拉斐爾油畫作品色彩分析

袁甜

摘 要：文藝復興三杰之一拉斐爾，意大利文藝復興時期最著名的畫家之一，他的作品以美麗、和諧、優雅而聞名，尤其是他的圣母像，被譽為“人文主義及文藝復興世界的巔峰”。本文采用文獻資料研究法，分析拉斐爾經典畫作之中的色彩。他的作品以色彩明凈、柔和的光線以及寧靜而優雅的節奏感著稱。作品光影處理溫和明亮，始終是鮮艷的色調，多數作品采用紅、黃、藍、綠、白等多種明亮的色彩去繪畫衣飾來間隔人物。色彩和諧溫暖，用以表達畫家內心深處的情感。

關鍵詞：人文主義；拉斐爾；色彩；圣母；構圖

Abstract： One of the three Renaissance masters， Raphael， one of the most famous painters of the Italian Renaissance， his works are famous for beauty， harmony and elegance， especially his Madonna，known as "the peak of humanism and the Renaissance world". This paper uses the method of literature research to analyze the colors in Raphaels classic paintings. His work is known for its clear colors， soft light， and quiet and elegant rhythm. The light and shadow treatment of the works is mild and bright， and the colors are always bright. Most of the works use a variety of bright colors such as red， yellow， blue， green and white to paint the clothes and decorations to separate the figures. The colors are harmonious and warm to express the artists innermost feelings.

Keywords： Humanism；Raphael；color；the virgin Mary；composition of a picture

0 引言

首先，“文藝復興”（Renaissance）指的是“受古典模式的影響，始于十四世紀意大利并一直延續到十五世紀和十六世紀的藝術和文學的大規模復蘇”，該定義顯示了通常持有的預想：該時期主要涉及的是古典以及由古典所引發的東西，這是十六世紀以來為人們所廣泛接受的表述[1]。在當時，新型資產階級不僅促進了商業和手工業的繁榮發展，更是確定了人的價值，形成了人文主義思想體系，使得文藝復興時期的美術水平呈現新的藝術高度，各類美術作品開始注重人的精神面貌，創作題材和表現技巧也在不斷豐富，產生了不同的美術流派和留名千世的藝術家。文藝復興首先起源于意大利[2]，15世紀中葉開始，佛羅倫薩逐漸失去了意大利藝術中心的地位，取而代之的是教皇所統治的基督教首府——羅馬，形成了以羅馬為中心的羅馬畫派。經過藝術家的不斷探索和進步，在16世紀上葉以羅馬為中心的意大利文藝復興達到了巔峰，期間出現了達芬奇、米開朗琪羅、拉斐爾等杰出的藝術家，他們為造就這個時代的藝術做出了不朽的貢獻。

1 拉斐爾的生平

1483年基督受難的那一天拉斐爾出生在意大利烏爾比諾的一家畫廊中，父親叫喬瓦里·桑提，是一個失意的畫家，雖然拉斐爾的家中不是很有錢，但是母親從小無微不至的關心，以及父親的指導都讓拉斐爾從小接受到了很好的指導，這為拉斐爾的成功奠定了良好的基礎。父親從小的理想就是成為一個偉大的藝術家，由于拉斐爾父親的天賦不高，他只能止步于此，所以他將他的理想寄托于年幼的拉斐爾。在父親專業的指導下拉斐爾很快就展現了對藝術的非凡的天賦，父親希望可以在拉斐爾身上實現這個理想。同樣受到父親耳濡目染的影響，拉斐爾也開始勵志成為一位偉大的藝術家。而本以為能目睹拉菲爾成功的桑提和妻子因病先后離世只留拉斐爾一人，但這一變故并沒有讓拉斐爾動搖自己的理想，而是更讓他堅定自己腳下的道路，于是拉斐爾開始了一段孤獨的藝術道路。[3]

