中國畫中的色彩研究

◎鐘妍婷 吳丹

中國畫作為本土繪畫，凝練著豐富的文化傳統和獨特的藝術風格。中國畫在古代稱為“丹青”，“丹”和“青”分別指朱砂，石青或石綠，體現了繪畫顏料與其一脈相承的屬性。中國畫中的色彩在經過繼承、發展、創造的漫長過程中，已經形成了強烈鮮明的審美特征，傳達出象征性、裝飾性、寫意性的文化內涵。

一、中國畫中色彩的發展歷程

（一）中國畫的繪畫顏料

傳統的中國畫以水墨為主流，輔之以色，“色”包括礦物色和植物色，區別于西洋畫的光色，這是由于中國畫中使用的繪畫顏料有其自身特性。中國畫顏料重在提煉，淡色追求清且薄，重色著于古樸、渾厚，相較于西洋畫中的光色更加純凈、持久且不易褪色，穩定性強。國畫顏料包括礦物質顏料和植物性顏料。礦物質顏料又稱為“石色”，質地表現為粉狀感，純厚非透明狀，沉著且有厚度，漂亮而又不顯得煙火氣，如赭石、石青、石綠等；植物性顏料也稱作“水色”，透明且具有可變性，可與水調和且與墨協調，較石色穩定性稍差，如花青、藤黃、胭脂等。

（二）中國畫用色的發展歷程

中國畫作為具有民族特色的繪畫形式，其色彩的風格演變、發展歷程深受中國畫畫種的影響并表現為一種伴生的關系。中國畫的色彩體系十分雅致且絢爛多姿，根據繪畫題材，中國畫大致可分為人物畫、山水畫、花鳥畫三大類。

人物畫的出現率先拉開了中國畫的序幕。東晉顧愷之的《洛神賦圖》和《女史箴圖》是現存最早的人物獨幅畫，畫面中運用赭石、草綠、胭脂、朱、黃、白等顏色，色彩非常豐富，“隨類賦彩”雛形已然可見。唐代是中國人物畫發展的頂峰，出現了許多具有代表性的作品，如周昉的《簪花仕女圖》、閻立本的《步輦圖》、張萱的《虢國夫人游春圖》等，這些作品呈現出相當成熟的人物造型和繪畫技巧，色彩及風格愈加豐富，設色講究“濃艷而不俗氣、飽滿且柔和”；吳道子充分利用植物性顏料和墨相協調的特點，成就了“淡墨薄彩”的藝術風格。宋代文人畫畫風盛行，畫家更加注重個人的情感表達和境界抒發，如南宋畫家梁楷筆下的“簡筆畫”人物形象，用肆意瀟灑般的潑墨筆法來替代線條和色彩，一幅幅簡略閑逸之美的作品流傳至今。

山水畫的起源晚于人物畫并從人物畫的背景中脫離出來，作為獨立的畫種立足于中國繪畫。《游春圖》（局部）是最早的山水畫作品，出自隋代展子虔，該作品采取線條勾勒和重彩賦色相結合的方式，可見山水畫的發展是從工筆重彩開始的。（如圖1）到了五代，繪畫者更加重視陶冶情操，伴隨色彩運用上發生的變化，表現出“淺絳”和“水墨”兩種繪畫形式的“清淡”山水寫意畫。此外，水墨山水畫在中國繪畫史上熠熠生輝并一時成為繪畫主流，究其原因與中國文人畫占主要地位息息相關。

圖1 展子虔《游春圖》（局部）

花鳥畫作為傳統中國畫之一，首先要從“皇家富貴，徐熙野逸”談起。“皇家富貴，徐熙野逸”指的是兩種繪畫風格。前者指的是五代黃荃的畫風，黃荃作為宮廷畫師，善用勾線與重彩相結合的設色方法；后者是徐熙作為民間畫家的繪畫風格——粗筆濃墨、略施淡彩。宋元文人畫的興起使另一種畫法得以形成——水墨寫意畫，并在此后花鳥畫的發展中得到充分運用，如明朝末年徐渭的潑墨大寫意，清代初期朱耷的水墨沒骨畫，清朝末年“揚州八怪”的水墨畫。

