影視藝術與經典音樂：張力結構中的雅俗相對論及啟示

汪聞遠

一、“周鼎”的啟示與問題的提出

魯迅曾在《“題未定”草（六至九）》中講述了這樣一個故事[1]。一個土財主，為追求風雅，購買了一只花紋斑駁、古香古色的周鼎，但沒過幾天，他便讓一個銅匠把這鼎周身的銅綠擦得干干凈凈。擦拭過后，通體光亮的古銅器被擺在客廳中供來客們品評，“雅士”們無不嘲笑這種翻新古物的做法，魯迅聽聞，起初也“吃驚”“失笑”，但“接著就變成肅然，好像得到了一種啟示”。經過沉思后的魯迅看到了一座更為真實的周鼎，在屬于它的那個時代煥發出了“熱烈”的光彩。

用這則充滿辯證哲思的小故事，來審視存在于影視藝術中的經典音樂頗為恰切。在當下觀眾眼中，中西方經典音樂歷史久遠，如同那個土財主買來的古舊周鼎，只可遠觀、不可褻玩。僅適用于音樂廳中，正裝筆挺地端坐聆聽，缺少現代色彩與娛樂趣味。這一審美壁壘似乎拉遠了經典與今人間的距離。但在歷史上，真實的經典音樂創作者并非如今日所視那般不可貼近，為了贏得聽眾的喜愛，他們也曾努力創作屬于那個時代的音樂流行時尚，經典音樂的魂靈活躍在那個時代，與那個時代的人們緊密貼合。而眼下的“經典”，正是當時的“流行”。

魯迅得到的“啟示”在于，周鼎在屬于它的那個時代所煥發出的光彩，才是對它最為切實的解讀。回到過去儼然不可能，如何擦亮經典音樂這尊“周鼎”，接通跨越時代的審美旨趣，讓人們看到經典音樂在今日的新貌，這是一個值得深入探討的藝術哲學論題。因為幾乎一切的流行時潮都會沉淀為平靜的深海，昨日的時尚會被奉為今日的“傳統”。雅俗之間究竟存在著怎樣的交互關系和哲學意義上的相對性？關于這一問題，影視藝術與經典音樂的結合似乎給人們帶來了更為寬泛的思考空間。

在無聲電影時代，西方古典音樂就以聽覺陪襯的形象出現在電影作品之中。19 世紀末期，由盧米埃爾兄弟所執導的紀錄電影《火車進站》，用典雅的音樂旋律替代火車汽笛聲，與火車進站的畫面相配合，開辟了音畫相融的創作新途徑。此后，西方古典音樂便時常出現在無聲電影的視聽空間之中，成為動態畫面的一種同步性陪襯。到了有聲電影時代，電影藝術對于配樂的要求進一步提升，對西方古典音樂的運用方式也不再是單純地直接搬用，而是將其視為與故事整體結構、畫面視覺形象等元素并存的重要部分。配樂與故事情節、鏡頭畫面緊密融合，既產生一定的烘托效果，又不會在聽覺上對畫面的主體陳述形成干擾，這時的配樂已然成為電影作品中不可或缺的輔助成分。伴隨著創作技術的提升，眾多運用西方古典音樂作為敘事元素的電影作品也不斷涌現，從較早的《野玫瑰之戀》《2001太空漫游》《現代啟示錄》，到《教父3》《肖申克的救贖》《我的野蠻女友》《飛屋環游記》《精武風云》等等。越來越多的觀眾通過對電影作品的觀賞，接觸到西方古典音樂，并開始對古典音樂作曲家有了新的認識和熱愛。這種經典音樂作品與大眾藝術相結合所產生的審美推廣效應，不僅能增強電影作品的觀賞性，還為拓寬經典音樂的欣賞群體起到了一定的推動作用。在影音成功結合的基礎之上，電視傳媒行業緊隨其后，時至今日，中西方經典音樂，作為一種特殊的傳統文化載體，已然滲入影視傳媒領域的各個角落，成為電影、電視作品傳播過程中不可或缺的部分。同時，觀眾群體龐大的影視作品，發揮出了音樂廳、劇場難以企及的傳播效果。以這種表、導、演相結合的綜合藝術樣態為載體，經典音樂在其中通過多樣化的藝術創作手法，成功融入現實元素之中，改變了它的聽覺效果與傳播樣態，最終展現出新的光彩。

