舞蹈“限制”技法

侯倩

【摘 要】自古以來，藝術天才一直都是“戴著鐐銬跳舞的人”，“放浪”只能是庸人的演練場，“限制”，才是天才的磨刀石，是創作最大的“自由”。本文以舞蹈中“限制”技法為切入點，分析“限制”在舞蹈創作中的呈現方式有哪些，探究“限制”帶給編創人員的是“難題”還是“突破”，戴著鐐銬為何還能舞出自由。

【關鍵詞】編舞技法;限制;編創;自由

中圖分類號：J7?文獻標志碼：A? ? ? ? ? ? ? 文章編號：1007-0125（2020）25-0110-02

一、“限制”的解讀

“限制”的定義，最為簡單的理解就是用于一定范圍、數量的“限制”，不允許超出這個限定范圍，可稱為范圍約束，也可引申為明確堅守。舞蹈編創里的“限制”技法在創作層面上都可體現，既可以對舞蹈題材、主題、空間范圍、舞蹈語言、音樂風格進行限制，也可以對具體的動作幅度、路線調度、空間上的點線面進行限制。

“限制”手法在音樂、繪畫、電影上都有作為。如電影《布達佩斯大飯店》，該影片導演個人特色極其鮮明，也正是因為其有著獨特的構圖風格和偏愛飽和色彩的限制，以及運用了傳統電影所禁止的非常規拍攝手段，才有了他獨有的“影片風格”和“導演個性”，從此得以喚醒沉睡不醒的電影藝術界。這恰恰也反映在舞蹈編創上，如果所有的編創者都趨向大流在固有認知的創作上“沉迷不拔”，沒有“排他”和“叛我”的信念，致使作品千篇一律，舞蹈事業也不會蓬勃發展。正如著名編導張繼鋼說的“沒有限制就沒有獨特，沒有獨特就沒有風格，沒有風格就沒有經典。”所以，“限制”才是天才的磨刀石。

二、“限制”在舞蹈創作中的主要呈現方式

（一）定點空間“限制”

編舞技法“限制”對于空間限制的“空間”概念擬定在點、線、面上，即在被動限制的空間下進行主動限制，呈現方式為舞蹈空間點、線、面的變化，即舞蹈調度，最通俗的理解就是舞臺上編導能玩出什么隊形花樣。對于點、線、面來說本身并不存在某種情感的因素，它是隨著人的視覺習慣、主觀精神以及心理變化而得到不同的理解和感受的。將不同的情感融入到舞蹈作品中，使得流動的圖形有了情感色彩的意味，富有生命力。這就是內容與形式的統一，形式上的美感充當媒介，賦予內容以生命，以此外化成作品的情感表達。

點線面之間可彼此獨立，也可相互轉化。通過舞蹈語匯的高中低空變化、節奏拆分與快慢對比、順勢的流動來進行點線面的相互轉化，轉化的過程就是在有限的空間里表達創作者無限的創意。值得注意的是，現在有許多編導在實際編創過程中存在為了變化就去調度的通病，沒有起承轉合，拿來就用，想變就變，易導致作品的形式主義，要避免形式主義，關鍵在于是否能守住“一個點”“一條線”“一個面”，點線面之間是否能融會貫通，只有把握作品本身的情感方向來貼合主題，才會出現有效又出其不意的調度。

（二）動作“限制”

從觀眾的視角來看，他們會在動態的畫面進行選擇，會從整個畫面中進行取舍，審美的焦點難以產生。如何能使觀眾直觀感受到編導想要展現的畫面呢？就編舞技法“限制”而言，編導往往更容易回到原點，這個原點就是動作本體，回到動作本體的表現手段恰恰迎合了觀眾的聚焦點，也可以讓觀眾細致品味這個“點”;“肢體”既然作為舞蹈最根本的媒介展現，那“肢體”的表達又該怎樣達到肢體本身的極限呢？它可能是肢體的某一個部分，比如手、腳，也可能是頭，或許是身體的各個關節，甚至是某個眼神;動作是否可以重復利用，在不同語境限制下重復利用的動作元素又表達著怎樣的情感？這一系列的思考，值得我們去摸索和挖掘，這也恰恰要求編導必須在約束的條件下進行動作創新，打破常規的視覺感受，把關注點落到身體細枝末節的開發上來，主動設定“限制”這個看似阻礙實則推動創新的“絆腳石”，正因為有了相對的制約，舞蹈的本體，才可能在舞臺上站住腳。

（三）流動中的“限制”

“流動”中的限制，也是對點、線、面的另一種表達途徑，其呈現方式就是改變原有的調度，既在有限空間的范圍內，也在點線面相互轉化中進行隊形或者動作的限制，是對空間和調度進行“雙重約束”。如果說在創作中運用調度形成了有情感意味的各類圖形，那流動中的“限制”即是對原構圖中畫面的重構。流動中“限制”本身是編導主動設定的約束條件，也是相對的，可以通過各種創作手法來表現，并非完全禁錮。

三、帶著“限制”，舞出自由

戴著鐐銬的自由，是枷鎖還是自由，定會有人不解，明明都有了特定的限制，為什么還會有自由。限制看似是一種“枷鎖”，給編導套上“鐐銬”，束縛其創作過程。但是對于藝術創作來講，限制應是一種猶如火山噴發的力量，能夠給人自覺、清醒以及主動尋求的力量。

（一）限制——身體極致開發的自由

就筆者而言，在編創作品時，總想用盡畢生所學把所知隊形、調度流動和復雜變化的技法進行雜糅，都派上用場之后才能呈現一個完整的作品，仿佛只有用不斷飛舞的點、線、面鋪滿空間，作品才會有震撼的效果，未曾思考過限制其空間流動以及動作的變化，總認為一個隊形一串動作后也該到變化的時候了，如果單一隊形停留時間過長，編導的大腦就會出現交待過多、情節繁瑣冗長，顯得拖沓的信號，也會可惜許多技法未曾運用到編創中。這是大部分編導的通病，“一言不合”就急于變化，認為“限制”會妨礙自己展現編創的多樣性，限制自己的思維和動作。這也反映了編導的視線一直關注的是一個作品運用的種種技法，以及五花八門的路線調度，忽視了對作為母體“身體”的開發。

舞蹈是肢體的藝術，肢體作為舞蹈本身的載體，對其關注是重中之重的事情，關于身體的利用，“限制”帶給編導的并不是“枷鎖”，而是自由和無限開發，通過限制可以將身體的上肢下肢分解甚至落實到某一關節節點，挖掘肢體動作的更多可能性，將身體開發到極致，使編導掙脫束縛從而獲得無限的自由。在編創過程中即便受到一定條件的“限制”，也不一定阻礙舞蹈表演，反而會讓人心無旁騖，把想要表達突出的點無限放大，提高表演質量，凸顯情感的表達。