關于描繪音樂中的色彩表現的探究
——以弦樂四重奏為例

◎任書葦 （成都師范學院）

弦樂四重奏是既有著形象化又具有表現力的音樂語言之一，弦樂四重奏中每個組員之間的默契其實就是一種親切的交流與對話，不僅可以提升重奏組中每一個成員的演奏能力，而且還能培養團隊合作的意識、增強組員之間的默契度。把弦樂四重奏中如何描繪音樂色彩弄清楚搞明白，重奏藝術才能更好地普及與發展，才能有更多觀眾的土壤。萊比錫門德爾松音樂學院的教授大提琴家馬蒂亞斯·克萊克，也是一直堅持不懈地研究弦樂四重奏中聲音的奧秘，同時試圖揭秘萊比錫之聲到底是如何煉成的。他把這種美譽歸結于薩克森運動方法，并且對這種演奏的方法進行了更進一步的研究與探索。因此，弦樂四重奏中如何描繪音樂色彩的研究將為有志于在室內樂方面發展的學生以及愛樂者提供強有力的理論基礎。

一、音樂與顏色的關系

音色與顏色，兩者之間存在著自然的關聯。站在物理學的角度來看，其實它們都是一種波動，只是它們的頻率范圍和性質截然不同罷了。有大量的音樂家把音樂與顏色相互比較，然后再把它們聯系起來。1876年，當時有名的音樂家波薩科特提出了一個觀點，也得到了不少音樂家們的認可，他這樣歸納道：弦樂、人聲，代表黑色。銅管、鼓，代表紅色。木管，代表藍色。而著名的音樂家福萊提出的想法是：長笛，代表藍色。單簧管，代表玫瑰色。銅管，代表紅色。這種觀點得到了更多人的推崇。例如，在鑒賞《貝多芬第六交響曲》第二樂章時，我們可以想象一下，當明亮的長笛聲部吹奏出了象征著藍色天空的旋律，而在單簧管的獨奏部分中，它那干凈而溫暖的音色里，仿佛顯現出了玫瑰花一樣的動人色彩。而作為銅管的音色，我們把它與紅色聯系起來，應該還是很恰當的。單簧管的音色雄壯、熱烈、振奮人心。

這種顏色與音色的想象，是人們在藝術賞鑒過程中慢慢獲得而來的。但是，這不是唯一的，更不是一概而論、絕對的。因為以前也有不少研究過音樂與色彩的人士，曾說過這種想象大多都是隨意的。著名法國作曲家艾克托爾·路易·柏遼茲的《樂器法》中記載，要給旋律走向、節奏、節拍、速度、和聲進行配上各種各樣的顏色，從而使它們形象化、色彩化。柏遼茲和威爾海姆·理查德·瓦格納、阿希爾·克勞德·德彪西等人，被人們認為是一些色彩感覺極強的著名作曲家。

顏色與音色之間的聯系與想象，發生于生活實踐活動和藝術實踐活動之中。有了這些聯系和想象，我們就可以在音樂創作和賞鑒過程當中，得到更加多彩多姿的、更加形象的藝術感染力。

二、弦樂四重奏中描繪音樂色彩的技術要素分析

弦樂四重奏是目前最受歡迎的一種室內樂類型，它是由四把西洋樂弦樂器組合構成的。其包含兩把小提琴，一把中提琴以及一把大提琴。由于弦樂四重奏在音色上十分相近，并且在結構上相對嚴謹，所以對于弦樂演奏者來講都是非常嚴苛的考驗，而通過高超的演奏技巧和完美的默契配合，更是能深刻地表現出音樂本身的內在涵義。這種音樂內涵的完美呈現與演奏家穩定而牢固的演奏技巧是必不可分的。弦樂四重奏中描繪音樂色彩的技術要素主要包括速度、節奏、音的強弱、音色等。

