淺談丹納“藝術批評的三種尺度”在創作中的應用

摘要：丹納在《藝術哲學》第五編《藝術中的理想》中提出了藝術批評的三種尺度，分別是特征重要的程度、特征有益的程度以及效果集中的程度。其中“特征的重要程度和有益程度”為我們指明了何為重要的特征，這是為創作者指明方向，而“效果的集中程度”則是為創作者提出找到這個方向的原素以及優秀的藝術典型。這三種尺度闡述了藝術家應該如何將他的理想運用到創作當中，按照自己的觀念最終將實物轉變為精美的藝術品的過程。本文結合筆者自身的創作經歷，談一下這三種尺度在創作中的應用。

關鍵詞：重要特征;有益程度;效果集中

正文：

丹納在《藝術哲學》的第一章《藝術品的本質》中對藝術品下過一個定義：“藝術品的目的是表現其基本的或顯著的特征”。藝術家往往以自我的觀念為基礎，將所觀察和要表現的事物進行主觀的改造，再將其表現出來，事物不再是具體、客觀的事物，而是經過藝術家思維的改造，也就是“理想”的;若要使事物成為理想的，藝術家便要發揮自己的特長——辨別和升華出事物的主要特征，將這主要的特征遴選出來進行更為理性和主觀的表現，促使特征居于主要地位，這就是特征的重要程度。一個非常經典的系列問題，藝術家灌輸在作品中的觀念有沒有高級低級之分呢？能不能指出一個特征比別的特征更有價值呢？是不是每樣東西都有一個理想的形式，其余的形式都是歪曲的或者錯誤的呢？能不能發現一個原則給不同的藝術品規定等級呢？其實可以很明確的解答這個問題，例如倫勃朗·凡·萊因的《以馬忤斯的晚餐》和保羅·委羅內塞的《伽拿的婚宴》，這兩幅油畫作品，都是以耶穌為題材的作品，倫勃朗的這幅畫中耶穌是窮人的耶穌，在一個昏暗破舊的小飯店里，耶穌在和窮人對話，這里的耶穌是圍繞著下層人民展開的。而委羅內塞的畫中，富麗堂皇的建筑，歡快娛樂的氛圍，一看就是富人的聚會，是上層人民的耶穌。這兩幅作品同時都是描繪的有關耶穌的場景，那么哪一副是好的呢？由此可見，貧窮，愁苦，微光閃爍的陰暗的氣氛，固然產生了杰作，但富庶，快樂，白晝的暖和愉快的陽光，也可產生同樣的杰作。再如米開朗基羅、達芬奇、柯勒喬所畫的《麗達與天鵝》，同樣的題材三位大師不同時期不同創作，你又能說出哪一個更好呢？所以，快樂與悲哀，健全的理性與神秘的幻想，活躍的精力或細膩的感覺，心情騷動時的高瞻遠矚，肉體暢快時的盡情流露，一切對待人生的重要觀點都有價值。

有關特征重要的程度，比如以人為例，最表面的就是在我們身上持續三四年的一些生活習慣和思想感情，這些是比較短暫的，再往里就是持續20年、30年、40年、大概半個歷史時期的事物，像是一代人在當時的社會情況下受到的影響，下一代人就不會受到這種影響了。再往里的影響就可以存在一個完全的歷史時期了，比如文藝復興時期、古典時代等。由此可見，歷史挖掉第幾層所費的時間，即指出那一層的深度，也說明那一層的重要程度。在創作時也一樣，要找到“最里層”的那個特征，簡單來說，這是一種特征本身與其他的特征力量間的博弈，哪一個更接近事物的本質，越趨于穩定、長久，哪一個特征就占主導，就更重要。

第二種尺度丹納將其定義為：“特征位置的高低取決于不受外界影響的時候，是否具備這些特征的個體或集體趨于消滅或發展，而特征本身也趨于消滅或發展，并且要看消滅或發展的程度如何”。這就是是特征其自身是否有益于其發展的一種力量—特征的有益程度。比如“愛”，在個人有益于別人時，有益于團體，社會時，愛是最有益的特征。又比如在表現人體的藝術當中，提到有益的特征，毫無疑問一定是健康。特征的重要程度與否，決定了它是否是穩定的，根本的和長久的，而特征的有益的程度，決定了它是否對表現自身的特征有幫助，可以助其特征的表現更直接，更突出。

第三種效果集中的程度，比如在創作時，我們觀察一件物品，表面的質感就會讓人產生不同的創作手法，在繪畫青花瓷（圖一）和陶制品（圖二）時的表現技法就會不同。會觀察到物體最明顯的特點，抓住其與眾不同的特征將其表現出來。有時這些特征可能會放大、夸張，以更好地表達繪畫者內心的想法。在畫風景寫生的時，會主動地在畫面中移動樹木;茂密的樹葉，挺拔的樹干，蜿蜒曲折的樹枝，需要天空的地方，可能樹葉太過茂密了，我們需要挪動，甚至是刪減，這里的樹干需要換一種造型，將另外一棵樹挪到畫面中的另一個地方，一切的景物都在觀者心里，而外界只是成為了一種參照，藝術家一切觀察到的特征，更顯著的表現在了他的畫面中。效果就越集中，特征占支配地位越高，藝術作品越能打動人心，藝術品的價值就越高。“作品的各個部分通力合作，表現特征。不能有一個原素不起作用，也不能用錯力量，使一個原素轉移人的注意力到旁的方面去”。要使一件藝術作品，無論是何種表現形式，能夠將特征在其藝術作品中占支配一切的地位，將特征表現的淋漓盡致，發揮在該藝術作品中的最大價值，那么所有的效果都應當集中，集中程度的強弱決定其價值的高低，使效果集中的關鍵稱之為原素。我認為，為了表現特征，藝術家竭盡所能，利用其獨特和敏銳的觀察力，感受力，捕捉，并放大某一他所觀察到的事物的特性，將其概括，總結，表現出來，這就是藝術家在創作時的本能狀態。從上面的分析中可以看到，“原素”是使效果能夠集中的核心，但是在具體分析“原素”前，還有一個非常重要的詞匯需要再次提到，那就是“特征”一詞，而作為藝術家，會把這些特征放大，比實物所呈現出的更加明白，清晰，甚至是夸張變形。我們經常能看到一些藝術作品的夸張成分。弗洛伊德的《沉睡的救濟金管理員》，從畫中可以看到弗洛伊德故意把女性的肥胖夸張化，這里藝術家所描繪的不再是直觀的形體，而是其觀念，這種觀念是主導他繪畫的核心力量，他會圍繞這個觀念，改造所描繪的客觀物體，而經過改造，描繪出的形象也就與其觀念相符合了，這也就是“理想中的了”，而藝術品必定是經由創作者主觀的意識而改造，這不僅僅是大腦“理想的”因素，還有其繪畫的習慣、方式，理解事物的觀念、方法等等。

丹納在《藝術哲學》中所論述的衡量藝術品價值的標準，目的是為了表現所描繪事物的穩定的，基本的，核心的特征，而“特征的重要程度和有益程度”為創作者指明方向，而“效果的集中程度”則是為創作者提出找到這個方向的原素。這三個方面的通力合作，應用到我們的創作中，就會產生出美妙的火花。

作者簡介：張子洋（1995-），女，聊城大學美術學院美術學專業研究生。

（作者單位：聊城大學）