虛擬化是時尚的未來嗎？

何冰輪 木蘭

去年12月，通過業內目前最為先進的攝影測量和游戲主機技術，Balenciaga的創意總監Demna Gvasalia將品牌2021年秋季系列的發布帶進了電玩游戲《Afterworld： TheAge of Tomorrow》的數字世界，玩家在進入游戲后，通過掃描模特各種姿勢，直接輸出為電玩人物。全世界的普通玩家都能在游戲中共賞品牌新品。

在網絡世界虛擬換裝的那個年代，虛擬玩家換上物理概念上存在的服裝或者真實人類穿著數字化虛擬服裝都只能是想象中的未來。

而如今，未來已經到來。服裝可以是虛擬的，服裝穿著的場景也可以不存在，甚至穿著服裝的主體都能被虛構。那么一切都能夠被先進科技虛擬化的時裝行業的“真實”又該落腳在何處？

原本在這個行業里，掌權者大多是互聯網誕生之前的一代人，他們崇尚的手工藝價值和高級質感，都建立在時裝及其組成部分的真實存在之上。從審美調性層面來講，科技的冰冷酷炫與時尚本身的奢華優雅背道而馳。激進、失實、難度大，融合了VR（虛擬現實）、AR（增強現實）、人工智能、3D掃描、機器人技術等內容的科技實在是令他們難以習慣。雖然在疫情發生前偶有品牌在科技圈嘗鮮，但也有致力于創造虛擬時裝的時尚品牌。不得不承認，科技的發展、時尚行業的破舊習俗，以及疫情期間的防控要求，加速了時尚行業在新方向的探索和發展，這場高級時裝界與未來科技的大規模對話已是勢不可擋。

在這樣的變革之下，時尚及與時尚相關的概念也被改寫了。

“皇帝的新裝”還是新時代的華服？

早在1858年，在巴黎和平街7號成立了第一家高級定制時裝的一刻，被許多時尚歷史學家譽為“高級定制時裝之父”和“第一位高級女裝設計師”的英國設計師查爾斯·弗雷德里克·沃斯（Charles Frederick Worth）應該從未想過時裝有朝一日可以無需布料和縫紉，便可成衣;不用刺繡和染料，便能綻出色彩和紋樣。

在Valentino 2020秋冬高級定制秀上，品牌藝術總監比爾·保羅·皮喬利（PierpaoloPiccioli）呈現了15套全白色系的將剪裁及輪廓表達到極致的系列服裝，同時聯合殿堂級時尚攝影大師Nick Knight，以純白禮服為畫布，利用現代數碼投影技術，使色彩、印花與刺繡鋪滿裙擺之上，光影流轉間，投映在裙擺上的花朵不斷變幻。

不僅僅是服裝的圖案可以被虛擬，利用3D建模技術以及影像相結合的方式，人們甚至可以身著本不存在的服裝。荷蘭公司The Fabricant是世界上第一家僅提供數字化服裝的公司，這家意在展示“時尚并不一定需要以物質形式存在”的公司，曾聯合加拿大區塊鏈游戲公司Dapper Labs創造了一款名為“Iridescence”的“區塊鏈數碼服裝”，也是全球第一件虛擬數字化服裝。這款虛擬服裝受到保護，且只有購買者有穿著的權利。其設計師Amber Jae Slooten在采訪中表示：“新的信仰正在興起。數字世界即將來臨，而我們不再囿于物理的空間……新的力量正在形成。”

無獨有偶，嘗試甚至致力于開發虛擬數字化服裝的品牌和公司不在少數。早在2011年春夏系列的發布會上，Burberry運用3D全息投影的形式，除了六位真實行走在現場的模特之外，觀眾肉眼見到的其他模特與服裝均由3D全息投影來呈現。為順應網絡文化，同時搶占新生代消費者，Burberry在2019年聯合周冬雨、Enkako和謝云鵬，將“虛擬時裝”這個概念推向了更高潮。

Hypebeast與專注研究數碼布料的設計團隊Studio PMS和數字資產解決方案團隊Virtueal（智造科技）合作，通過最新高科技將Burberry傳統的品牌文化基因“推陳出新”。Studio PMS需要按色塊、尺寸及實際布料的質感與重量，營造近似服裝的感覺，再將衣服檔案放在Virtueal通過超高精度三維掃描（3D Scan）虛擬人偶（DigitalAvator），作不同的動作測試，以檢視衣服布料飄逸感等細節。新時代的虛擬時裝無疑更加精細且開始解鎖新的消費圈層，并為自己在時尚行業存在的價值做考量。

