琵琶教學之所感
——以基本功教學、訓練為例

黎 蕓

（武漢音樂學院中國器樂系,湖北武漢 430060）

琵琶學習過程中，有很多方面的難點，在學習的階段中，也會根據時期的不同，遇到各種瓶頸，如何更好地跨越自己的瓶頸，在教學中我有了自己的一些思考與感悟。啟蒙教學中，基本功教學尤為重要，啟蒙基礎的規范與完善，讓后期的學習與上升空間更事半功倍。在基本功的學習和練習中，由于練習過程的重復性與枯燥性，容易造成學生內心打退堂鼓，能夠專心要求自我的，堅持練習的，是非常不容易的，那么在學習的過程中，我們應該如何提高練習的效率，以及提升學生的自信心，高效的練習方式，是提高學生自信很重要的條件。后期，就是樂感的培養，二度創作的演繹，怎樣才能靈活地將自己所學，展示在樂曲的學習過程中，音樂的學習，無非是在技術加上音樂，在技術手段的支撐下，才能更好準確地表達演奏者內心的音樂思考與想法，情緒的推動才會流暢自如，那么后期音樂的高度，就需要演奏者，有思考、有想法、有自我的音樂設計，才能夠讓音樂的演奏，在理性的設計框架內，來完成感性情緒的演繹，看這樣才可以有一個比較合理且合適的音樂呈現出來。

一、基本功學習中效率問題

本文從以下幾個方面著手，探討一下基本功學習過程中，筆者認為比較重要的幾個點。

（一）訓練的有效性

琵琶的學習中，筆者將之分為三個部分，1.聽覺訓練；2.技術演奏訓練；3.審美訓練。

1.聽覺訓練

音樂的學習中，聽覺訓練是十分重要的，檢驗音樂的要求在于，耳朵的傾聽，感受，音色、力度、強弱、呼吸，在音樂中的合理性，音樂的處理，需要用聽覺去辨別，是否音色是否符合樂曲的風格與定性；通過聽力去辨別音樂的張力，是否能夠體現音樂內在情緒的渲染，讓聽眾感受到演奏者內心的波瀾；也需要通過聽覺去感受音樂的呼吸，是否可以引領聽眾走進演奏者的音樂創作的內心世界。聽覺訓練的細節要注意：①音色的色彩差異，虛實的區別，在右手演奏中如何去控制觸弦的深淺以及速度，來描繪音樂中不同層次的語匯，達到精確的演奏；②力度的差異，在演奏中通過聽覺來辨別力度變化的區別，來注意右手在力度控制中，用力過程中，肌肉緊張度與發音瞬間爆發力的表現，準確地表達音樂的張力；③音樂線性與點狀音樂的控制，樂句如何更好地持續性以及流暢的轉換，將點線流暢自如的演繹，除了提高控制力，也要注意找到兩者的差別，學會兩者音色的一個統一與連接處理，才能使音樂的情緒的推動與變化，更為的細膩與豐富，再帶入呼吸的連接，使音樂更完整。

2.技術演奏訓練

演奏中：①左手技法訓練；②右手技法彈挑類技法訓練；③右手技法輪指類技法訓練。訓練過程中，要注重每個技術在演奏中的細節，同時，也要要注意技術訓練的單一性（個性與特色的訓練），也要主要到技術的持久性（共性的訓練），最后，還有技術的變性化（變性訓練）。

首先，單一性訓練，在學習的啟蒙階段，都是由單個音、單個指法開始的，在單個技術的學習過程中，老師會對技術的手型、角度、發音要求、力度等，做具體的指導，那么學生在學習的過程中，需要對此技術做到單一化的，反復的訓練，能夠準確地掌握，每一個音在演奏的時候，是如何自然的流暢的將音傳遞到指尖，需要強調在訓練中，聽覺的訓練應該是同步參與，在聽覺的參與下，才能審視每一個音在演奏中，是否達到老師所要的那個音響效果，根據演奏的松緊、力度、速度、角度的變化，所產生的音色出來的細化的聽覺效果，去準確地判斷單個音之間的來穩定性或者差異性。才可以在共性中找到個性，個性中與體會共性。節奏型的訓練也十分重要，以單拍為單位，單個節奏型的訓練，將每個節奏型都可以在心中熟讀與準確控制，也是單一訓練的關鍵，為樂曲的學習與演奏做好準備。

其次，持久性訓練，也就是耐力訓練，在基本功訓練中，除了單個音演奏的色彩要求外，連續性的演奏，也是音樂中線性旋律的演繹，可以將音樂的韻律歌唱出來，將音與音連接起來，做成一句完成的語句，表達一個完整的意思。在單音訓練的基礎上，我們要加以對單音在倍數上，關聯性訓練上，加以輔助，同時在單個音的訓練中，加入持續性的同一節奏性、演奏方式的訓練，提升技術中耐力以及平衡性、穩定性的掌握，讓音樂在線性旋律的表現中，可以連貫和流暢，展現音樂語氣語態的完整性的表現。

最后，變化性訓練，樂曲中的演奏，都是節奏性的搭配不同，產生的一定的規律式的連接，從而展示音樂內部不同的節奏，那么，變化式的訓練就是得清晰掌握不同節奏中的規律與關聯，在一定的節奏內，快速的反應與轉換，從而展示音樂的流暢性。在單一節奏型的訓練基礎上，又要注意單一節奏性持續性的練習，掌握每個單拍節奏在規律內如何穩定的表現節奏的律動，體現音樂內部的律動感。同時，也需要注意不同節奏性的連接與組合式的持續訓練，掌握不同節奏性中，演奏技術速度、力度、緊張的變化的差異，能夠準確的轉換，且在平均的節奏內，流暢的轉換。

