從色彩到國畫：探究色彩在國畫創作中的應用

李川/四川西南航空職業學院

0 引言

在藝術創作中，色彩是一種強大而豐富的表達工具，它賦予作品生命和情感。它既是藝術家情感意念的載體，也是創作的主要表現手段。色彩的明暗、飽和度和色調等方面的變化可以傳遞出喜怒哀樂、靜謐動感等情緒，從而與觀者產生共鳴，引發共同的情感共鳴和思考。在國畫中，色彩的運用方式和技巧對作品的表現力和藝術效果起著決定性的作用。通過合理地運用色彩對比、層次感和色調的變化，藝術家能夠營造出畫面的空間感知立體感，豐富作品的層次和質感，使作品更加生動、鮮明。本文旨在探究色彩在國畫創作中的應用意義和策略，揭示其對國畫藝術的重要性和影響。通過對融入民間藝術色彩、純度對比的使用、色調的“形式美”以及借助色彩開展創造力訓練等應用策略的探討，我們可以更深入地了解如何運用色彩來創作出精彩紛呈的國畫作品，同時提升我們對國畫藝術的欣賞和理解。

1 色彩概述

1.1 色彩的基本屬性與特點

色彩是由光線通過物體反射、折射、透射等過程產生的感知現象。它由三個基本屬性組成：色相、明度和飽和度。色相是指顏色的種類，如紅、黃、藍等；明度表示顏色的明暗程度；飽和度則表現了顏色的純度與灰度的對比。這些屬性的組合使得色彩具有豐富多樣的表現能力（圖1）。該作品體現了在國畫創作中，色彩的應用通常以淡雅、含蓄的特點為主導，追求自然和諧的色調，如崇山峻嶺使用了高雅、令人舒適的墨色。這也體現了傳統國畫注重用墨來表現形態和紋理，色彩往往被較為節制地運用，以使墨色與色彩相得益彰，形成和諧的整體效果。

圖1 《秋山蒼翠圖》

1.2 色彩在國畫中的象征意義

色彩在國畫創作中承載著豐富的象征意義，為作品賦予了深刻的內涵和情感表達。以常見的色彩為例，紅色象征熱情、喜慶和繁榮，黃色寓意富饒和光明，藍色則傳遞著清新、沉靜和寧靜等情感。藝術家可以通過色彩的選擇和運用，創造出符合作品主題和情感表達的視覺效果。在國畫創作中，色彩的運用還與文化和意識形態密切相關。中國傳統文化中有著豐富的色彩象征體系，如五行相生相克的色彩觀念、道家哲學中的色彩理論等，這些觀念對于藝術家在國畫創作中的色彩運用提供了指導和啟示，使得作品更具中國傳統文化的特色。

1.3 色彩在國畫創作中的表現手法

在國畫創作中，色彩的運用手法豐富多樣，藝術家通過巧妙地運用，創造出獨特的視覺效果。其中一種常見的手法是“以墨為主，以色為輔”[1]。這種手法使得墨色成為畫面的主體，而色彩則以輔助的方式點綴其間，增強作品的表現力。另外，國畫創作中常用的色彩手法還包括渲染、淡化、對比等。通過渲染，藝術家可以利用色彩的層次和變化，營造出畫面的空間感和立體感；通過淡化，藝術家可以使色彩更加含蓄、柔和，以增強作品的意境和內涵；而通過對比，藝術家可以利用明暗、色相和飽和度的對比，突出畫面中的重點和表現要素（圖2）。

圖2 《蜀山煙雨潤青城》

2 色彩在國畫創作中的應用意義

2.1 色彩是藝術家情感意念的載體

在中國傳統的國畫藝術中，色彩不僅是構圖的要素，更是情感與意念的載體。與西方繪畫追求形體的真實性、明確的光影對比不同，國畫重視意境的營造和情感的傳遞。色彩在其中起到了至關重要的作用，透過色彩的巧妙搭配與變化，畫家將他的情感、理念和哲學隱喻地融入畫中，使觀者在欣賞時能夠深深地感受到這種情感的傳遞與交流。

在國畫中，色彩的明暗關系對情感表達有著深遠的影響。明亮、鮮艷的色彩往往讓人聯想到春天的新生、夏日的熱烈，散發著生命的活力與喜悅。這種色彩在山水畫中常常用來描繪陽光下的翠峰、流水，給人一種明朗、愉悅的感覺。相反，深沉、暗淡的色彩更多地用于表現秋冬的寂靜、夜色的幽深，或者古老的歷史場景，如破敗的古剎、古道，都能在這種色彩中找到其情感的反映。

