習琴札記之四
——彈奏表現力

文/ 關常新

聲音不等于音樂

只彈出聲音就如人體只有基本的骨骼或建筑物只有主體框架。必須加上音樂內容（表現力）才能有臟器和肌理組織，最終成為完整而有生命的個體。不少學生總是被自己無意識發出的琴聲麻痹，以為手指在動、琴在發音就有了音樂，其實不然。以烹飪為例，音樂彈奏物理范疇中的聲音只相當于用以盛食物的容器而已，即便容器雕琢得再精美，沒有食物仍然無法使人充饑，更談不上享受美食。因此，帶著音樂內容和含義彈奏才是樂感的關鍵，不帶樂感的彈奏與發出噪音沒有本質的區別。

音符如玉

就如“書中自有顏如玉”一般，作品中的音符也有待我們發現并揭示，從而賦予它們生命的意義和表現力，而不只是發出物理振動的音響。

聲音的維度與變量軸線或參數的變化

音量/力度：大小/強弱。

音質：剛柔（軟硬）、濃淡（稀稠）、厚薄、粗細、寬窄、點面、密度大小、虛實、松緊、輕重。

音色：明暗、冷暖、濃淡、深淺。

音樂性質：情緒、氣氛、場景、角色。

聲音可通過觸鍵的速度、輕重、深淺、角度、手指部位，甚至是肢體配合來改變。

彈奏最基本的表現力是起伏變化

音樂作品與小說、戲劇和電影等藝術作品一樣，需要有基本情節產生的變化。如果在演奏音樂作品時不能體現出起伏變化，會使作品失去生命力。

譜面的不同符號標記

速度的合理性

決定一首作品的演奏速度，除了參考作者的標定和編輯的建議外，還應考慮和聲變化的頻率及織體音符的時值，確保聽眾欣賞心理的律動能與演奏的律動同步。否則一旦速度快到了觀眾怎么追都跟不上，被甩下好幾條街，觀眾就會干脆放棄追趕，坐在那里看你耍。假如速度過慢，作品的各結構組成部分及“零部件”之間的空間及空隙又過大，難以讓人一目了然，松散零碎，甚至讓觀眾有“飽食過漲、呼吸困難”之感，時間一長難免昏昏欲睡，走神發呆。

彈奏表現力及吸引力

沒有任何音符或標記是無意義地存在的，演奏者在練習時由頭腦處理的（想到的、產生思考的音符和標記）信息越少，其演奏的音樂意義上的（而非物理意義上的發音）空白就越多，其演奏的表現力、吸引力及感染力則越弱。

不考慮音符及標記的含義和作用就觸鍵，充其量只是使鋼琴發出物理音響而已。而具備豐富內容及表現力的彈奏，必然離不開發達頻繁甚至高強度的腦力勞動。因此，最簡單的彈奏學習開始，就決不應只滿足于音高、時值和速度的達標。如果頭腦僅能應付這三個基本要素，將來再努力也只能成為匠人。

關于律動的伸縮

織體線條聲部越是繁復，越要注意保持好清晰的節奏律動，不要太自由和有過多的彈性速度，否則聽眾容易因頻繁的晃動而感到暈眩。當然，這并不等于古典時期或相對簡約的作品就可以有過多的晃動，因為那樣只會使聽眾更容易發現你節拍或速度不穩。

從樂曲開始后首次出現的標記和內容都很重要。

演奏的音樂表現能量

音樂可以具有能量，有如在一個寒冷的冬日或炎炎夏日，讓聽者迅速感受到被溫暖包圍，或者涼意襲來。

休止符的作用及含義

1.指示在某個時值長度期間不發出聲音。

2.在某個時間點停止聲音。

3.分句。

4.呼吸。

5.節奏或律動點。

除了對聲音保持高度的敏感以外，同時要對休止保持同樣的敏感，是作品內涵表現的需要。在有休止又有踏板連接的地方，猶如連衣裙，雖為一體但得分出上下身的顏色或圖案花紋；有休止而踏板停頓，猶如上衣和褲子，物理性質上已然分開。

不應公式化處理的五種情況

通常裝飾奏、連線尾音、附點的長度、著重號和斷奏標記等五種情況應避免彈得千篇一律、雷同呆板，應根據所在樂句的音樂性質進行微調處理，與音樂性質協調一致。

有關車爾尼練習曲和肖邦等“高大上”練習曲的區別

有人認為肖邦的練習曲比車爾尼的練習曲更加“高大上”。肖邦練習曲的第一首C大調和最后一首c小調都是規律性的上下行琶音和分解和弦，其他的肖邦練習曲也或多或少離不開模進音型。所以是否練出樂感和表現力，并非取決于誰的練習曲，而是有沒有發現和挖掘練習曲中的音樂性。車爾尼、克列門蒂和克拉莫的練習曲照樣可以彈得很有樂感和表現力，而沒樂感的人彈什么都難以顯得“高大上”！除了哈農這類純模進音型的基本練習，只要寫成的作品都是“曲”，關鍵是看你怎么練、怎么彈！

