克里斯托弗·諾蘭電影音樂創作風格的嬗變

莊翊杰

[摘 要] 2023年8月30日，克里斯托弗·諾蘭的電影《奧本海默》在中國上映，此影片標志著諾蘭導演電影音樂風格的大跨步。電影音樂在諾蘭的影片中顯得尤為重要，獨特的電影音樂風格在影片構建敘事空間、刻畫人物形象、推進劇情發展等方面發揮著巨大作用。基于電影《星際穿越》《敦刻爾克》《奧本海默》對諾蘭電影音樂風格進行探究，分析諾蘭電影音樂風格從“象征性”到“簡約主義”再到“生命性”的變化。在《奧本海默》中，諾蘭已經不再將音樂看作電影的附屬物，而是將音樂看作獨立的生命個體，為每一個角色創造了生命主題。

[關 鍵 詞] 克里斯托弗·諾蘭；電影音樂；《奧本海默》；《星際穿越》；《敦刻爾克》

在電影藝術的歷史長河中，音樂與影像對敘事空間的構建起著至關重要的作用。在當代，電影音樂已經成為構建敘事空間、塑造角色和推進劇情發展的重要元素。本文將以諾蘭的《星際穿越》《敦刻爾克》和《奧本海默》三部電影為例，深入探討其音樂創作風格的演變，分析每部電影中的音樂元素如何與影像和情節相互影響，共同構建出電影敘事空間。諾蘭的電影音樂風格并非一成不變，隨著創作經驗的積累和電影主題的不斷變化，他的音樂創作風格也在不斷演變。從《星際穿越》中音樂作為宏大宇宙及情感的象征，到《敦刻爾克》中簡約音樂對電影敘事的建構，再到《奧本海默》中音樂對人物復雜內心的細膩刻畫所體現的“生命性”，諾蘭的電影音樂始終與影片主題緊密相連，共同塑造出一種獨特的藝術風格。

一、《星際穿越》——電影音樂的象征主義詩論

《星際穿越》是由諾蘭執導的科幻冒險電影。這是諾蘭與漢斯·季默攜手合作完《蝙蝠俠：黑暗騎士》三部曲之后的又一重要作品，帶給觀眾不同于以往的視聽語言體驗，在電影音樂風格方面體現了強烈的隱喻與象征。

象征主義代表人物保爾·瓦萊理提出了以音樂化為核心的象征主義詩論，認為象征主義的界定是音樂化。象征主義詩歌的本質就在于使詩歌這種語言藝術“音樂化”。那么在此基礎上電影的語言藝術也可以“音樂化”。瓦萊理提出音樂化要注意藝術作品與讀者欣賞時的和諧整體效果，即語詞與人的整體感覺情緒領域合拍的關系，在電影中可以通過音樂語言實現隱喻和象征，構成與觀眾的情感合拍。

（一）樂器語言的詩意象征與隱喻

在《星級穿越》這部電影中，諾蘭導演放棄了傳統的銅管樂器，選擇管風琴作為配樂的主要樂器。管風琴是中世紀唯一能夠進入教堂的樂器，具有沉重的歷史感和儀式感，象征著對自然、歷史的敬畏。管風琴作為一種極為復雜、精巧的樂器，在影片中扮演著重要的角色。管風琴延長音在片中多次出現，完美展現了宇宙的靜謐浩渺和時間的悄然流逝，象征宇宙的神圣與空曠。

音樂No Time for Caution運用在宇宙空間站破損的情況下，庫珀以超高速完成了宇宙飛船與空間站對接的劇情中，該音樂片段在樂器方面采用了弦樂、打擊樂、電子樂等。弦樂組的斷奏音色如同柱狀和聲，強有力的音頭則如主導條帶旋律，使音樂充滿力量與緊張感。豎琴、管風琴以及電子合成音色的重復音型則像是細膩的分解，給樂曲增添了一種獨特的韻味。而打擊樂組的律動為樂曲注入了強烈的節奏感，使整個音樂更加生動。管風琴的加入，讓音樂呈現出宇宙的浩渺與生命的厚重，使人們在面對無限宇宙時能感受到生命的偉大。而電子合成音色的重復音型則增添了樂曲的科幻感與未來感，讓人仿佛置身于未來的星際世界。

（二）旋律的敘事象征與隱喻

旋律作為音樂的主體是表達情感的主要載體，因此具有極其強烈的象征性。首先，從主旋律的象征來看，電影《星際穿越》中的Cornfield Chase音樂選段由管風琴與鋼琴合奏，主旋律在全片中反復出現。樂曲前9小節為6/8拍子，后3小節為3/8拍子。從節奏來看，速度越來越快，音符越來越密集。從音高來看，音樂旋律逐漸上行，為后面的旋律發展做了鋪墊，低音譜號的音高與節奏變化小。從電影的發展來看，這首音樂出現在父親與女兒離別之前，所以旋律的節奏速度與音高的變化要為之后的離別做鋪墊，隱喻和象征情感的變化。