環保無疑是一個最有發揮空間的閃光點。日本一個名為Synflux的研究機構，其年僅23歲的創始人清水桂開啟了宗旨為“用代碼消除浪費，并使時裝產業實現可持續發展”的“算法服裝設計（AlgorithmicCouture）”的項目，他們一邊展示通過AI實現零浪費的生產過程，一邊通過數字化定制滿足不同消費者。

千禧一代的設計師在設計理念和過程中對虛擬科技這種“新的力量”極為熱情。在當前時裝生產技術條件下，至少有15%的布料被丟棄，雖然在資金和技術上虛擬時裝會比真實的衣服消耗更多，但因為它可以根據消費者的需求實現技術上的量身定做，在破除了物理的限制的同時，還具有環保的意義。

另一方面，科技加磅了服裝的數字化價值。在那些“活在”虛擬社交軟件的Z時代消費者眼中，只能穿一次但極具個性化的服裝，遠比真實保暖卻無法變化的衣服要更能滿足他們的動態化和個性化的消費心理和需求。虛擬時裝作為一個數字表征，共同完成了主人公的數字行為，構建了其數字社交世界。這種只存在于虛擬世界的服裝究竟是當下社會的“皇帝的新裝”還是新時代下技術進步的文化結晶，在不同的維度中思考，答案是不同的。

數字化服裝象征了21世紀的穿衣解放，然而虛擬科技不是時裝設計的避難所。傳統意義上的高級時裝是充滿創意與手工藝的，是有溫度的。先進科技不該像除味劑一樣，去除服裝原本的人情味和人性美，從而破壞傳統高級時裝的概念。

與其說數字化時代的到來讓網絡與現實的界限越來越模糊，不如說在網絡和現實對立且融合的語境下虛擬時裝如何平衡感性和理性，在打破“身體擁抱服裝剪裁，感知服裝材質”的傳統之余，維持美學和手工藝價值，續寫傳奇，是時代發展賦予高級時裝的難題。

虛擬場景：時尚作為跨媒體藝術的無限可能

除服裝本身的設計語言之外，展示服裝場景的多元表達也極為重要，在不同的行為中“場景”對應了不同的概念。發布過程中的場景是時裝秀場地和布景，服裝店鋪則是銷售環節的場景環境，而日常生活或某種特定場合是著裝的場景，但如今不同體系下的場景交融呈現，在一定程度上擴寬了文化維度。

作為舞臺藝術之一的時裝秀場，時裝、場景、模特三者在傳統的形式中缺一不可。基于科學技術的發展，時尚行業內虛擬時裝秀早已不是新鮮花樣，在“大型時裝秀一去不復返”言論甚囂塵上的時代，奢侈品牌需聚焦于如何將更廣泛的受眾納入考慮，并為他們提供極致的觀秀體驗。其中場景涉及選址、布景、燈光、攝影等多方工作，需要投入大量人力物力。將時裝秀場虛擬化，不僅使得成本與風險高度可控，同時還能打破時空的限制，在服裝真實的條件下，增加更多富有創新性的表現可能。

Balenciaga將2020年秋冬秀場通過投影技術變為“末日場景”，黑色場景下的巨幕時而呈現出電閃雷鳴，時而飛過一片黑壓壓的蝙蝠，時而燃起熊熊大火。在這條虛擬時裝秀的賽道上，在秀場布景技術上做文章的方式已然略顯陳舊，如今的品牌更傾向于突破秀場的物理限制，轉而打造如游戲、電影、實景等的虛擬現實場景。

國內一家名為Xcommons的藝術時尚發布組織，聯合由藝術家柳迪和舒善藝領銜的IC-United視覺藝術工作室于各大社交平臺，開啟了一場囊括陳序之、李佳佩、王量三位本土設計師，名為“Parallel Reality”的沉浸式數字時裝展。這個虛擬空間概念來自科幻小說家阿瑟·克拉克的《與拉瑪相會》，秀場大廳的名字“Rama”本是一艘沖入太陽系的外星船，乘坐Rama觀看者可以進入三個獨立的次元空間α、β、γ，分別對應Xu Zhi、Andrea Jiapei Li和Roderic Wong的設計師作品。通過構建不同的全景空間，觀眾能夠在沉浸式的“平行現實”里自由探索，享受自己的私人時裝體驗。相比于傳統形式的秀場，增加了互動性與趣味性。