2 拉斐爾作品色彩分析

拉斐爾的藝術作品色彩發展風格可以分為三個時期：早期在佩魯賈時，他受到了老師佩魯吉諾的影響，畫風寧靜、柔和、細膩，畫面色彩紅黃藍三原色為主，畫面給人一種溫暖的感覺。早期作品如《圣母的婚禮》等就顯露出他自己獨特的柔美風格；中期在佛羅倫薩時，他學習了達芬奇的構圖、米開朗琪羅的人體表現風格，創造出了自己的肖像風格，他的色彩開始走向成熟階段，大量使用“顏色振動”的技法，能巧妙產生和諧的配色技法。如《美惠三女神》《馬達萊納多尼肖像》《圣母在草地上》等作品，后期在羅馬的時候，受到了教皇朱利葉斯二世的委托，在梵蒂岡宮創作了一系列壁畫，他的色彩的成熟時期，色彩和諧溫暖，如《雅典學院》《西斯廷圣母》等作品。這些作品展現了他對人物姿態、情緒表達、色彩運用等方面的成熟和精湛，也是他職業生涯中最具代表性的作品。

2.1 早期作品

拉斐爾跟隨佩魯吉諾進行繪畫學習，佩魯吉諾擅長宗教題材的創作，善于運用柔和的色彩去表現宗教題材中的人物，致力于讓畫中的人物充滿宗教色彩的莊重威嚴，讓畫面帶有震撼。由于拉斐爾的出色，他逐漸接手一些老師的訂單，一次機緣巧合下，他受到了烏爾比諾公爵的欣賞，后來被公爵允許去自己的收藏室參觀學習，就這樣拉斐爾平時跟隨老師進行藝術學習，休息時去公爵的書房欣賞那些藝術大師的作品，從中吸取優秀的色彩，然后將這些色彩融入自己的畫中。很快他就誕生了一批作品比如《圣母加冕》（圖1）《基督被解下十字架》（圖2）等，人們從中發現了與佩魯吉諾不同的色彩表現。拉斐爾《圣母的婚禮》是拉斐爾對于自己幾年學習的一次檢驗，更是自己成為世界偉大藝術家的開端，也是形成他獨有的色彩風格的開端。

拉斐爾《圣母的婚禮》（圖3）與佩魯吉諾的《圣母的婚禮》（圖4）表現出的繪畫語言來看，這兩幅作品中構圖與題材幾乎一致，畫面中人物造型除帶有老師嫻靜優雅的風格特征外，已經開始顯露自己獨特的色彩風格，開始使用對比色的技法使畫面更加柔美和諧。

這幅作品在色彩語言表現上十分獨特，畫面上教堂藍色的天空，瑪麗亞身上紅色的上衣、藍色的斗篷，低飽和度的顏色對比使畫面更加和諧，約瑟綠色的上衣、黃色的斗篷，紅黃藍三原色的低飽和度對比在拉斐爾的畫筆下體現得淋漓盡致，顯著的顏色也與周圍的一群人形成了鮮明的對比。我們可以發現，畫面的背景是模仿他的老師的畫作，建筑和地面的黃色，建筑頂上的綠色，天空的藍色，三種顏色的完美融合。畫面中構圖對稱，色彩成熟，人物表情柔和，體現出女性的美麗，畫面的色塊有金色、紅色、藍色和綠色，這幾種基本的色調構成了對比鮮明的色彩，充滿了詩情畫意。

我們感受到的是一幅具有生命的場景與藝術的結合，而不是生硬呆板的作品。畫面中人物雖然三五成群看似毫無規律可言，但拉斐爾卻通過透視的方法讓人物分為兩組，兩組人物同時向外延伸增加場面的宏大，也讓中間的圣母瑪利亞與教皇成為中心烘托出婚禮的主題。在細節上拉斐爾主要刻畫的是側面的面部表情，這帶給畫面一絲耐人尋味的感覺。