二、在“經典”與“大眾”的張力關系中“擦亮”經典的生命

美國當代音樂學家勞倫斯·克拉默（Lawrence Kramer），曾經在他的著作《為什么古典音樂仍然重要》中提出，“在表演過程中不發生變化的作品是將死之物，而不曾傳遞作品中永恒意蘊的表演也是沒有生命的。”[2]克拉默認為任何經典化了的作品，要延續它的生命，都需要不斷地在表演過程中實現對自身的超越和轉化。克拉默站在人類表演領域的高度審視西方古典藝術的立場值得肯定，他甚至反對將西方古典音樂從大眾文化中分離出來，反對對藝術形態做高雅或低俗的界定。他認為電影、戲劇等多種藝術樣態，會使音樂脫離樂譜的局限，與當下的生活發生更多的關聯，進而獲得新的生機。可以說，克拉默的觀點在后世影視創作領域得到了某種程度的體現。

電影《時光倒流七十年》

影視作品中的一切音樂旋律都有其特定的語義功能，它們指向敘事中的人物關系、時間、場景等具體因素，音樂與鏡頭之間通過平行、對位、同步等藝術手法產生烘托或反襯的藝術效果。早期的影視創作更多是采用音畫同步的創作方式，借用西方古典音樂來解說故事內容，依靠影視藝術視覺語言強大的敘事能力，使音樂經典重新進入大眾的文化視域中。如在愛情電影《時光倒流七十年》中，浪漫主義華章《帕格尼尼主題狂想曲第十八變奏》經過無數次變奏、重復等方式，流淌于影迷的感官世界之中，成為整部影片配樂的核心素材，提升了整部影視作品的審美格調，增強了鏡頭畫面的可視性效果。俄羅斯裔美籍作曲家拉赫瑪尼諾夫1934 年完成這部音樂作品時，已經離開俄羅斯近20 年時間，世界樂壇的流行風潮已然轉向了破除傳統音樂法則的“新音樂”潮流之中，使這首堅持俄羅斯浪漫主義傳統的樂曲，成為落寞的夕陽余暉。但在影片中，當主人公夢回青春年少，重遇自己七十年前的那段浪漫戀情，《帕格尼尼主題狂想曲第十八變奏》憑借其蕩氣回腸的恢弘流韻，烘托出主人公穿越時空的傾心愛戀。音畫交織間，時空倒錯的張力感染著觀者，這部俄羅斯浪漫主義最后的華章，其所蘊藏的創作者對時間流逝的無限慨嘆、獨特的憂郁氣質，也在時光流轉的影像演繹中，通過電影這種大眾藝術形態撼動著觀影者的心靈。浪漫主義藝術傳統與穿越題材的跨時空重逢，不僅預示著不同時空中男女主角的情感搭建，也象征著西方古典音樂的一場穿越儀式，借助纏綿悱惻的愛情實現與另一個時代大眾的心靈交互，構建出別樣的音畫氛圍，于傳統與現實之間構造出立體、多維的審美感官世界。另一部借助屏幕藝術獲得新生的西方古典音樂作品，出現在科幻電影《2001 太空漫游》之中。在這部科幻電影的開篇，德國作曲家理查·施特勞斯的交響詩《查拉圖斯特拉如是說》緩緩奏響，管風琴音樂的宏大壯闊為日月群星的畫面浮現營造出極為震撼的聽覺氛圍。這部根據尼采同名小說改編而成的音樂作品，蘊藏著尼采超人哲學的深厚意味，為這部太空科幻題材電影賦予了更為豐厚的藝術哲思；與此同時，影視語言直觀化的審美特質，讓觀眾對這部哲學意味深厚的交響詩作品產生了新的審美想象，二者相互映襯，迸發出新的藝術生命力。在這些成功的藝術作品中，創作者通過對音樂、鏡頭之間的內蘊把握，將能夠產生相互渲染、烘托效果的旋律與鏡頭畫面相互結合。如此一來，悠久的音樂旋律并未因時光的變遷而褪色，反而在與大眾藝術作品共舞的過程中煥發出新的光彩。