3.審美訓練

在音樂學習的過程中，除了技術的完善訓練以外，提高自我的修養，增加審美的要求與高度，能夠促使學習更好地達到一個高度。音樂的審美存在幾個方面：①多聽多看，現在這個學習的環境，越來越便捷，能夠隨時隨地觀賞和學習不同演奏者的視頻或者音樂會，通過觀看與傾聽，來學會如何正確地審視不同的音樂的好壞與風格。②多讀書，各個方面的書籍，都可以提升我們對音樂內深度上的追求，拓寬在音樂情緒思維上多維度的展現，情緒與音樂想象力的創造不單一化。③加強藝術實踐，通過舞臺的展示，找到自己的問題，更有效的解決問題，實踐是最好檢驗學習過程的一個有效的途徑，在舞臺上可以展示優點的同時，也會無限放大練習中所出現的不足，讓自己更準確地了解自己，也是進步非常重要的手段。

（二）訓練方法的多樣性

1.個人訓練：是指在訓練中，以單個形式，加以訓練，通過不斷地重復性的訓練，來增加頭腦的反應度，記憶里的培養，其次增加手指之間相互配合的靈活度的訓練，加深手指肌肉的記憶，使演奏的指尖速度更統一，更加流暢。在訓練中，一定要注意，一定是由大腦來支配手的演奏，左手來引領右手的配合方式，這樣的訓練才會是心手相通，切不可制作純手指的訓練，無大腦思考過后的手指演奏，很容易無章法與要求，隨機性太強。

2.多人訓練：也就是我們常說的，大家一起來完成個體訓練時候的要求，結伴完成基本功訓練的時候，可以激發大家相互比拼的一份心，那么在練習的過程中，堅持性會比一個人訓練更好，也可以在一起訓練時，相互檢驗對方的問題，或者找到自身的差距，達到單一性訓練中，更清晰的感受手指指尖的發音速度、力度的準確控制要求，同步可以提升在演奏時，對聽覺審美，細節的把控與要求，做到精致化、細節化。多人訓練中，還有多聲部配合訓練，將不同的節奏、音高、旋律等，交叉配合訓練，與重奏、合奏、組合、樂隊訓練形式類似，是小型的合作形式，為后期配合式音樂，做一個基礎性的訓練，每個人在完成自己的旋律節奏同時，還需要與肢體相互的配合，擰成一股繩，將音樂融合成一個完整的樂曲，才能更準確把自己的想法傳遞給配合的另一個聲部肢體，準確地找到自己所需要的節奏律動，旋律承接的關系，也就可以提升學生的多聲部，多層次的聽覺感受。

小結：訓練的方式，主要成單人和多人兩種主要形式，通過不同的兩種訓練方式，更全面的解決學習中出現的不完善的地方，相互促進式、鼓勵式的學習，能夠更好地“一帶一”形式的共同進步。

（三）二度創作與舞臺表現

1.二度創作：很多文章都研究了演奏中的二度創作，音樂是如何表現和演繹的。那么我認為二度創作的能力，基于演奏者學習過程中，積攢了多少文化涵養以及技術上多少演奏的手段，而且二度創作，應該是在了解原作者所需要的音樂內容，了解作者內心表達的方式，在原有的基礎上，做一些，演奏者不同的審美視角的演繹，所以，我認為二度創作只要在不背離作者設定的原有音色、情感、風格、色彩等基礎上，做自己對于樂曲反射在自身演繹中的感受，通過演奏者的語氣、語態、思維模式等表達方式呈現出來，至于采用何種琵琶的技法，或者何種強度，筆者認為，只要是能夠貼合音樂本體的設計，都是合理的創作。

2.舞臺表現：在現在的舞臺審美中，臺風已經是非常重要的音樂表達內容之一，舞臺表現，應該在學習的過程中，就循序漸進的滲透，不是到了所謂的演出，比賽的時候，加一些所謂的動作設計而成，筆者認為所有的舞臺上呈現的動作，都應該基于音樂的演奏本身，肢體的演繹，都應該和音樂的強弱、深淺、濃淡、音樂內容的展示相匹配，例如，力度強的地方，肢體的運用可以放大些，同時也更利于演奏音樂力度和情緒的張力，這樣表演+實際音量是對等的，那么這樣的舞臺表現，才更真實，更讓聽眾感受到演奏者內心的情感表達。

筆者認為，在琵琶學習的過程中，路漫漫其修遠兮，只要能夠扎扎實實的打好基礎，把學習過程中的所有內容都細致化，才可以將音樂更自如的演奏出來，做好基本功的訓練，是學習過程中必不可少的，也是不可丟失的，基本功學習，也切不可淺顯的認為的你技術的形態的學習，更多的是技術的各項原理的學習與運用，理論與實踐需要并行。同時，音樂的演繹，絕不是一成不變的，要能夠學會音樂的多元化處理，將技術的學習，不要過于單一化，除了平均的訓練，也要重視變化的重要性，音樂的情緒，是需要變化才可以完成的。筆者認為學習的過程是學習——認知——實踐——檢驗——再實踐——再檢驗不斷地循環往復，從而精益求精，提升對自己演繹音樂的審美高度，與聽覺需求的高度，有目標的訓練和要求自我，才可以更好地去演繹完整的音樂，講述屬于你的音樂小故事。