二、中國畫中色彩的審美特征

（一）形式美

色彩所呈現出的形式美在中國畫中占據著重要地位。中國畫創作在暈染、賦色過程中相當講究粗細、濃淡和疏密，而“以墨當彩”和“色墨交融”作為中國畫中色彩的兩種表現方式，不但展現了中國畫中色彩獨特的形式美，同時也使中國畫極具藝術感染力。其一以墨當彩，墨分為濃、淡、干、濕、焦五色，實為以一色蘊萬色，采用單一的墨色；其二色墨交融，墨不礙色，同時又須色中有墨，墨中有色。因此，中國畫往往通過色與墨的調和以及濃淡變化來體現用色遵照艷而不俗、濃中含蘊、色墨相映的原則，進而形成清淡雅致、詩情畫意的格調。

（二）意象美

藝術創作中蘊藏著意象美。在漫長的藝術發展、變革中，中國畫作為極具東方韻味的中國畫色彩藝術，演繹著“意象美”，令人深思、回味無窮。縱觀中國繪畫歷史，從古老巖彩壁畫或彩陶紋樣的古拙色彩，到秦、漢繪畫中設色的渾厚，至魏晉時期繪畫藝術色彩的飄逸，再到盛唐時期設色的鮮艷富麗以及宋代水墨畫的清新淡雅，無不展現出中國畫用色的意象美。傳統中國畫中色彩的意象美是以畫家的情感所引發的心理圖像為立足點，包含“用墨當彩”“用意設色，用色傳意”“墨不礙色、色墨交融”等多種表現形式，呈現出意蘊之美、超越之美、自然之美的審美特征。

“用墨當彩”的本質內涵是“萬色歸一”；“用意設色，用色傳意”欲傳達出中國畫中的意象性用色，需要對事物自身的色彩屬性進行“類型化”“典型性”的高度提煉與概括，從而使其與作畫者個人的情感和審美趣味形成共鳴；“墨不礙色、色墨交融”強調的是畫家的文學修養和哲學浸潤。可見，中國畫用色屬于意象性用色，蘊藏著獨特的意象美。

（三）情感美

在藝術創作中色彩可以傳遞畫家情感，當中國畫畫家在進行繪畫創作時，會不自覺地將內心深處的真情實感注入其中，并通過色彩的視覺性和“情緒”屬性進一步傳遞給觀者，從而搭建起畫家和觀者心靈溝通的橋梁，所以，色彩在中國畫中是非常重要的組成部分。此外，色彩本身自帶情感屬性，人們的生活會因色彩而鮮活豐富，比如畫家如果在畫面中采用紅、黃、橙等暖色調，就會讓觀者在欣賞畫作的過程中感受到愉快和溫暖；灰色代表憂郁，畫家會在發泄憂愁、苦悶的情緒時以灰色為主色調，故在中國畫中色彩具有一種情感美。

三、中國畫中色彩的文化內涵

（一）中國畫中色彩的象征性

二十世紀中期，中國畫在色彩表現上發生了轉變與創新，目的是使創作的作品更加易于被廣大人民群眾所理解，從而形成一種色彩與墨色并重的新面貌，且傾向于強化色彩的直觀表現力，并開始著力嘗試其他畫種中豐富多彩的顏料。由此，水彩色，水粉色，丙烯色這些之前從未出現在中國畫中的顏料，紅、黃、白等明亮度較高的顏色加入畫作當中，并以鮮艷、熱烈的色彩渲染出具有象征性意味的畫面氛圍。色彩所表現出的重要形式便是象征性色彩的運用，這一時期色彩的象征性意味也發揮到了極致，如李可染的《萬山紅遍》和錢松嵒的《紅巖》。