線上發布的最大難點在于內容及其載體，沒有了實際的空間，時裝發布很容易變成平平無奇的時尚攝影或視頻，失掉了時裝發布展示服裝材質、細節、靈動的美感等本質。另外，時裝發布的核心已不再是所謂的“時尚感”，而是“能影響到多少觀眾”。

所以如何在線上發布的虛擬中為時裝本身賦能增值，回歸發布本身，并通過線上拉近大眾和傳統時裝的距離，是品牌無法躲避的新難題，更是擁有無限發揮可能的新試卷。

與時裝秀分量不相上下的服裝發布和傳播手段，不得不討論的是時尚攝影——相比于真實的記錄和敘事，如今的時尚攝影更加注重表達。科學技術則是為這種“表達”增加了更多語法話術和語氣態度。消費者對照片的單純預覽已經逐漸感到疲倦，而透過新穎的視覺體驗和虛擬科技去呈現單品成為了當下的一種最強潮流。

數字化雖然充分豐富了視覺表達，但在某種程度上影響了作為時尚重要組成部分的攝影，甚至將部分“攝影藝術家”的頭銜改為了“視覺藝術家”，在Nick Knight眼中，數字化是“攝影已死”的罪魁禍首。雖然出版于2006年的書籍《Monologue》都曾在書內也承認了“數字化時代中，電腦虛擬影像取代攝影”的事實，但這并不意味著攝影走向了死亡。身為科技視覺的鼻祖，攝影也從平面出發，擁有了令觀眾沉浸其中的立體能量。

跌跌撞撞在虛擬技術的想象空間闖蕩，時裝行業憑著破舊立新的本能，瓦解了長期以來時裝發布和傳播停滯不前的無趣形式，也讓19世紀流行至今的高級時裝定制在今天真正實現了平民化。

虛擬模特：超仿真的人與社交圈

了虛擬化這種對技術對概念要求相當高的操作一度是大牌標榜創新的新奇手法。2007年，Prada就為電影《Appleseed Saga： ExMachina》中的女主角Deunan Knute設計服裝;2015年，Nicolas Ghesquière執掌下的Louis Vui?on起用《Final Fantasy XIII》女主角Lightning作為新系列的全球代言人。這些在當時引起了不同聲音的跨界合作大概是早期奢侈品牌利用虛擬人物進行宣傳的嘗試：在二次元領域頗負盛名的角色與處在數字化和年輕化轉型中的奢侈品牌進行的是互幫互助的合作。

而到了21世紀10代的后半段，虛擬化的形象逐漸變得更加豐富和多元。2017年，號稱“世界上第一位數字模特”的Shudu Gram正式上線，Shudu有著五官得宜、完全對稱的一張臉，她的膚質細膩均勻，像雜志精修圖一樣精致排列的毛孔，纖長的天鵝頸更讓她與各種金色首飾與熒光色彩妝完美適配。

在Shudu的走紅之后，與她同族的大碼模特Brenn和走健身博主路線的Koffi也橫空出世。和Shudu比起來，Brenn更有陽光健美的混血感，而Koffi則有著刀刻斧鑿一般的肌肉線條和五官深邃的臉。盡管他的面部表情對時裝大片來說還略顯生硬，對展示肉體為主的健身博主來說卻是足夠了。Koffi在他Instagram主頁的照片里幾乎沒穿過上衣，除了作為健身標桿的重要意義，這樣一個虛假、完美卻幾近赤裸的人體，必然成為觀看者某種情欲的投射。

打造一個比例逆天身材完美的形象來和真人模特搶飯碗，本來是再無可厚非不過的一件事。但當大眾得知Shudu、Koffi和Brenn的制作者是一位來自英國的白人男性攝影師，一切還會是那么順理成章嗎？

面對質疑，攝影師Cameron JamesWilson巧妙地用“為虛擬模特領域帶來種族多樣性”化解了危機。但為Shudu冠上“世上第一”的稱號顯然并不能實質性地賦予種族多樣性，相反，Wilson聲稱的從“南非公主芭比娃娃”和奧斯卡女星Lupita Nyongo身上獲得的靈感，其實是將非裔模特異域化的危險信號。在白人創造者和經濟上審美上擁有主導權的社交媒體用戶的凝視之下，非裔形象經由被權力掌控者的包裝后進行的“自我展示”，或許從根本上來說就是一個關于“異域風情”的騙局。