飽和度在國畫中也是一個重要的考量因素。高飽和度的色彩，如翠綠、火紅，常常用于描繪春夏的盛景，或者某些重要的節慶，傳遞出濃烈、熱烈的氛圍。而低飽和度的色彩則更多地體現了中國畫中的淡雅與清遠，它們往往用于表現山水之間的遠近、虛實，或是描繪霧、云、雨等自然現象，給人以遙遠、寧靜的意境。

至于色調，國畫中經常采用的都是一些自然、和諧的色調。溫暖的黃、紅色調常用于描繪秋天的景色。而藍、綠色調則更多地出現在描述春夏的畫面中。灰色調在國畫中則常常與古老、靜謐相關。

2.2 色彩是國畫創作的主要表現手段

在國畫創作中，色彩對作品的視覺效果和藝術表現力起著至關重要的作用。通過巧妙地運用色彩的組合、層次和對比等技巧，藝術家能夠創造出豐富多樣、富有張力的畫面。

色彩的組合和搭配能夠創造出豐富的層次感。在國畫創作中，通過合理地運用色彩的明暗變化和層次疊加，能夠營造出畫面的空間感和立體感。明亮的色彩往往在前景部分使用，使物體更加鮮明立體；而暗淡的色彩則常常用于描繪遠處或背景，以制造出遠近的層次感。

色彩對比的運用能夠增強作品的視覺沖擊力。在國畫創作中，通過運用互補色、對比色或明暗對比等方式，藝術家能夠創造出強烈的對比效果，使畫面更具吸引力和張力。增強作品的藝術感染力和觀賞性。

色彩的運用也能夠體現出國畫作品的風格和表現意境。在國畫創作中，藝術家常常通過選擇特定的色彩風格和調性，以營造出獨特的藝術氛圍和情感意境。鮮明的紅色和綠色常常與富有民族特色的民間藝術相聯系，能夠呈現出熱情奔放和朝氣蓬勃的感覺；而素雅的墨色則常常與典雅、含蓄的意境相契合，能夠表現出內斂和深邃的情感。

3 色彩在國畫創作中的應用策略

3.1 融入民間藝術色彩

藝術家在創作國畫的過程中，可以運用民間藝術色彩的基本調色，因為色彩的應用策略是非常重要的，它能夠體現國畫的獨特魅力和表現手法。傳統民間藝術作品中常見的色彩調配往往以土黃、柿子紅、青綠等自然色調為主，這些色彩與中國的自然環境和傳統文化緊密相連。[2]在國畫創作中，藝術家可以運用這些基本調色，并通過調整色彩的明暗和飽和度來表達不同的情感和氛圍，使作品更具民間藝術的韻味。

藝術家也可以適當借鑒民間手工藝的色彩運用技巧。中國的傳統手工藝如刺繡、剪紙、蠟染等都有豐富多彩的色彩運用技巧。藝術家可以從中借鑒，將這些技巧應用于國畫創作中。例如，借鑒刺繡中的色線疊加和交織的效果，通過運用透明層疊的顏料和筆觸來營造出豐富的色彩層次和紋理感；或是借鑒剪紙中的色塊對比和鏤空效果，通過在畫面中運用明亮對比的色塊和刻意留白的方式，增加畫面的張力和節奏感。

以民間藝術元素為主題進行創作。民間藝術中常見的元素如花鳥、龍魚、山水、人物、動物等，具有深厚的文化內涵和象征意義，可以成為國畫創作的主題對象。藝術家可以運用民間藝術色彩來描繪這些主題，并通過色彩的鮮艷和對比來突出表現物體的特征和情感，使作品更具視覺沖擊力和表現力。同時，通過色彩的運用可以增加符號和意象的表現力，使其更加生動和引人注目。在山水畫中，山石常常用墨色勾勒，而山間的樹木、花草等則用淡墨或明亮的顏色點綴，以增加畫面的層次感和生動感。國畫中常常運用水墨渲染的技法，通過水墨的深淺、濃淡來表現物體的質感和形態。例如，在花鳥畫中，畫家可以運用水墨的漸變效果來表現花瓣的柔軟和鳥羽的輕盈。國畫中常常使用傳統顏料，如朱砂紅、藍靛、石青等，這些顏料具有獨特的質感和色彩效果。例如，在人物畫中，畫家可以使用朱砂紅來表現人物的面部血色，使用藍靛來表現衣物的顏色，以增加畫面的藝術感和古典氣息。例如，在山水畫中，畫家可以運用冷暖色彩的對比來表現遠近景深，使用明暗對比來突出畫面的主題。藝術家描繪了民間氣息濃郁的三尾鯉魚（圖3），以細膩的手法將鱗片和游動的姿態栩栩如生地呈現于畫面上，下方兩尾為常見的墨黑色，用色彩的過渡很好地臨摹出了鯉魚的自然本色。畫面最上方的金紅色鯉魚則是點睛之筆，使用了民間藝術色彩中常見的紅色，傳達了喜悅、吉祥的氛圍，表現了符合傳統民間藝術元素的內涵。