除上述提到的俄羅斯、德國作曲家的西方古典音樂作品外，捷克作曲家德沃夏克的《自新大陸》交響曲，也借助中國第一部境外拍攝劇《北京人在紐約》等影視作品，以新的樣態呈現于大眾視野之中。電視劇《北京人在紐約》完成于20 世紀末，講述了北京人在異國他鄉拼搏奮斗的故事。經歷諸多波折，赴美淘金成功的大提琴手王啟明，在音樂廳中與其他樂手一同演奏捷克作曲家德沃夏克的e 小調第九交響曲《自新大陸》（From The New World）。這首樂曲是德沃夏克1892 年登上美利堅土地之初創作的交響曲，當時美國歷史文化的根基短淺，急需一部代表自身音樂文化特色的交響樂作品，于是《自新大陸》呼之欲出。影片中，在“新大陸”小有成就的王啟明，一邊演奏著百年前這部具有開拓意義的“美利堅交響曲”，一邊回想著自己在這片“新大陸”上的奮斗歷程。劇中人的人生歷程與曲中內容的交相輝映，深化了影視作品的創作主題，以更為細膩的藝術手法烘托出了人物的內心變化。百年前初登美洲大陸的德沃夏克和他的《自新大陸》，成為王啟明在這片土地上自我奮斗的藝術注腳；百年后王啟明重新奏響這部作品，賦予這部交響樂以后世生命，使它在跨越時代的藝術場景中，迸發出新的感染力。

如果說音畫同步的創作方式，在運用音樂律動解說故事內容的同時，讓經典音樂作品在與大眾藝術相互對話的張力結構中獲得新的生機，進而佐證了克拉默的觀點，那么音畫對位的創作方式，則進一步拓寬了“經典”與“大眾”在這種張力結構中的對話空間，促動了觀眾對于音畫的立體感官享受。與“音畫同步”用音樂來解說故事內容不盡相同，“音畫對位”更多地運用音畫之間存在的巨大差異形成感官反差，從而調動觀眾的情緒，深化他們對影片主題的理解。以影片《2001 太空漫游》為例，音畫對位的創作手法在這部影片中得到了創造性運用。奧地利作曲家小約翰·施特勞斯的作品《藍色多瑙河》，演繹出美麗的多瑙河旁，春天的氣息爽朗而明快，鮮花吐露芬芳，鳥兒歌喉婉轉，一派生機勃勃景象。當這首樂曲伴隨著漂浮的太空飛行器一同出現在空曠寂靜的外太空場景時，原本詭異莫測的宇宙空間忽然變得優雅迷人、生意盎然，華爾茲節奏律動的獨特魅力消散了迷幻空間中的恐懼感，帶來溫暖、明亮的審美體驗。導演庫布里克就此開創出一種獨特的科幻電影音畫美學，這種音畫設計方式迥異于此前用詭異、伶俐的電子合成音樂為外太空漫游配樂的編創思路，在色彩明麗的《藍色多瑙河》與深邃沉郁的宇宙空間共同構造的張力空間中，人們面對未知宇宙時顯得不再恐懼、不安，而是優雅而自信。雅致的“經典”與神秘的“未來”，這種意料之外、情理之中的反差和對抗，改變了人們對于“歷史”與“未來”的認知，使“經典”在現代影視作品中更加奪目，“未來”在今日不再奇異而遙不可及。與借助尼采的超人哲學來烘托太空的浩渺與震撼的交響詩作品——《查拉圖斯特拉如是說》這種音畫同步的創作方式相比，《藍色多瑙河》因對比而形成的藝術“間離感”，具有更強的戲劇張力，容易喚起受眾強烈的心理反應，同時可以產生“傳統”的新生和大眾題材科幻類型片動人心魄的“經典化”效果。

這種發生在電影藝術領域的“經典”與“大眾”的雅俗轉化，進一步印證了克拉默的觀點，即藝術領域的雅俗問題是變動不居和相對的，沒有純粹的雅俗之別。作品的“經典化”意味著某種終結，要延續它的藝術生命，需要在表演過程中“擦亮”它，實現對它的再解讀和再闡釋。