2.2 中期作品

沒過多久拉斐爾便帶著老師的祝福展開了新的冒險，他的第一站就選擇了佛羅倫薩，這個文化與藝術高度結合的城市。大量的藝術家在這所古老的城市生活，人們對于藝術的欣賞與理解也達到了相當高的水平，而拉斐爾來到這更重要的原因是他老師的同學達芬奇。達芬奇已經是當時最偉大的藝術家了，他博學多才精通繪畫、解剖、研究發明等，雖然已經到了晚年，但是他在拉斐爾的心中占據著很重要的位置，拉斐爾渴望能在達芬奇身上學習到更多。雖然兩人年齡的差距有些大，但這并不妨礙兩位偉大藝術家在思想上的碰撞，達芬奇對于藝術的專注力和對畫面感情的融入，都讓拉斐爾學習到了很多。后來《馬達萊納多尼肖像》（圖5）這幅畫的出現也正是拉斐爾看到達芬奇的《蒙娜麗莎》所創作的，這標志拉斐爾對于達·芬奇構圖法的消化和整理達到了完善，也代表他使用的“顏色振動”技法進入一個成熟的時期。

《馬達萊納多尼肖像》是拉斐爾藝術邁向成熟的關鍵時期，也是他的色彩成熟期，拉斐爾運用在佛羅倫薩中學習到的技法進行繪畫，畫面中的女性在拉斐爾的筆法下顯得高貴優雅，顏料與筆法的結合更讓這幅畫流露出與拉斐爾其他作品不同的藝術情感。遠處只有一棵樹的背景與紅藍色的服飾形成獨特的背景讓欣賞者體會到一絲孤獨和寂寥，但與拉斐爾不同的是達芬奇的《蒙娜麗莎》是通過面部的微笑來讓人感受到其中的情感。在色彩表現方面，拉斐爾選擇的是利用背景和服飾的對比來讓畫面豐富。色彩顯得十分艷麗，他將人物置于自然風景當中，藍色的天空背景，肖像中頭戴波浪形的發帶，身穿橘紅色的衣裙，低胸緊身風格是貴族的象征，一層帶有蕾絲花邊的薄紗輕搭肩上，繪有花紋圖案的寶藍色外衣看似隨意地穿在臂膀上，衣飾的色彩與遠處明暗交織的風景相互交融，凸顯了她的端莊柔美、溫和近人。而在人物臉部的刻畫來說這幅畫依舊圓潤溫和，雖然這幅畫其實并沒有太大的面部表情，所有的情感都是通過眼神表達出來，這在拉斐爾的作品中是個例外。

雖然這幅畫并沒有超過達芬奇的《蒙娜麗莎》，但就拉斐爾而言這幅畫卻是他成功的轉折點。在后來創作的《圣母在草地上》作品之中，作品之中采用“顏色振動”的技法，產生和諧感的配色技法[4]。整體畫面色彩相對比較灰，一方面是為了加強畫面的和諧感，另一方面是他對于三原色的運用，圣母上衣是紅色，斗篷是藍色的，以及周圍背景的黃色調，使用紅、黃、藍作為主色來塑造圣母。畫面之中圣母衣服的紅藍對比十分強烈，用低明度的棕綠色去襯托身穿紅色衣服的圣母，使畫面更加生動，圣母紅色衣服所襯的草地傾向于綠色，而藍色衣服所襯的草地偏黃色，這就是他使用“顏色振動”的技法，將紅色與綠色、藍色與黃色的色差形成振動，使畫面更加靈動，三人的形象也增添華麗和鮮艷的氣氛。[5]

2.3 后期作品

拉斐爾的《雅典學院》是以古希臘哲學家柏拉圖所建的雅典學院為題，畫中所有古希臘的哲學家都出現在其中，拉斐爾將所有的心血融入這幅畫中，企圖讓觀賞者回憶歷史上“黃金時代”的美麗。

《雅典學院》（圖6）這幅畫的色彩也頗為和諧，拉斐爾經過長時間繪畫的積累，對于色彩的運用達到了爐火純青的地步，拉斐爾運用自己對色彩的理解增加了作品的表現力和塑造力。他用乳黃色系來繪制建筑，建筑背景的色彩變化也是極為豐富的，由亮到暗的色調分布，亮面以乳白色為主，暗面以深紅色為主，中間是以橙色為主，完成由亮面到暗面的過渡，使得建筑本身亮麗而不跳脫，既能很好地凸顯前面的人物，又使畫面活潑浪漫，充滿活力，很好地展現一個充滿學術氛圍的美好盛會。在人物設計方面，拉斐爾用紅、白、黃、紫、綠、藍等多種色彩的衣飾來間隔人物，人物皮膚的色彩變化也是由亮到暗的過渡，整體色彩以黃色為主，再進行一些細微的變化。其色彩和諧溫暖，色彩之間相映成趣。色彩之間細微的純度、冷暖變化讓畫面統一鮮明，使其更加真實充滿動感。

