美美與共

情感鏈接

在2025年的3daysofdesign設計節(jié)上，Audo House變身“生活共同體”的試驗場。向來以極簡主義美學為基礎的Audo Copenhagen，延續(xù)丹麥設計中“功能即美感”的傳統(tǒng)，借由今年發(fā)起了“MONUMENTS”的沉浸式展覽，營造一個可以被共享、被使用、被感知的社區(qū)化場域。

這里包含咖啡廳、概念店、辦公室、酒店式公寓等多重功能區(qū)，既是零售的場景，又是展覽的社交舞臺。品牌設計總監(jiān)Joachim Kornbek Engell-Hansen在展覽期間談道：“我們一直在探索設計如何創(chuàng)造歸屬感，而不是疏離感。我們希望人走進我們的空間，會自然而然地放松，并產(chǎn)生一種‘我愿意在這里停留’的情緒。”

此次“MONUMENTS”展覽由品牌長期合作伙伴 NormArchitects 策展。該設計工作室以其對“人性化極簡主義”的深刻理解而聞名，其創(chuàng)始人 Jonas Bjerre-Poulsen 表示：“我們希望向那些永恒的設計語言致敬——比例、秩序、觸感，這些古典的價值能在當代語境中煥發(fā)出新的力量。”NormArchitects的設計既克制，又富于質(zhì)感，材質(zhì)柔和，輪廓簡約，卻往往能激起人一種想要靠近、觸碰的欲望——這也是AudoCopenhagen所定義的“柔軟極簡”的重要一環(huán)。

Audo Copenhagen 似乎并未試圖打造“令人驚艷”的產(chǎn)品。相反，它更像是一位沉穩(wěn)的傾聽者，一位愿意與用戶共同構(gòu)建生活節(jié)奏的伴侶。觸感，是此次展覽最值得被強調(diào)的關(guān)鍵詞之一。展覽空間中Audo大量使用了溫潤的木材、肌理豐富的石材、亞光金屬與紡織面料等材料。展覽強調(diào)“設計不應只是用來觀看的對象，而應是愿意被使用的工具、愿意被觸碰的存在。” 這是Audo Copenhagen式極簡主義的核心：不是拒絕情緒，而是以節(jié)制的方式激發(fā)更多的情緒。

同時，Audo Copenhagen也堅守一種“尊重個體表達”的創(chuàng)作機制。在品牌看來，設計不是定義風格的過程，而是一個尋找“價值觀相近合作者”的社群擴展。因此，AudoCopenhagen傾向于與擁有自主風格的設計師展開合作，給予他們空間表達個性、回應現(xiàn)實生活的具體需求。這種開放與信任，既保障了品牌風格的延續(xù)性，也為其設計注入不斷變化的新能量。

以光為名

在哥本哈根夏日的高潮時刻，Louis Poulsen 翻開歷史與當代對話的新篇章。這家擁有150多年歷史的丹麥照明品牌，不僅在產(chǎn)品設計上延續(xù)“以人為本”的光學理念，還在本屆3daysofdesign 中，將“光”深化為一種空間體驗、文化傳遞與情緒共鳴。

Louis Poulsen邀請了多領(lǐng)域跨界藝術(shù)家 Henrik Vibskov設計裝置——一座可進入的“圓·穹·方”Circle Dome Square空間結(jié)構(gòu)。它處于展廳臨街處的開敞區(qū)域，紅色材料透光柔和，訪客可踏入其中，體驗一種用光影與色調(diào)編織出的感官儀式。

這座裝置直接致敬品牌合作過的設計傳奇人物Verner Panton，以及他創(chuàng)作于1971年的Panthella燈具。裝置藝術(shù)家Henrik Vibskov在接受采訪時直言：“Panthella燈陪伴我在家中的年少時光。我試圖用織物與結(jié)構(gòu)構(gòu)筑一個類似于‘相機鏡頭’的空間，讓訪客可以停下來深呼吸、直接被光包圍。”在展覽現(xiàn)場，這個裝置吸引了觀眾駐足拍照、聊天、停留。