在音畫對位間對經典作品進行再釋義的另一個代表性案例，是弗蘭克·德拉邦特執導的《肖申克的救贖》。重提這部經典影片的原因在于它以獨特的電影語匯，引導今天的人們立足于當下去審視經典音樂的豐富內涵，進而推動經典音樂作品的重生。影片中，被囚禁在肖申克監獄中的男主角安迪，堅持不懈地花了六年時間寫信請求州政府為重建監獄圖書館提供資助，最終得到了200 美金、一些唱片資料和一部舊留聲機。他懷著復雜的心情挑出一本唱片，用留聲機通過監獄廣播向獄友們播放歌劇《費加羅的婚禮》。將自己反鎖在廣播室中的安迪，全然不顧監獄長在門外的嘶吼和警告，在這一刻，他和他的獄友們一同沉浸在莫扎特經典詠嘆調《微風輕輕吹拂的時光》之中，被音樂流露出的天真與樂觀所感染，在制度森嚴、黑暗壓抑的監獄高墻之內看到了自我救贖的希望。在封閉的獄墻和富于意趣的喜歌劇音樂片段之間，束縛與反束縛的斗爭愈發加劇，一種打破既有平衡的戲劇性動勢在音畫的巨大反差中涌動。最終，不肯服從肖申克體制化管束的安迪，穿過自己花費20 年時間挖通的隧道，重獲自由，再獲新生。具有強烈喜劇效果和明快幽默藝術風格的莫扎特喜歌劇音樂作品《費加羅的婚禮》，經過影視鏡頭音畫對位張力結構的滌蕩，被賦予了當代語境中突破制度化束縛的新的音樂力量，經典音樂成為召喚當下觀眾突破心靈捆綁的精神力量，在流淌的詠嘆調旋律中散發出別樣的光芒。

近年來，一些樂團和演出機構經常會借用《肖申克的救贖》來推廣這部莫扎特的經典歌劇，用于解讀傳統敘事如何突破體制化束縛進而轉換為當代自由精神的文化闡釋，接通經典音樂作品與當代大眾之間的心靈交流。“工作的朝九晚五，生活的重復無聊，缺乏學習的欲望，不能忍受與自己相左的觀點”，即便當代人沒有陷入肖申克的牢獄之中，但“當出現這些狀況，還能說自己沒被體制化嗎？”“忙著追名逐利的你，停下來想一秒：你的大腦是不是已經被體制化了？你的上帝在哪里？”[3]這部完成于1786 年的歌劇音樂作品，某種程度上成為讓當代大眾在體制化規約中獲得精神“救贖”的革命性力量，人們找到了數百年之后再次聆聽《費加羅的婚禮》的現實意義。這首缺乏現代審美旨趣的古老樂曲，因為一部影片重獲打動人心的力量，其藝術生命在音畫對位的張力結構中被重燃、被“擦亮”。

三、互文中的雅俗相對論及啟示

這種通過音畫的張力結構來突出劇情、重新詮釋經典音樂作品的創作手法，在一些暴力恐怖影視場景中也時常出現。例如在斯坦利·庫布里克執導的電影《發條橙》中，主人公阿萊克斯是一個殘暴的問題青年，同時也狂熱地喜愛貝多芬的音樂作品。影片中頗具黑色幽默意味的是，當他毆打老人，對同伴施暴的時候，總有美好而莊嚴的音樂旋律反襯粗鄙、丑陋的人性之惡。貝多芬的《第九交響曲》成為男主角意欲行惡的標志性音效。影片中庫布里克還對貝多芬《第九交響曲》的第二、四樂章進行了改編，加入大量的電子音樂聲效，神圣莊嚴、鏗鏘有力的曲調變得詭異荒誕，直擊主人公內心世界。這種音畫反差效應不僅能引起觀眾的審美反思，還拓寬了影視作品配樂的創作路徑。在以越南戰爭為創作背景的影片《現代啟示錄》中，當美軍戰機瘋狂轟炸越南領土時，瓦格納長篇歌劇《尼伯龍根的指環》中的經典樂章《女武神的騎行》雄壯奏響，這首史詩化、英雄化和宗教化音樂作品的呈現，讓人們在萌生對神靈無限敬仰之情的同時，反觀戰爭中人性的復雜與險惡。再如恐怖電影《萬圣節10》，創作者用以伴隨血腥手術場景的旋律配樂來自莫扎特《G 大調弦樂小樂曲》的第一樂章《Eine kleine Nachtmusik》，這是一首充滿真摯而輕快的淳樸曲調，弦樂器自身具有的溫暖、深邃的聽覺特性，與影視畫面中的恐怖、暴力對比鮮明，刺激著觀影者的內心，滋生出別樣的審美感受。