圖中拉斐爾為了緬懷自己對父親的思念，特意把父親放在了他的旁邊。中心的建筑是根據彼得堡大教堂大廳的弧形結構，一種類似古典羅馬時期的大廳。利用中心透視的方法，讓人們的視野通過拱門通向遙遠的天際。畫中的人物好像是從遠方沿著走廊走過來一樣。畫面的中心以柏拉圖和亞里士多德，除此之外還有兩個中心，右方是以幾何學家歐幾里德為中心圍繞的人群。在左前方是以算術、幾何、音樂、天文四個學科的創始人。整個構圖程三角形的結構，讓畫面顯得更為豐滿，形成了如同舞臺空間一樣的場景，當人們面對著這幅畫的時候就好像是進入了劇場一般。

拉斐爾被稱為“理想的平衡畫家”，因為他在各個方面都能達到完美的平衡，既優雅又克制，既美麗又端莊。他對于人類美、母親美、愛情美都有著深刻的理解和表現，讓美麗從天堂走向人間。[6]他把那些高高在上的神塑造成一個個有血有肉、有情感的形象。那些寧靜恬美的圣母形象，或是他早逝的母親，或是他神秘的戀人，或是他邂逅的園丁的女兒。從他的藝術作品中我們可以感受到人性最初的真善美，同時也激勵后世的藝術家追求極致的藝術，在追求藝術的道路上有一個方向。拉斐爾在繪制畫面色彩的時候并非是偶然和憑空的想象的，而是經過了深思熟慮的，在基督教中天主的圣愛一般由紅色來表示，天主的真理由藍色來代表，因此在基督教的繪畫作品之中，圣母的服飾一定為紅色和藍色，在他的繪畫作品中將此色彩表現得十分極致，紅、黃、藍三原色的調和對比下，圣母的形象更加高貴，華麗、端正和艷麗，畫面始終是歡快明亮的，洋溢著濃濃的愛意。

3 結語

拉斐爾的色彩語言表現對后世的影響非常大，他確立的美的樣式也成為了學院古典主義美的標準之一。拉斐爾從小就善于吸收前代藝術大師的畫風與技法，然后再把這些統一在自己的創造中，在此基礎上他不斷地創新和發展，我們可以從他的創作發展中發現，他的色彩在不斷地成熟，他在大部分的作品之中使用鉛白，作為亮區的調和色，包括在底色的繪制和后期暈染后的提白。在衣服上大多使用紅、黃、藍、綠等明亮的色彩，使畫面中呈現明凈的色彩、柔和的光線和寧靜而優雅的節奏感。最巔峰的色彩作品《雅典學院》畫面之中色彩處理和諧，十分成熟，拉斐爾用紅、白、黃、紫、綠、藍等多種色彩的衣飾來間隔人物，其色彩和諧溫暖，色彩之間相映成趣。色彩之間細微的純度、冷暖變化讓畫面統一鮮明，使其更加真實充滿動感。

4 參考文獻

[1][2]（美）Marina Belozerskaya.反思文藝復興[M].濟南：山東畫報出版社，2006.

[3]龔之允.自由的坐標：通往而立之年的藝術家——拉斐爾的圓滿[J].中國美術，2017（01）：78-87.

[4]馮巢.“美”的探究——拉斐爾筆下的圣母像[J].寧夏師范學院學報，2013，34（04）：113-114+142.

[5]王鯤.拉斐爾圣母像的和諧人性美[J].文藝研究，2011（08）：157-158.

[6]段守虹.拉斐爾懸疑[J].天津美術學院學報，2008（04）：75.