其次，從整部作品音樂語言的使用來看，影片的開頭運用了音樂Dreaming of the Crash，在這段音樂中采用了具有極強隱喻性的管風琴，管風琴的高音持續在整首背景音樂里，為影片營造出壓抑、懷念的情緒。音樂如黃沙低吼一般，為影片黃沙遍野的場景做襯托，視聽語言結合，為整部電影構造出情感基調。音樂Cornfield Chase，通過管風琴的演奏不斷對兩個音重復，節奏歡快，音樂不斷上行。旋律輕盈的音樂，再加入弦樂的合奏，展現了一家三口合作時既興奮又歡快的場景，通過音樂和視覺元素營造出強烈的氛圍。

隨著劇情發展，音樂Dust弦樂的緩慢出現，為觀眾傳達出緊張與未知的氣氛。在庫伯被曼恩博士陷害后，管風琴與鋼琴交替演奏，音樂斗爭性極強，節奏密集，相互追逐，旋律緊張，突出了營救行動的急迫感。當電影的情節發展到庫伯的頭盔破裂時，Dust里的旋律再次出現，隱喻二者的對決并不是兩個生命的爭斗，而是人與外部世界的抗衡。就在庫伯生命垂危之際，安詳、惋惜的鋼琴音樂響起，與畫面形成反差。此時的音樂仿佛在為一個生命的終結哀悼，令人扼腕痛心。

二、《敦刻爾克》——簡約主義音樂的敘事風格

《敦刻爾克》是諾蘭導演的戰爭懸疑片，基于著名的“敦刻爾克大撤退”事件。影片采用了簡約主義音樂展示音樂的敘事風格。簡約主義音樂的節奏和變化通常非常緩慢，類似于攝影中的延遲效果。這種慢節奏的音樂與電影中的慢鏡頭敘事相呼應，使音樂與電影情節的節奏更加吻合。這樣一來，音樂就像鏡頭一樣，具有敘事的功能，能夠更好地與電影相結合，創造出更深層次的藝術效果。

（一）謝潑德音調演繹簡約主義風格

《敦刻爾克》這部電影采用了“謝潑德音調”展示簡約主義的音樂敘事風格。謝潑德音調是由科學家 Roger Shepard提出的一種聲音幻覺現象。

謝潑德音調由幾個八度相隔的音調疊加而成，高音階音量逐漸減弱，中音階保持穩定，低音階則由強變強。這種音樂起伏較小，三個音調形成一個閉環，在銜接處音調實際上保持不變，組合起來后，形成一個無限的周期性循環，制造出整體音調在逐漸上升的感覺。這種音調可以形成天然的幻覺感和敘事功能，非常適用于在電影中利用配樂來營造某種氣氛，從而構建音樂的敘事空間。

在《敦刻爾克》中，諾蘭提出 ：“想在數學原理的基礎上創建音樂、聲音效果和畫面的融合。”所以其在音樂中大面積使用謝潑德音調簡約的音響效果，營造了真實與虛幻的氛圍，達到碎片化敘事的效果。使觀眾專注于電影的情節中，身臨其境，為海陸空三條敘事線交叉銜接創造了條件。在電影開頭的三線交叉剪輯中，音樂The Mole通過層層遞進的方式，將陰暗而神秘的情緒推向高潮。這首音樂成功地為影片鋪墊了基調，達到了敘事的效果。在電影1小時21分處，音樂Supermarine與海空雙線交叉的場景相得益彰。輪船遭受轟炸，空軍追擊敵機，音樂通過減音階向上重復八度，并加入飛機發動機的聲音素材，增強了動作的緊張感。

（二）多重場景構建簡約主義音樂敘事

第一個場景來自影片開頭。男主角逃跑，視覺語言交代劇情，聲音微乎其微。開槍之后并未使用大量的音樂情緒，而是通過快速的指針滴答聲音來敘述緊張壓抑的情緒。主角逃跑時采用明顯的類似于跺腳的底鼓填充對應鏡頭語言的變化，用單一簡潔的底鼓模仿腳步聲，從而敘述主角逃跑時的步伐與神情。主角逃到海灘時打擊樂戛然而止，轉而用簡潔弦樂的長音代替。

第二個場景來自男主與Gibson準備借助搬運傷員逃上船只，這里使用弦樂的同音重復開始。音樂采用八度疊加的形式，進一步增強了情緒，兩人不顧阻攔進入木橋，音樂的發展進入了E-C-降B-A的旋律。通過不同的樂器在不同的音高位置重復降B-A兩個音，各樂器的音基本相同，但彼此之間兩個音交替出現的頻率、樂器音色和音高位置都不相同，通過漸快節奏的音樂發展，敘述了兩人為抬傷員上船爭分奪秒，簡約的低音敘述了士兵撤退的沉重感和危機感，由此構成了獨特的音樂敘事語言。

第三段場景來自空戰。通過采用弦樂長音鋪底，極高音區的小提琴在此基礎上逐漸浮現，小提琴基本演奏了降E大三和弦、簡約的長弦音，提供了顫抖的、尖銳的、明亮的聲音，敘述了鷹隼般在空中飛翔的戰斗機。船的出現對應了一個簡約的低音長音，也是降E大三和弦的根音，進一步強化了大三和弦的明亮色彩，仿佛從飛行員的視角看到了一線希望。但是接下來飛行員看到了七大八小的船只，音樂轉而變得微妙且焦慮，同時出現的是C-B兩個音和前面的降E大三和弦形成了不協和反差，敘述了音樂上的情緒落差。