藝術學理論、藝術美學等諸多領域都曾對藝術創作的目的與藝術作品所追求的審美效果做出過判定。藝術美，正因其多樣化的存在形態而富有魅力。反差、間離、對比、烘托，這些或具有現實美感、或極富藝術“丑”態的創作因素，在對抗、交融、平行中獲得了新生。古典音樂與暴力美學相結合的影視創作嘗試，滲透出濃重的黑色幽默式的反思意味，通過無限的審美張力結構擴展，增強了電影作品的戲劇性，達到更深切地喚起觀眾心靈共鳴的觀影效果。

歷史上的一些音樂作品之所以被奉為“經典”，是因為它們是在不同時代眾多音樂家創作的音樂作品基礎上，經過時間淘洗沉淀下來的典范之作。作為藝術經典的現實存在，西方古典音樂始終是歷代學者研究目光的聚焦之地。例如當代音樂學家查爾斯·羅森（Charles Rosen）那本《古典風格：海頓、莫扎特、貝多芬》（1971），就曾掀起學界對“古典風格”的探討。他在對幾位古典音樂大師諸多作品進行音樂釋義的基礎上提出，“古典風格即是音樂的所有因素——動機、線條、調性、和聲、節奏、分句、織體、音型法、力度等等——最完美（因而‘古典’）的均衡狀態”[4]。這也決定了演奏者不能在演奏西方古典音樂過程中隨意重組、改變、修飾音樂，而應遵循樂譜的安排。影視藝術以其獨特的蒙太奇表演特性為古老的、沉睡的音符帶來了變革的力量。無論音畫同步還是音畫對位，經典音樂作品與大眾影視藝術表演形態的結合與并置，告訴人們西方古典音樂作品語義的豐富性并不取決于其音樂架構的完整性，相反，這種片段式、縮影式的音畫重組，為經典作品注入了新的審美價值。在這個過程中，雅俗之間發生了奇妙的互文性轉換，一首本來難以進入當代大眾視野的西方古典名曲，因其與影片人物命運的跨時空對話，令觀影者不由動容；某些模式化、類型化的影視敘事，在融入音樂作品的聽覺片段之后，產生了彌合虛構與現實、傳統與當下的完形心理動勢，使影視表演更具戲劇性色彩。

雅俗就在這一互文性對話的過程中實現相互轉化和平權，庫布里克在《2001 太空漫游》中對圓舞曲作品《藍色多瑙河》的對位式塑造，成為電影史上音畫設計的經典案例，一種新的模式應運而生并不斷得到傳承。可見，世間并無純粹的雅俗之別，“改變”才是唯一“不變”的力量，而傳統與現代的對話所形成的“張力”結構，則為經典作品帶來了擺脫時空局限的新生動力。于經典與大眾的張力結構中審視雅俗的互文關系，是一種有效的藝術審美法則，對中國當代藝術創作有不可忽略的啟示價值。

在中國藝術學、美學等學科領域中，對雅俗二者關系、經典與現代相互轉化模式的探討從未停歇，人們聚焦于中國古典文化精髓《詩經》中“風”“雅”“頌”孰雅孰俗的辯論之中，也致力于探究“俗樂”與“雅樂”之間的相互轉化。對藝術傳統的挖掘、傳承和再使用，始終存在于現代中國藝術創作的各個領域之中。就中國傳統音樂領域而言，經過上世紀中期的搶救、挖掘，上世紀后半葉的保護、整理、傳承以及近年來的推廣傳播，大批經典傳統音樂作品得以重現，專家學者通過學術研究結合教育實踐的方法模式，為中國廣袤的音樂文化土壤提供了良好的再生空間。為了讓這些經典作品在時光的淘洗中重新綻放光芒，中國影視人做出了巨大的貢獻。2005 年，民族題材愛情喜劇電影《花腰新娘》，開篇處使用了彝族歌手李懷秀演唱的原生態民歌“海菜腔”，以最為直觀的藝術展現手法點明電影的敘事主體，展示出彝族民眾樸素的生存狀態，歌聲空靈而甜美，讓封塵已久的地方傳統音樂重見天日，響應了音樂學領域所提出的以活態傳承方式推廣傳播非物質文化遺產的號召。再如影片《臥虎藏龍》的伴奏音樂，從被譽為“東方小夜曲”的云南民歌《小河淌水》中汲取創作給養，以民族特有的音響律動來刻畫女主角形象，時而溫婉清麗時而變幻莫測的改編曲調與電影故事情節相互依托，充分調動觀眾的審美感官，促使其積極參與到影片當中，該影片走向國際的文化輸出模式，也為中國少數民族文化的海外傳播做出了貢獻。還有1987 年在張藝謀執導的《紅高粱》中，作曲家趙季平根據河南民歌《抬花轎》改編而成的《顛轎曲》，配合影片中西北地區獨特的娶親接妻儀式，烘托了地域性婚俗儀式的氛圍，起到傳播民族音樂和民俗文化、重燃民間音樂當代藝術生命力的關鍵性作用。