（二）中國畫中色彩的裝飾性

此處所謂的“裝飾性”是指中國繪畫中對于色彩的運用，不是單純意義上對于事物“自然”“固有”色彩的還原，而是改變其“自然”的色相屬性，不受環境色和光源的影響，能夠獨立發揮色彩的作用，由格局、變相、變色組成的一個完整體系。格局是指構圖方面；變相是指形態方面；變色從繪畫顏料來看，其大量選擇礦物質，極少部分選擇植物性顏料，如朱砂、石青、石綠等，這些顏色所具備的共性是不透明，較光色更純，有粉質感，因而顯得沉著而有分量。且這些顏色是從天然礦石中提煉出來的，在日常生活和物色中非常少見，與人們常見的紅、黃、藍、綠差距甚大。這也是國畫不同于油畫、粉畫、水彩畫的原因，它的色彩變化不在于顏色的調和上，而是重在顏色物質自身的提煉上——顏色的混合，色相的變異，在于顏料性質的嚴格選擇、衡量、微差等方面，通過對傳統礦物質顏料進行精心提煉可細分出諸多色相，如石青、石綠便有幾百個色彩品種。

總而言之，中國畫中的色彩不在于取其“自然”“固有”形態，而著意于裝飾形態，正如當代中國畫畫家林若熹言：“任何藝術追求到極致必定產生裝飾，因為最佳狀態感性的呈現需要在造型語言上極致的理性表達，此時達到的理性與感性的平衡狀態即是裝飾性。”從他的畫作（如圖2）中很容易感受到色彩的裝飾性效果，作品中顏色的純度都很高，以紅黃為主色調，加入藍紫色，使畫面形成對比。

圖2 林若熹《好秋》

（三）中國畫中色彩的寫意性

傳統哲學體系中的“五行”理論體系自古以來便深刻地影響著國人的思想，同時也與中國畫的色彩體系有著緊密的聯系——五行即“五色”，所謂“五行”是指“金”“木”“水”“火”“土”，而“白”“青”“黑”“赤”“黃”便是與之相對應的“五色”。在“五色”中就包含了“黑”，墨即黑，故墨也是色彩的一部分。“五行”作為傳統哲學理論體系中的重要哲學思想，一直深刻影響著人們的思想和日常生活，而與之對應形成的，具有中國傳統觀念的五行色彩體系則作為傳統的用色觀念，影響并指導著人們的色彩觀念，因而傳統中國畫的特點在于通過水墨的暈染來表現畫面的立體感，這與西方繪畫中采用色調搭配、顏色的明暗以及純度的調整應用等有著明顯不同。二十世紀初期，以徐悲鴻、林風眠為代表的國畫家踏上了中西藝術融合的艱辛征途，他們開始學習西方的藝術表現手法和色彩理論等。例如，在創作過程中打破傳統的構圖模式，應用正方形結構來組織構圖，既可以讓人感到新奇，同時又能讓整幅畫面呈現出輕松、愉悅的氣氛，再加以色彩與水墨的完美結合，在一定程度上突破了原有的程式化繪畫結構，開辟了中國畫寫意性色彩的運用。當代畫家牛克誠的工筆山水畫（如圖3）呈現出對中國畫色彩新的認知與探索實踐，他從古代青綠山水畫的約定俗成中跳出，改變了傳統中國畫中相對純粹的石綠用法，頗具創造意義地應用大面積的赤赭色系作為鋪墊，再施以局部石綠的分染，這是汲取了西方繪畫中有關互補色、冷暖色在畫面中均衡使用的色彩理念。可見，當代中國畫的色彩語言呈現出豐富性、多樣性，體現著東方哲學的色彩觀。

圖3 牛克誠《綠云春》

四、結語

中國畫是中國藝術瑰寶之一，而色彩作為中國畫中必不可少的繪畫本體元素，對于創新中國畫藝術形式起著至關重要的作用。中國畫中的色彩具有意象美、形式美和情感美，闡釋出象征性、裝飾性和寫意性的文化內涵。因此，在進行中國畫創作時，創作者應根據自身情感和畫面的實際情況，找到適合自己表達意圖的色彩形式，并且合理有效地運用這種色彩形式傳達出畫面的情感和意義。