由于黑人模特長久依賴著憑借“逆天腿長”的“種族優勢”獲得的青睞，要讓實物搭配呈現出設計手稿中婀娜妖嬈的效果，他們也將合情合理地出現在數字時裝周上。英國高級定制品牌Ralph & Russo在2020年秋冬高級定制秀場上選擇用虛擬模特百分之百地將平面手稿放大至三維空間。一位擁有完美頭肩比和肌肉線條、來自非洲的模特Hauli（斯瓦西里語中“力量”的意思），讓高級定制變得觸手可及。

和現實的時裝界一樣，在虛擬模特的世界同樣不能只靠展示時裝出名，創作者把打造現實網紅的十八般武藝全數用在日臻化境的技術手段上。在打造虛擬網紅的過程中，修圖等于精細渲染，制造八卦等于創造另一個勢均力敵的角色展開八卦。巴西和西班牙混血的虛擬網紅Miquela Sousa有著小麥色皮膚、標志性的二次元齊劉海和雙丸子頭，和可愛到恰到好處的小雀斑。

這位名副其實的LA Girl完全走著一個出色網紅的成名之路：在Instagram上發布自拍、上傳#OOTD（每日穿搭）、發布單曲和傳遞積極的價值觀、與品牌和雜志合作，以及po出與其他虛擬人伙伴們“緋聞女孩”式的日常。

在對虛擬人設的塑造中逐漸建立一個與真人基本無異的人格，無論這些充滿爭議的手段是在反諷網紅時代人們對隱私八卦的過剩熱情，還是僅作為真實的超級網紅營銷手法，虛擬網紅的種種鬧劇都釋放了相當危險的信號，因為它們的存在過于真實，以至于一定程度上消解了虛與實的界限。就像《黑鏡》第一季《一千五百萬的價值》中展示的一樣，鮮活的個體像籠子里的倉鼠一般機械運動著，以獲得虛擬人格在熒屏上收獲名利的機會。人類過度依賴媒介的社會寓言總是令人警惕的。而當社交媒體上流傳的信息與發布信息的主體的真實性都存疑時，“人”作為產生交流的主體，還重要嗎？

盡管當下超越人類獲得自主意識的仿生人還僅僅是科幻電影中的角色，面對“人設”十分豐滿的虛擬形象，依托社交網絡建立的形象究竟是對幕后的創作者個體的復制還是再造，隨著人造個體與人造場景逐漸獲得越來越多的公眾討論，站在背后的人又該通過怎樣的途徑發聲，在高度依賴科技與社交網絡的今天，真實有機體的意義要從何體現，是所有用技術創作的人都將面臨的疑問。

虛擬時裝秀：看得見摸不著的概念

2019年，跨媒體創意團隊Trashy Muse制造了一場從服裝到展示空間再到模特都全面“數字化”的增強現實虛擬時裝秀，這段在巴黎EP7畫廊外墻的數字屏幕上播放的現代藝術蒙太奇被公認為“世界上第一場全虛擬的時裝秀”，業內知名的Shudu、與她同公司的Dagny，和Trashy Muse自己創造的虛擬網紅Branded Boi都參加了這場秀。參與這場時裝秀的創意工作者們紛紛大顯身手：Trashy Muse團隊的設計展示了近年來千禧一代中關注度頗高的低腰牛仔褲、短打上衣和“臉基尼”面罩;數字藝術家AnthonyRosati用大量全息紋理面料反射光線，營造復古未來主義的光澤感。

精致到足以以假亂真的虛擬模特，VR游戲中線條圓滑簡潔的數字角色，空山基作品中超現實主義風格的金屬人，穿戴著Y2K風格的印花比基尼和熒光色假發，這場時裝秀就像一場虛擬人物行業交流會，在為時裝秀的未來提供全新可能性的同時，又為“時尚”本身注入新的內涵。如果用Roland Barthes在《時尚系統》（The FashionSystem）中的定義來解讀，時尚本身是個再空泛不過的概念，它的內容幾乎完全由人們令時尚產生意義的種種行為決定，而全然拋棄傳統的手工與生產線、全面轉向數字化的模式，顯然構建了一個我們此前不熟悉的“時尚”概念。

