊柯·霍克利（Rujeko Hockley）擔任策展人，訪問了300余位藝術家，25個城市，共耗時14周，最終選取了75位藝術家和藝術團體的作品，涵蓋繪畫、雕塑、裝置、電影、攝影、音樂、表演等多種類別。媒材、專業和年齡跨度極大，僅有5位藝術家曾經參加過惠特尼雙年展，九成以上藝術家都是第一次參與；而整體藝術家中有超過75%為40歲以下藝術家，相當年輕。本次惠特尼雙年展可謂自創立以來最為“溫和”的一屆。它在觀眾體驗上考慮周到，對當下新藝術的境況充滿信心，并且令人愉悅。“盡管展出的大量作品包含對社會政治的擔憂，但最終的累積效應是開放且充滿希望的。”兩位策展人在雙年展導語中如此總結。

展覽里的攝影和影像作品引發了人們對于歸屬感以及美國社會人群的政治屬性等問題的思考。這場展覽中的作品指涉了社會如何作為紐帶將人群聯結，當“家庭”“族群”“藝術界”等不同屬性匯聚在展覽中時，作品之間的對話建立起了新的聯結。總體而言，這場展覽還是向觀眾展示了融合與機遇多元共存的后現代社會是一個不同價值取向博弈的生態場，藝術家除了對不同價值觀的呈現和質疑之外，作品釋放的信息能否產生正面的社會文化效應尤其重要。

就本屆雙年展上的攝影作品而言，很多作品從側面反映出策展人希望通過展覽傳遞出懺悔、穩定與包容的態度。可以這樣說，參展的藝術家幾乎來自歷史上所有能想到的邊緣化群體，而聯合策展人魯伊柯·霍克利應該是自2000年瓦萊麗·卡塞爾·奧利弗（Valerie Cassel Oliver）聯合組織該展覽以來的首位黑人策展人。

雖然這些攝影作品是由“少數族裔”以及所謂的“邊緣群體”創作的，但并不是“局外人”的作品。事實上，近年來，其中一些作品在“主流”藝術界很受追捧。許多攝影藝術家出版了廣受好評的專題影選或在MoMA（Museum of Modern Art，是一所在紐約市的曼哈頓中城的博物館，也是世界上最杰出的現代藝術收藏地之一）之前的“新攝影”三年展中出現過。他們是各類獎項的獲得者，為雜志做過拍攝，其作品也被各大博物館收藏。很多藝術工作者從他們的創作中受到啟發，甚至效仿其風格。

在這份藝術家名單中，我們可以看到有很多位攝影藝術家都接受過耶魯大學研究生（MFA）攝影項目的學習。比如艾倫·皮瑞茲（Elle Pérez）、約翰·艾德芒德（John Edmonds）以及卡倫·海特伯德（Curran Hatleberg）等。

艾倫·皮瑞茲出生于紐約的布朗克斯區，2017年畢業于耶魯攝影系。在她的照片中展示了如何推進身體的體驗，主題包括改變自己，改變自己的身體，創造快樂、痛苦、交流和自我認知。一個人滿懷欲望地盯著鏡頭，揮舞著肌肉發達的手臂；一位剛完成臉部手術的女性，她眼睛的瘀傷如花綻放；“DYKE”的文身，在肌膚的血液中顯現；一只手拿著一瓶激素在發光……通過調用擺弄、懷舊、愛欲、痛苦和美麗，這些圖像證明了改變和不可改變之間轉換的豐富性。她認為她的照片“既不是對現實的反映，也不是對人格的印記”，而是研究為人類自己創造新的現實的過程。攝影也是如此，即不是對世界的復制，而是一種改變。