上述例證大多對中國傳統音樂的經典作品進行了符合影片敘事需求的改編和再創作，一定程度上延續了音樂作品的后世生命。這些音樂在影視作品中更多是作為體驗性和描繪性的背景音樂出現，以音畫同步的方式起到營造影片氛圍的作用。這種手法雖然能提高畫面與音樂的匹配度，但由于采用此類傳統音樂的影視作品大多以民族或傳統題材為主，音畫間往往因為趨于同質而難以體現出必要的張力，因而戲劇性沖突并不顯著，難以達到上文提到的雅俗相互轉化的互文效果。在這方面，頗具巧思的例證乃屬影片《紅高粱》。當《顛轎曲》再次出現于鄉親們與日本軍隊的復仇之戰中，此時這首曲子不再是婚慶禮俗的烘托之物，而是彰顯民眾豪氣肝膽、民族大義的進行曲。雖然影片題材較為傳統，但這種聲畫對位藝術構思的介入，極大地拓展了故事的張力結構，也在某種程度上“擦亮”了傳統音樂的精神。2014 年由導演鄭曉龍改編的同名電視劇中，編創者進一步提升了音畫設計的專業創作高度，單就以陜北民歌作為創作基礎的片尾曲《九兒》而言，富有民族特色的旋律不僅成為女主人公形象的音樂化解讀，更成為烘托、反襯影視鏡頭的有力素材，畫面中女主人公慷慨赴死，面對日軍的圍困坦然地打破酒壇，點燃大火，無畏生死保護他人的壯烈形象與音樂旋律形成巨大反差，強烈的視聽沖擊在音畫的對抗張力中迸發，成為整部影視作品的點睛之筆。

四、結語

近年來，蓬勃發展的中國影視行業為藝術領域帶來了巨大的活力，文化傳承與現代元素的結合總是在雅與俗、經典與流行之間尋求著“接通”的契機。對中國影視創作與中國傳統音樂而言，“雅俗相對論”所產生的哲學啟示，鼓舞著創作者跳出固有的思維定式，尋求傳統與當代相互對話的可能，跳出陳舊的音畫模式、擺脫既有的藝術思維，不斷拓展影視作品的藝術張力。如何在更廣泛的影視題材中運用經典音樂？如何在傳統與當代的對話中凸顯拓展作品的張力空間？這是經典與大眾張力結構中的雅俗相對論留給我們亟待解答的問題。將周鼎“擦亮”既需要創作者的智慧與膽識，也需要不同藝術門類的有效碰撞。

本文系天津市教育科學規劃課題“多元化‘接通’背景下的高校音樂教育發展探究”（EIE220143）的研究成果。

注釋：

[1]張夢陽：《魯迅全傳·苦魂三部曲·懷霜夜》，華文出版社，2016年版。

[2]K ramer,Lawrence.W hyC lassicalM usicS tillM atters[M ].B erkely:U niversityofC aliforniaPress,2007.

[3]西安高大尚.肖申克向往的《費加羅的婚禮》,感動幾億人的救贖[EB/O L].https://www.sohu.com/a/121433490_355334,2022-10-28.

[4][美]約瑟夫·克爾曼著：《沉思音樂：挑戰音樂學》，朱丹丹、湯亞汀譯，人民音樂出版社，2008年版。