例如，演奏的速度，它不僅會影響整體音樂的風格而且還會制約音樂的形象。總的來講，一般表現為快樂、緊張、興奮、跳躍等情緒特征，總是伴隨著輕快的速度。緩慢的速度一般表現為安寧、平靜、祥和、憂郁等情緒特征。而情緒特征是一種伴隨著感覺而產生的情感，它一開始而且始終是跟需要、機體活動感知覺相關聯的，情緒特征往往具有情境性和表淺性的特點，具有一定的外顯和沖動性的展現。例如，在俄國作曲家里姆斯基·科薩科夫創作的《野蜂飛舞》中，作品大量運用了明快的音符，復雜的節奏組合和忽強忽弱的節拍律動等一系列演奏的形式來生動描繪出野蜂舞動的樣子和熱鬧場景，非常震撼。

其次如節奏，它是指一定單位的量在運動過程中、在空間上等距離的重復出現，能夠讓人的音樂想象空間意識有序化和組織化。節奏的發生不是人為刻意地產生，它存在于生命運動循環之中，同時也存在于大自然當中。通常人們在音樂中了解它，音樂的節奏與大自然息息相關，與不斷運動著的生命相互聯系，與人類的情感變化、波動相互呼應。在音樂的世界里，節奏給了它鮮活而富有個性的特征，從而使音樂的整體形象得到更好地塑造。例如，塔吉克斯坦具有代表性歌舞的基本節奏類型有5/8拍和7/8拍，5/8拍是由單拍子2/8拍和3/8拍構成，7/8拍是由單拍子3/8拍和復拍子4/8拍組成。單拍子給人以開朗、明快之感，復拍子給人以沉穩、有力之感。而圓舞曲的基本節奏類型為3/4拍，能夠帶給人一種輕快的節奏律動感的體驗。節奏與節拍的相互交融、滲透促進了音樂的動力發展和感情色彩的千變萬化。而所謂的“動力發展”，是指事物因素及結構呈現出的運動或運動趨勢及特點，也有的稱之為運動。它往往由整體中某些因素的強烈傾向、矛盾或相互吸引的關系而造成的。

再次如音的強弱，在音樂作品中，主要是指音的力度變化，聲音就越強，所要表達的旋律力度越大，由此產生的緊張的氣氛就會越濃；反之所要表達的旋律力度越小，聲音就越弱，所產生的緊張的氣氛就會越淡。通常情況下，旋律在上行運動趨勢中，力度會有所增加，聲音也會有所增強；旋律在下行運動趨勢中，力度卻會有所減輕，聲音也會有所減弱。例如，我國作曲家陳鋼的作品小提琴獨奏曲——《陽光照耀著塔什庫爾干》，很好地運用了小提琴演奏的流暢感加上音階上行下行的強弱變化，在篇幅短小精煉的華彩段落充分表現出了塔吉克民族的性格特點和濃郁的風土人情。

最后是音色，它在音樂的表達上主要是一種表達工具所描繪的聲音色彩與另外一種表達工具的特征的區別（就像樂器與人聲的差別），因為音色的差異，從而使樂器和人聲呈現出不一樣的色彩和震撼人心的獨特的表現力。比如，法國作曲家夏爾·卡米爾·圣桑的作品《動物狂歡節》。它描繪了許許多多可愛的動物，主要有兔子、公雞、母雞、大象、天鵝、杜鵑等。

在這個作品中，最具影響力的是《天鵝之死》的樂段，這個樂段不是單純的使用某一種樂器就能很好地描繪出天鵝在湖邊自由嬉戲的場景。作者在這個樂段中，先是創作了一段優美動聽的旋律，我們的眼前瞬間浮現出天鵝嬉戲玩耍的熱鬧場面。旋律過后，加上了弦樂與鋼琴的合奏，就像是給剛畫上的邊角輪廓增添色彩一樣，這樣就完美地呈現出一幅天鵝湖邊嬉水的畫面。