而在黑人藝術家約翰·艾德芒德的作品中可以看到親密和欲望美學的可能性。黑人的共性和自我意識成為他作品的核心。回顧他的早期作品，艾德芒德精心編排了他的主題和場景，參與和挑戰藝術歷史上的經典肖像。他使用4×5大畫幅相機和哈蘇中畫幅相機，更好地幫助圖像和細節的呈現。高分辨率和細致的組合刻畫了攝影和“黑色”之間的細膩關系。引用哈萊姆文藝復興肖像的遺產，結合來自非洲的物品（一些來自傳統背景或者用于裝飾目的），艾德芒德將有色人種重新定位為自我的個體，這與20世紀20年代和30年代現代主義攝影中流行的敘事手法是相反的。他經常將黑人客體化，通過光線和構圖細致的安排，強調了黑人皮膚的光澤，突出了顴骨的邊緣，以及畫面中一些木制品的光澤。艾德芒德通過拍攝肖像，審視并慶祝了黑人的身份和喜歡表現的文化。

卡倫·海特伯德的照片是他在美國各地旅行的產物。憑借直覺，他記錄了他對美國地貌、城鎮和美國人的觀察，同時融合了記錄攝影和肖像的傳統。在每一個新地方，他會花時間去了解當地人，短則數日，長則好幾個月。肖像從這些關系中產生，拍攝對象積極地參與他的創作。在照片里，他構造了在現實生活中無法解釋的細節，使得看似日常的場景呈現出超現實的氛圍。海特伯德的照片雖然被認為是非常美國的，但同時他對確切的設置或敘述存在著一種夢幻般的模糊性使得觀者無法隨意假設，從而對拍攝主體的想象保持開放態度。藝術家的目的是利用攝影來破除偏見，并在差異化和距離感中尋求理解。

而相較于耶魯所代表的美國東海岸攝影藝術教育，同樣有多位藝術家有著位于西海岸加州藝術院校的教育背景。比如保羅·帕吉·蘇普亞（Paul Mpagi Sepuya）就剛剛畢業于加州大學洛杉磯分校（UCLA）攝影系，而另一位年長一些的藝術家托蒂·蓋里（Todd Gray）則在20世紀80年代末90年代初在加州藝術學院（CalArts）攝影系進行學習。

自21世紀初以來，保羅·帕吉·蘇普亞圍繞著藝術家和相機以及形象之間的關系進行創作。他的工作室空間在創作中發揮著重要作用，三腳架、鏡子和相機本身成為作品的一部分。為了創作，蘇普亞進一步擴展了他的項目，通過邀請朋友、愛人和其他藝術家到他的家或工作室與他一起拍攝，以此挑戰傳統中關于創作者的概念。由此創作出有關藝術交流和身體親密接觸的作品。他拍攝自己工作室的照片，讓人感到特別溫柔和親密。在許多作品中，身體是部分呈現的，碎片式地反映在鏡子中或被其他形式遮擋，觀眾可以想象那些缺少的東西，進一步與觀眾進行了交互創造性的交流。

托蒂·蓋里的作品來自他在過去四十五年積累的照片檔案。從好萊塢到加納（他在那里設有工作室），這些圖像被藝術家選中以探索黑人的邊緣身份和歷史剝削語境之間復雜的關系。對于2013年開始的正在進行的《可怕的精致》系列，蓋里將照片拼貼分層排列，創造出碎片化的構圖。蓋里用于拼貼畫的許多個人照片都是按照他自己的創作意愿拍攝的，其他的一些照片則是受人委托，包括許多他在20世紀70年代和80年代初期作為邁克爾·杰克遜的私人攝影師所拍攝的。杰克遜對蓋里而言并不是一個名人或具有爭議的重要人物，但作為一種全球現象，他的傳奇地位有助于蓋里在工作中構建并探討復雜的問題。

總的來說，2019年惠特尼雙年展的攝影作品讓筆者有機會直面美國社會對于種族平等等問題的空前重視。或許，隨著歷史上被邊緣化的人成為新的主流，虛擬社區之外的生活將變得更加困難或不那么可取。

參考文獻：

[1]張子康，羅怡.美術館[M].北京：中國青年出版社，2009.

[2][美]史蒂芬·康恩.博物館與美國的智識生活，1876—1926[M].上海：上海三聯書店，2012.

（作者簡介：鄧德寬，男，碩士研究生，山東工藝美術學院，助教，研究方向：實驗藝術）（責任編輯 劉冬楊）