音樂進入后半段時大量民船前來救援，音樂進入勝利一般的大高潮，首次聽到了明顯的旋律與波瀾壯闊的伴奏，前面通過音樂敘述的壓抑情緒在后面得到爆發與釋放。

三、《奧本海默》——電影音樂的“生命性”

《奧本海默》的電影音樂不只圍繞著整部影片的基調建立音樂風格，還為每一個人物構建了屬于自己的音樂主題，使音樂成為一種內在的生命力，展現了諾蘭創新的電影音樂風格，即音樂作為具有生命性的存在而表達人物，形成人物主題音樂。音樂不再是一種推動情節發展、刻畫人物形象、表達人物情緒的工具，而是成為一種內在的、非主體、非個人的生命，與影片對生命的反思形成共同基調，完成對生命的解釋。

第一，凱蒂主題Meeting Kitty。在該部影片中，凱蒂是唯一一個從頭到尾推動著奧本海默并且給予其支撐的角色。凱蒂告訴奧本海默：“除了你之外，就沒有人可以把這個項目做好。”在曼哈頓計劃的音樂中，使用的主題音樂就是凱蒂主題的音樂。在爆炸的那一刻，Meeting Kitty的出現瞬間鋪墊氛圍。他們既是戀人又是戰友，音樂由慢到快，刻畫了選擇時的猶豫、過程的惺惺相惜、克服甜蜜和虛無、回歸生命的本心。音樂如兩個生命交織，描述了凱蒂作為生命體的存在對于奧本海默的重要性以及真愛對于生命的意義。

第二，格羅夫斯主題Groves。在奧本海默的生涯中，Groves將軍起到至關重要的作用。音樂明示了格羅夫斯的慧眼，格羅夫斯沒有奧本海默對于宇宙的無限想象力，卻給了他無條件的認可與信任，相互成就，最終掌控了曼哈頓計劃。在三位一體實驗之后繼續采用該主題。憂郁的小提琴和豎琴互相融合，奏出開闊的空間。通過音樂刻畫出兩人生命的緣分，他們大相徑庭，卻是同路之人。

第三，奧本海默主題Oppenheimer。該主題的制作是通過貫穿整部影片的六個音符來強調奧本海默身上普羅米修斯的悲劇色彩，描繪了奧本海默對生命的思考。這類主題反復描繪奧本海默的生平，低沉澎湃的前奏在靜謐中訴說尚不可知的奧秘，螺旋上升的變奏配合畫面閃會帶來廣袤無垠的精神領域。劃破云層的火光照亮世界的波粼，也攪動觀眾觀影后的情感旋渦，腦海中反復響起那句“我現在成了死神，世界的毀滅者”，或許在奧本海默遙遠的藍圖中已窺見宇宙中人類宿命的一隅，而他卻因此永陷殉道者的悲歌，以至于后來無時無刻不在思考自己的所作所為究竟為其他人的生命帶來了什么。正如那句：“普羅米修斯偷來了火種，把它送給了人類。他因此被綁在巖石上，永生永世受盡折磨。”

本片中最具有空間感和震撼力的主題音樂Can you hear the music是根據奧本海默主題的六個音符的延伸。這首主題音樂是通過路德維希觀看影片中的微觀鏡頭例如電子的高速運動、鏈式反應等的感受，延伸到了Can you hear the music上。這首曲子采用了Metric Modulation的手法，這是在速度上類似于轉調的一種手法，一個原本在小提琴上的動機，被不斷向上模進再向下模進，每次上下模進切換的時候，它的基本節拍速度就有規律地加快了一次，整首曲子改變了21次的速度變化，就像鏈式反應一樣，能量劇增引發核爆，與視覺語言結合，形成了血脈僨張的視聽奇觀。

四、結束語

本文深入探討了克里斯托弗·諾蘭的電影音樂創作風格，諾蘭的電影音樂不僅僅是背景的填充，更是情感的傳遞，是對故事、人物和主題的深度解讀，是對生命的敬畏與反思。在《星際穿越》中，諾蘭運用象征主義詩論，將宇宙的浩渺與未知以及人物的內心世界巧妙地轉化為音樂。在《敦刻爾克》中，簡約主義音樂的敘事風格則讓音樂成為時間的見證，展現了戰爭的殘酷和人物內心的掙扎。在《奧本海默》中，諾蘭進一步將音樂提升為“生命性”的表達。綜上所述，克里斯托弗·諾蘭的電影音樂創作風格在不斷演變和創新。他通過不同的音樂手法和風格，成功地為每部電影營造了獨特的氛圍和情感體驗。這種對電影音樂的深刻理解和運用，不僅展現了諾蘭作為導演的才華和創造力，還為電影藝術的發展帶來了新的可能性和啟示。

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作者單位：青島科技大學