圖3 國畫《喜口魚肥》

3.2 主色輔色、純度對比的使用

中國繪畫的用色是有主輔關系的，清代迮朗在他的作品《繪事雕蟲》當中說：“華袞燦爛，非只色之功，朱黛紛陳，舉一色為主。”色彩如果沒有主調，其他的輔色將會無所適從，必然會雜亂無章。然而主色調的確定，既要求考慮到物象本身的色彩屬性，而且更要以意境表現為主旨。主色與輔色的設置也有助于畫面意境的擴展。

主色和輔色之間通常也會形成純度對比。純度對比是一種在國畫創作中廣泛運用的色彩應用策略，純度對比的巧妙運用能夠在國畫作品中營造出動靜相宜、明暗分明的畫面氛圍，使作品更加鮮明、生動。在進行純度對比時，藝術家需要有準確的色彩感知和把握能力。不同顏色的純度對比會帶來不同的視覺效果和情感表達，高純度的色彩通常吸引人的視覺關注，因為它們具有強烈的視覺沖擊力。藝術家可以在畫面中運用高純度色彩的區域作為主色，以引導觀者的視線和注意力。相比之下，低純度的色彩往往更具柔和、低調的特點，可以用來表達畫面中的次要元素或背景，也就是輔色，以增強整體的和諧感。

通過主色與輔色的設計和純度對比的運用，藝術家能夠有效地在畫面中建立起鮮明的層次，營造出引人入勝的視覺效果。例如，在描繪大自然風景時，利用高純度的明亮色調，如鮮艷的紅色、橙色或黃色，可以突出光明和活力；而運用低純度的暗淡色調，如濃郁的灰色、褐色或綠色，能夠營造出寧靜和沉穩的氛圍。藝術家需要通過對色彩特性的準確理解和把握，選擇合適的純度對比方式來達到所需的藝術效果。色彩的明暗變化是加強純度對比效果的重要手段。在國畫創作中，色彩的明暗變化常常與純度對比相結合，以產生更加豐富的視覺效果。通過將高純度的明亮色彩與低純度的暗淡色彩相結合，藝術家可以創造出強烈的明暗對比，增強畫面的立體感和層次感。同時，明亮的高純度色彩還可以在畫面中起到照明的作用，突出重要的元素或細節。使用了色墨對比（圖4），以墨為主色，突出了畫面中心燕子的存在，其余的畫面元素如樹枝、果實等則都施以淺淡的色彩，作為輔色與畫面主體濃重的墨黑形成鮮明對比。

圖4 國畫《乳燕》

3.3 色彩的“形式美”

色彩的形式美是指色彩在藝術作品中所呈現出的美感和藝術效果。它是通過色彩的運用、組合和表現手法來達到的一種藝術效果。在國畫中，色彩的形式美體現得尤為突出。首先，國畫中色彩的形式美體現在色彩的運用上。國畫注重以墨為主，色彩的運用相對較少，但卻能通過有限的色彩表現出豐富的情感和意境。比如，在《千里江山圖》中，畫家運用淡墨渲染山水，通過淡雅的色彩表現出廣袤的山川和遼闊的江河，給人以寧靜和寬廣的感受。其次，國畫中色彩的形式美體現在色彩的組合上。國畫注重色彩的平衡和諧，追求整體的和諧美感。例如《百鳥朝鳳圖》，畫家運用紅、黃、綠等鮮艷的色彩，將各種鳥類栩栩如生地描繪出來，色彩的組合既豐富多彩又不失和諧統一，給人以生動活潑的感覺。最后，國畫中色彩的形式美體現在色彩的表現手法上。國畫注重以墨為主，但也注重色彩的表現手法，如水墨渲染、點染、漸變等。比如，在《梅花圖》中，畫家運用淡墨渲染和點染的手法，將梅花的花瓣層次感和質感表現得淋漓盡致，色彩的表現手法使得作品更加生動立體。綜上所述，國畫中色彩的形式美通過色彩的運用、組合和表現手法來體現。它以簡約、含蓄的方式表達出豐富的情感和意境，給人以美的享受。正是這種獨特的色彩形式美，使得國畫在藝術領域中獨樹一幟。

4 結語

通過對色彩在國畫創作中的應用策略和創造力訓練的探討，我們深入了解了色彩對于國畫藝術的重要性和豐富的表現力。色彩作為藝術家情感意念的載體和創作的主要表現手段，為國畫作品賦予了獨特的意義和美感。通過融入民間藝術色彩、運用純度對比、追求色調的“形式美”以及借助色彩開展創造力訓練，藝術家可以進一步提升國畫創作的質量和水平。色彩的運用不僅豐富了國畫的視覺效果，更展現了藝術家的創造力和獨特的藝術表達方式。