三、在不同音樂時期弦樂四重奏作品的色彩表現方式

（一）古典音樂時期

無論是技術嫻熟、配合默契的重奏組抑或是初出茅廬、技巧相對稚嫩的重奏組，在練習一個全新的弦樂四重奏的作品時，首先一定要了解這部作品的創作背景、風格特征等，做到盡可能全面地知曉作曲家所生活的時代背景、社會生活、人文生活等等。其次，重奏組的每一位成員都需要對重奏作品有一個整體的認識，當然也需要了解每一個聲部的旋律走向、力度記號、表情記號以及音樂術語。所以，重奏組的成員們一起熟讀總譜成為十分重要的環節，只有這樣才能在理論的基礎上對重奏作品有一個比較宏觀的正確的理解。最后就是在實際的演奏練習當中，重奏組的演奏員們應該清楚地認識到整部作品的旋律主題的發展變化，各聲部間的演奏技法以及所表現出的音樂色彩的相互聯系。由此不難看出，要想完美地演奏重奏作品，需要充分發揮重奏組成員們的自主能動性和創新性，努力集中自己的想象力、智力、感知力等，因為四個不同的聲部想要完美結合在一起，這真的是一個艱辛而復雜的過程。

比如，弗朗茨·約瑟夫·海頓，維也納古典樂派奠基人，一生中大約創作了80多首弦樂四重奏作品，其中尤以中期和晚期的作品最為后世傳頌。比如，在海頓創作的弦樂四重奏作品op.20當中，他大量運用了復調音樂創作技法中的對位法，將主旋律線條與復調織體融合在一起，即“賦格”。這樣的創作讓參與演奏的四個聲部的四種樂器有了很大的表現力，使得曲式結構、音樂色彩、音響效果更加妙趣橫生。而在譜例中，海頓還運用了橫向與縱向相結合的五度運動，重屬九和弦鑲嵌進第一小節的和聲之中，在第二小節的第一個和弦使用屬和弦，隨后和弦性質發生改變而轉為減和弦，和聲變化明顯從而使音樂色彩呈現漸變的效果。

譜例

奧地利作曲家沃爾夫岡·阿瑪多伊斯·莫扎特，在其弦樂四重奏KV589中，和聲結構和調式調性上有了更加個性化與自由化的轉變，莫扎特繼承和發展了海頓的復調音樂的使用。在該作品第一樂章的主題動機展開部分中釆用了復調音樂中的對位的作曲技法，先通過大提琴聲部演奏出旋律主題部分開始的旋律，隨后小提琴聲部和大提琴聲部一唱一和，主題旋律在兩個聲部之間和諧、自然地交替流動。在這之后，中提琴聲部緊跟著演奏出旋律主題，隨著和聲結構的變化，各聲部的音樂色彩出現了明顯的不同。

（二）浪漫主義音樂時期

浪漫主義音樂時期的弦樂四重奏作品的旋律具有明顯強烈起伏的音樂色彩變化。德國作曲家約翰內斯·勃拉姆斯的作品音樂旋律優美動聽，和聲織體豐富，技巧高超，特別注重個人情感的詮釋。在作品《a小調弦樂四重奏》中，作曲家譜寫出變化多樣的演奏以及和聲技法，個人情感得到淋漓盡致的表達，音樂旋律更是流暢悠揚。正如雕塑家、畫家、音樂家列奧納多·迪·皮耶羅·達·芬奇曾經說過：“如果沒有勃拉姆斯的這些作品，那么，在19世紀后半期，符合貝多芬的嚴格標準的室內音樂就將蕩然無存。”由此不難看出，在當時的那個音樂時期，勃拉姆斯有著舉足輕重的地位和影響力。在這部作品里，作曲家更加注重中提琴聲部在整個音樂色彩搭配上的運用，充分展現出了中提琴所獨有的音響效果，達到低音區與中音區的完美結合。

結 語

本文介紹了音樂與顏色的關系、弦樂四重奏中描繪音樂色彩的技術要素分析以及在不同音樂時期弦樂四重奏作品的色彩表現方式，弦樂四重奏宛若四個形影不離的好朋友，你中有我，我中有你，它們組合成音樂中最基本的四個聲部，要做到相融相生，需要極其嚴謹的配合與極強的默契度，才能演奏出令人動容的旋律。希望通過一些研究和實踐，能夠為祖國高雅藝術的發展作出貢獻。