裝飾奏

裝飾奏（特別是巴洛克及早期古典時期）的彈法選擇要考慮多種因素，如所處樂句的性質、形象、場景、和聲及聲部進行、本音的主題旋律走向，以及與其他聲部的關系，等等。

終止式

終止式的屬音（及屬和弦）猶如進家門掏出的門鑰匙，平時不覺得這個習慣性動作及鑰匙的重要性，可一旦沒有，就無法回家。

演奏時的身心投入

只有能夠充分“入戲”，內心才能產生足以抵抗來自外界及自身干擾的能量，促使指尖的觸鍵發出具備足夠表現力的聲音，使演奏的音樂表現達到正常的甚至更大的幅度和感染力。

不和諧

不和諧（音）產生的撕扯感，就像人類通過“折騰”——勞其筋骨感受不適以體會自身存在的價值和意義一樣。

呼吸的時值

在器樂演奏中，呼吸處的空間意味著比樂理意義上的時值要多一些。

何謂音樂上的“準確”？

從音樂詮釋和演繹的角度出發，僅是把譜面標記和符號彈奏準確是不夠的，這僅僅是開始和草圖，只有音樂的恰當才是目的。比如小連線的結尾音，如果彈滿時值只能算樂理上的準確，但在彈奏抒情、憂傷的樂句時，時值不完全彈滿并語氣比前音柔和才可以算音樂上的恰當。

彈奏聲音的色彩豐富性

管弦樂的音效猶如彩色照片，單一樂器就像黑白照片。多聽管弦樂，耳朵里有了不同樂器音色的想象后，才有助于在彈奏時發出變化更為豐富的音色，就像花朵需要水的滋養后才可能綻放奪目的光彩。

阻礙終止

就像節外生枝，要讓人有突如其來的始料未及之感，不能順理成章地按部就班。

旋律聲部中單音線條樂句的漸強

可以借助時值微量變化的手段來輔助呈現張力的變化，否則單音音量增加到一定程度，在沒有其他聲部的共鳴作用下，音質易劣化失真。

彈奏樂感的實質

作品由音高與節拍組合本就已蘊含了樂感，我們只需要努力發現并挖掘，進而轉化為聲音的變化表達出來，就有了基本表現力，成為彈奏的樂感。但我們常常對這些細節見慣不怪、熟視無睹，甚至視而不見，所以彈奏效果蒼白乏味。

不可對樂譜上的一些符號標記盲從

所有的譜面標記符號中最不能盲從的有兩種：指法和踏板。

指法與每個人的手的條件差異（手的大小、手指的長短粗細、手指的機能——如運動速度、力度、獨立性、靈活性）有很大的關系。

踏板與鋼琴制造技術和表現力的發展變遷息息相關。尤其是離現在越久遠的年代，其創作時所用樂器與現代鋼琴的差別越大。如果一板一眼地按照樂譜上的這兩類標記符號彈奏，就難免出現生搬硬套、削足適履的效果。

起 伏

不只有音量力度，還有松緊、張力和情緒。

彈奏的內在表現力（不空洞乏味）

音符少不等于內容少，如同演員的眼神表現力，可不依賴表情、動作及臺詞。

重復材料不可雷同

在音樂表演中，相同的音樂材料、樂句和動機等，在詮釋時不能彈得一樣，就如中文里的多音字要根據不同的詞語組合讀出恰當的讀音。

保持演奏對聽眾的吸引力

保持變化，包括夸張處理音樂本身內在已有的變化，對相同音樂材料進行差異化處理（音色、突出不同聲部層次、斷連處理、加裝飾奏，等等），這樣才能令聽眾的注意力時時被你抓住而不走神。

聲部在音樂色彩和情緒中起的作用

當想呈現暗的、陰郁的、濃重的色彩和陰郁的情緒時，可以把內聲部里的低聲部適當提高比例以增加厚重感。

層層遞進的時候

許多學生往往會忍耐不住，越彈越快，反而抵消了遞進的效果。這時，如果每一個音符都多拽住一點兒，繃住它，更有助于體現增加遞進的張力和能量。

和聲的改變有時只通過一個音

有時兩個和聲之間只有一個聲部的一個音改變，但恰恰是憑借這一個音，和聲就完全轉變了，就如萬花筒在轉動時，哪怕只有一顆小色粒移動，都會變成完全不同的圖案花紋。因此，切不可忽視踏板的配合，誤將兩個和聲混淆。

力度標記

力度記號只代表音量嗎？遠不止！它還可能包含但絕不限于以下成分：情緒、氣氛、語氣、腔調、性別、縱深、遠近、樂器、形象、獨奏/合奏/齊奏、明暗，等等。

細節的差別

細節處理上質量的微小差異積累出整體彈奏質量的差別：持續時間長、次數多了就體現出整體的質量差異。比如相同動機形成的作品，像肖邦練習曲作品25之3的踏板、斷連等細節。

不要把踏板當作“辛辣調料”

如果手上功夫不夠，彈琴細節“粗制濫造”，難免本能地用踏板去掩蓋，但是，切記不要把踏板當成“辛辣調料”！這樣只會讓手上不足欲蓋彌彰。可以試試不加踏板地分手練習，等打磨精致了再加上恰當的踏板，那時自然會錦上添花、如虎添翼了！

朗誦調、宣敘調的彈奏

彈奏歌唱性旋律，特別是朗誦調、宣敘調時，如果有些音指觸不夠分量，就像與人溝通表達時沒有看著對方的眼睛，而顯得不尊重、漫不經心。

彈奏的價格與價值關系

彈得整潔規范就如同產品合格無瑕疵，但想要價格貴，就必須有附加值，附加值就是體現音樂內容和美感的彈奏表現力。

滾奏和弦的處理

左手滾奏和弦的上端聲部和底下的低音聲部，二者中哪個對準旋律音或者動機的節奏點，要取決于音樂性質。如果是鏗鏘有力的，就要與上端聲部對準；如果是柔和安靜的，左手只是起和聲支撐及色彩背景襯托作用的，就可以考慮對準底下的低音聲部。（待續）