色彩的解放
——印象派繪畫將色彩從形體中解放出來

（安徽當涂文化局,安徽馬鞍山 243100）

大家可能在看完摘要內容之后非常想了解的一個問題就是，幾百年前一直被認為附庸于形體的色彩是怎么從古典繪畫中脫離出來的呢？接下來就讓我來帶領大家去直接進入這個問題的探討，其中起著非常重要作用的繪畫派別就是印象派和初期的抽象派的西方美學，其起到的作用就是直接讓色彩從形體中脫離出來。古典的藝術在形體和色彩方面的側重點是形體，色彩被認為只是屬于形體的一種附屬形式，色彩并沒有被賦予太多的意義，例如：在稱為文藝復興三杰之一的米開朗琪羅篇幅非常之長的作品中，他所繪畫的人物并不具備任何的色彩氣息，其繪畫中的色彩都被米開朗琪羅通過細密的調和進而近乎完美地融合到形體當中去了。

最終使得西方古典美學得到終結的印象派，其作為西方藝術的白話文運動，其使得那晦澀難懂，表達意思過于婉轉的文言文式的美學得到埋汰，印象派作為文言文美學的終結者的同時也擔任著西方美術通往現(xiàn)如今美術時代的出發(fā)點的角色。莫奈作為印象派的代表畫家其在繪畫的生涯當中對于造型一向都不是很上心，莫奈也是首個將光與色彩表達在畫布上的畫家，其系列代表作中的《睡蓮》就是一個很典型的例子，他所創(chuàng)造的這系列作品的造型一向都是比較潦草的，但其色彩卻讓人看的感到非常愉悅，脫離了形體的色彩將莫奈想要表達的情緒表達得淋漓盡致，那不同顏色之間的切換讓人們感受到作品主人心中的真實情緒，作者那喜，怒，恐懼，悲傷等情緒在那色彩的轉變之中表現(xiàn)得淋漓盡致。這也是色彩第一次在畫布上呈現(xiàn)出來，其已不再被形體所束縛，當光與色彩作為畫畫的唯一體現(xiàn)的時候，此時的色彩就像是被賦予了新的生命，即便此時的色彩不再作為形體的附屬成分出現(xiàn)在畫布上，色彩自身仍然具有其自身的意義，色彩作為整張畫布的靈魂般的存在，繪畫者想要表達的客觀的事物和情緒在色彩中得到了充分的表達。塞尚，被后世稱為“現(xiàn)代藝術之父”，塞尚對于印象派與立體主義畫派來說是起著非常重要的作用的，《玩紙牌者》，是塞尚的代表作之一，這幅畫中的所能看到的所有東西都是用一片又一片的色彩組成的。塞尚主創(chuàng)用“色彩效果”去替代“造型”，簡單來說就是：塞尚想通過不同色域中顏色的有規(guī)律性的變換去增強形體的塑造。塞尚通過這種方式獲得了屬于他自己的成功，其原因在于：農民在生活中的態(tài)度通過這樣一種坦誠爽快的方式表達了，并且還是通過色彩去表達的。因為色彩本身特殊性，使得其無視事物的形狀，無論是紅色三角形，還是紅色五角星，其顏色都是紅色，色彩本身就是一種很好的情緒表達物。色彩能在后期繪畫工藝以及誕生于工業(yè)革命后的設計領域中起著重要作用的原因是：印象派繪畫使得色彩本身就具有的神韻得到了綻放。印象派繪畫并不像古典主義那樣將繪畫藝術放得很高，古典主義繪畫只是將繪畫藝術當成了人民應該追求的一門藝術，印象派繪畫的目的之一就是希望將藝術帶入更多人的內心當中。野獸派是繼印象派后產生的另一個派別，雖然屬于不同的派別，但兩者都是讓色彩在畫布上得到比較好的綻放，都是利用著再簡單不過的線條，和在藝術家看了顯得略微夸張的顏色去使得色彩得到綻放。在歐洲的傳統(tǒng)繪畫中的色彩也在野獸派的藝術家那得到了解放，從那時起，色彩獲得了自由，再也不用依附于任何一種形體之中，這也間接的表明繪畫者用色彩表達自己想要的作品的情況得到了實現(xiàn)。如果想要運用色彩去表達自身情緒和視覺視角，那就需要將不同色彩合理的搭配起來，因為每種色彩都表達著不同的情緒和視角，在現(xiàn)代的繪畫和設計中，色彩搭配問題常常是藝術家們常常會遇到的問題。現(xiàn)代設計師在開展工作的時候，要根據(jù)所接受項目的風格去選擇合適的主色和幫襯的配色，這個是設計師在工作過程中必須要做的一件事。那如何給客戶設計一個簡單清晰且能帶動客戶情緒的產品外觀呢？其中色彩在此方面起著非常關鍵的作用，通過色彩的選擇與搭配，去將產品的個性展現(xiàn)出來。