2020年上半年，《集合啦！動物森友會》游戲博主animalcrossingfashionarchive與德國雜志《032c》總監Marc Goehring共同舉辦了一場動森時裝秀。這個三分鐘的短片介紹了從模特試裝到秀場暖場、走秀和設計師謝幕的全過程，展示了包括Chanel、Prada等等大牌的一系列當季時裝。這款疫情期間大火的“種田游戲”以超精細的個人化定制出名，只要有足夠的耐心，每個“動森”島主都能精致地打扮自己并裝飾自己的生活。而在需要保持社交距離的2020年，人體的行動范圍受限，而以動森人物為代表的虛擬形象則從“二次元”正式邁入日常生活的維度。

人利用科技的產物取代自己的位置，在頗具自我反思意味的社會學思考和科幻片里，這顯然不是一個好現象。KatherineHayles在《我們何以成為后人類》（How WeBecame Posthuman）一書中，用這種重數據而輕實質的技術導向觀念概況后人類主義觀點的核心，這幾乎徹底否定了有機生命體存在的必然性。在她的理論中，后人類主義將人的意識視為需要摒棄的唯心主義，而人體的本質就是受到操控的對象。而在美國學者Donna Haraway發表于1985年的《賽博格宣言》（Cyborg Manifesto）中，她用賽博格一詞來形容科技先行時代后人類文明高速發展的社會，這個最初由cybernetic（控制論）和organism（有機體）組合而成的新詞近年來熱度越發上升，它象征了科技對人類的快速超越，在這樣快節奏的發展之下，虛擬的機體可以取代實際的人體發揮在社會場景中的作用，人類與他們所創造的技術產物早就融為一體了，用Haraway的話來講，“我們都是賽博格”。

對于使用虛擬形象以強化概念主題的設計師來說，賽博格卻并不是一件壞事。一向樂于探索人類與科技邊界的XanderZhou，在2019年秋冬系列里就利用了大量PVC面料、金屬肢體和加翼的潛水服構建變異的超自然生物機體，用充滿科技感的材料延展有機體的活動范圍;而在2020年春夏系列發布中，他又啟用CGI模特，用冰冷的“非人”虛無感去傳遞時裝的儀式性與精神性。這位設計師從不吝于在科技與人類精神邊界的議題上設問，在這場秀中，他用充滿禪意的輕飄虛掩的服裝結合無意識的虛擬模特，試圖在衣著的溫度和意識的虛無之間構建橋梁。以“說明書”形式呈現的2021年秋冬系列則著重表現在過往產品上進行的更新與重組，模糊面部特征的模型面具和頭盔、工裝造型和緊貼皮膚的“機械臂手套”幾乎掩蓋了全部“有溫度”的人類表象，由時裝建立起的仿生人形象成為在現實生活中充分合理的存在。

虛擬時尚的未來

在時裝中引入數字科技話題是一件相當有趣的事，因為在幾百年的時尚歷史中，手工曾經是、并且現在依然是，一個標志著價值和珍稀程度的準繩。看得見摸不著的數字時裝、無法令人置身其中的虛擬秀場，和無法從“人”的角度展示時裝的虛擬模特，它們的存在都大大沖擊著傳統時裝的價值體系，更別提數字科技對時裝周體系的潛在威脅。在虛擬化的時裝秀里，定制可以是即時的。

關于這一點或許早在十年前就創造過全息投影時裝秀并為品牌打開即看即買模式的Christopher Bailey更有發言權，“讓人們在秀場結束之后就能獲得秀上單品，是一件與觀眾拉近距離的好事”。

至于在虛擬化應用越發廣泛的當下，人們對技術的操控究竟能彌補多少對服裝真實體驗的缺失，這在目前仍然是未知。

虛擬時裝無法代替承載歷史文化和手工藝的傳統高級定制，身處當下這個被科技和數碼統治的時代，如何傳遞一些更具文化和美學價值，如何挖掘更有精神內核的東西。這是虛擬科技為時尚行業帶來的新命題。但時尚是包容的，作為歷史的真實產物，虛擬服裝的出現和發展也無法被阻止，畢竟時尚的呈現可以是虛擬的，但是時尚從來都是真實的，在可預見的未來里，它的內核始終離不開人們基本的穿衣需求和關聯到自我認知與表達的象征意義。

盡管虛擬化的替代作用令人不安，目前看來科技本身的巨大潛力仍然有相當樂觀的未來，畢竟虛擬化與數字化可能關聯到新的生產方式、新的購買途徑，和新的交互界面。用時尚數字化的先行者、Burberry前任CEO和創意總監Christopher Bailey的話來說，“未來我們將會像回顧工業革命一樣回看當下的時代，我們的生活正發生前所未有的變化。”