一、米開朗琪羅：色彩服務于形體

在西方藝術的發(fā)展史上，米開朗琪羅可以算得上是一名影響力很大的藝術家，他畫布上的畫面充滿了細節(jié)，且對細節(jié)的處理也是恰到好處，細節(jié)之中彰顯著希臘文化中的人形體上的美，那健康強壯的身體，表達著作為希臘人的那種驕傲。在幾百年前的文藝復興時期的藝術作品大都表示著對人體形態(tài)的崇拜。達·芬奇，米開朗琪羅等藝術家的作品中人體的形象為：如同雕塑般健壯結實。米開朗琪羅的作品常給人一種畫里的人物栩栩如生的感覺。從中我們不難發(fā)現(xiàn)文藝復興時期的藝術作品之中色彩常常起著輔助性的作用，在整個作品中你很難發(fā)現(xiàn)其中會有一種顏色非常的鮮艷或者非常的暗淡，色彩都是被調和后，然后融合到作品當中，附屬于形體，為形體服務。例如：在壁畫《最后的審判》中，上帝的形象為：無論是皮膚還是衣服都是呈現(xiàn)著一種明暗關系的淺灰色，在袍子上的紫灰色也只是淡淡的，畫中最顯眼的要數(shù)從上帝耶和華綢上飄落下來的綠色綢帶了，這是因為綢帶的主色就是綠色。米開朗琪羅對于希臘人的身體中的陽剛之美的那種愛戀也是并沒有通過色彩去表達，而是通過對壁畫左邊斜躺著的亞當身體的刻畫去進行簡單樸素的表達，亞當那健碩的肌肉也只是通過明暗的轉化去塑造著，并沒有用明顯的色彩去描述，亞當背后也只是通過淺淡的顏色去勾勒。從以上的文藝復興時作品的風格我們不難發(fā)現(xiàn)色彩在當時只是以一種服務于形體的形式存在著，色彩的生命力在當時并沒有得到綻放，形體才是當時作品的吸引人之處。

二、莫奈：色彩擺脫形體

莫奈，其創(chuàng)作的《日出·印象》在印象派畫家的第一次聯(lián)合展覽的時候震驚了當時在場的各位藝術家，因為這幅畫中并沒有走之前的風格，并沒有像之前那樣特別注重形體的構造，而是通過走出那密閉的畫室去大自然中尋求繪畫的真正的意義，去室外尋求著看不見，摸不著的光與影，而且在印象派出現(xiàn)之前，類似于光與影這種相比于實體物品顯得比較虛無且有縹緲的東西都并不是畫家特別愿意去商討的話題，此外在莫奈的這幅作品中并沒有健碩的形體，有的只是略顯松散的色彩，人對畫面的印象往往就是一瞬間的事，莫奈的這幅畫給人的第一印象就是：日出時海邊港口的光與影。這幅畫中并沒有突出形體，恰恰相反的是這幅畫中的形體成了顏色的載體，畫中的每一筆似乎都變得具有活力起來了，表達著光與影以及作畫人當時想要表達的情感。印象派那革命性的存在使得其向古典主義宣戰(zhàn)的過程中取得了勝利，最終色彩也是第一次被救活過來了。

三、梵高：色彩的神韻

梵高的名字幾乎是家喻戶曉的，文森特梵高，被后人尊稱為太陽之子，他所創(chuàng)造的畫畫對于熱情、奔放與溫暖等情感都是有著比較好的詮釋的，梵高也曾說過這樣一句話：“其實在每個人的心中都存在著一團火，雖然大部分路過的人看到的只有那濃厚的煙霧。但是總會存在著這樣一個人，能看到隱藏在濃霧中的這團火，然后朝著火的方向向我走過來，陪我一起。”

梵高的繪畫風格和其他藝術家有著一定的差異性，后世的美術研究者們將梵高的作品歸類于后印象派的行列當中，在梵高的作品中常常融入著印象派中鮮艷亮麗的色彩，有些作品中在表達自己想要表達的情感的時候都是完全用色彩去表達，甚至在畫中有著很多的畫面采用的表達方式都是純平面的，這是因為在后期巴黎受到了印象派的沖擊，讓當時的畫風都變得“亮”起來了。梵高在有生之年常常被精神疾病所折磨，這也導致其作品中更多的是其精神世界和情緒的體現(xiàn)，其畫風直接顛覆了當時古典主義者對形體美的認知。同時也在梵高的那個時代，繪畫的意義不再是對形體美學的追求，不再是對神的描述，也不再是對英雄主義的推崇了，而是繪畫者對自身精神世界的視覺體現(xiàn)。梵高的代表作之一：《向日葵》，向日葵，一種植物，具有自己的形狀，但在梵高的畫筆上，畫中的向日葵卻全然沒有具體的形狀，畫中的向日葵給人的第一印象為：那一抹抹黃色在那畫布上呈現(xiàn)了一副生機勃勃的景象。梵高創(chuàng)作這幅作品的背景為：梵高字等待自己已經(jīng)期盼很久的真摯的好友高更的到來。梵高想通過這幅畫去表達自己對好友即將到來之時的那種迫切的心情，從這幅畫所展示的畫面中我們可以比較直觀地感受到梵高那粗狂以及熱烈期望好友盡快到來的那種的情感，在這幅畫中色彩的生命力也是被運用地淋漓盡致。色彩也在這幅畫中展現(xiàn)著其生命力以及其力量之大，梵高對色彩的真誠運用讓色彩從畫布上脫離出來了，讓色彩仿佛具有了生命。其實色彩從古至今都并不是簡單的附屬于形體，它在畫布中其實是有著很強大的力量和豐富的表情的，只有畫師對色彩的真誠運用才可以讓色彩真正意義上從畫面中活靈活現(xiàn)其來，體現(xiàn)其獨特的韻味。再例如：在法國圣雷米的時候，梵高創(chuàng)作的《星空》，在這幅畫中我們可以對梵高當時的主觀世界有比較清晰的了解，在這幅畫中通過顏色強與弱的對比，將畫面帶入了一個非常神秘的地方，這幅畫仿佛具有某種神奇的力量吸引著旁觀者去對梵高的心思進行不斷的揣測。

四、結語

歷史總是在不停地推進著，藝術也不例外，以往那古典音樂中那對形體的追求，對完美的追求，那些近乎完美的畫面總是在不經(jīng)意間震撼著我們的心靈，但以梵高和塞尚為代表的后印象派畫家使得現(xiàn)代藝術開始初露鋒芒，印象派畫家的作品將色彩從形體中解放出來了，并給予色彩無窮的生命力，為我們現(xiàn)代各種設計和藝術所使用。