每一次與大師的合作，都以對設計歷史的認知為前提，同時持續(xù)探索“光學形式”與“生活體驗”的內(nèi)在關(guān)系。此次Circle Dome Square的成功仍在于兩者之間的平衡。它既能喚起人們對Panthella的情感記憶，又以結(jié)構(gòu)材質(zhì)給予觸感溫度；既延續(xù) Louis Poulsen光學語匯，也融入設計師運用的現(xiàn)代材質(zhì)與打造的現(xiàn)場劇場感。品牌不僅向過去致敬，也為未來提供了實踐路徑：用非物件化的方式構(gòu)建體驗。

Louis Poulsen的此次展覽是品牌價值體系的一次具象總結(jié)：150年積淀的“人本光學”今日在跨媒介合作、空間裝置與感官體驗中得到延展。Louis Poulsen不是在營造單一趨勢，而是在構(gòu)建一條關(guān)于“光、情緒、體驗”的多維路徑。其核心意義從來不是“我做了什么”，而是“你如何被光改變”。

雜糅的日常

在哥本哈根最具標志性的街角建筑中，HAY于今年的3daysofdesign期間再次刷新它獨特的表達方式。借由對HAYHouse的全面改造，這個成立于2002年的丹麥品牌，向公眾傳遞了一種更加成熟而自洽的理念：設計不再是靜態(tài)的形體展示，而是一種在日常語境中自然生成的文化存在。

今年的HAY House更像是一場生活節(jié)奏的提案。如往年一樣，HAY與哥本哈根新興餐飲品牌Locale 21聯(lián)手打造限時餐廳，旨在邀請觀眾進入一個被完整激活的空間。家具、燈具與餐具的搭配并非以“配套”為標準，而是在材料、色彩與功能的維度上呈現(xiàn)出多種生活可能的“自然編排”。其中，人是最重要的變量——人如何使用、如何走動、如何就座、如何共享，這些行為成為整個展覽敘事的核心。

從早期與法國設計師Ronan amp; Erwan Bouroullec的合作，到與Muller Van Severen、Doshi Levien等不同文化背景創(chuàng)作者之間的對話，HAY始終在拓展設計語言的邊界，同時保持產(chǎn)品的可及性。它的目標并不是打造“奢華之物”，而是讓設計真正進入生活，甚至進入那些不需要被“裝飾”卻依然能感知美的瞬間。

在四樓的限時餐廳中，這種價值觀以更具沉浸感的方式被放大。空間中擺放的La Pittura系列陶器出自EmmaKohlmann之手，以速寫水彩風格線條呼應餐廳的節(jié)奏。在設計節(jié)期間，Emma Kohlmann用她那充滿表現(xiàn)力的藝術(shù)語言為HAY帶來一抹靈動氣息；Rey Collection是對瑞士經(jīng)典椅款的再演繹，簡潔、堅實，依然充滿溫度；STUDIO 0405的Apollo 便攜燈像點綴其中的注腳，提示觀眾注意那些極其微小但不可忽視的設計情緒。

與此同時，HAY也借此機會發(fā)布部分新品，其中包括由Julien Renault設計的Layout Chair。對于Julien Renault來說，設計并不是高高在上的“塑形行為”，而是一次與現(xiàn)實對話的機會。他從不刻意強調(diào)標新立異，而是更傾向于從日常中提取元素，再以克制的手法重構(gòu)形態(tài)。本次HAY House的重新布置，不只是一場家具的展示，也是一種品牌哲學的具象化。這是一種不強調(diào)“前衛(wèi)”卻不斷更新的策略，不拒絕傳統(tǒng)，也不迷信流行，而是始終從“如何讓生活變得更自然”出發(fā)，回應不同用戶、不同場景、不同文化的真實需求。觀眾在空間中所感受到的，并非“設計應該是什么”的教條，而是一種生活本應如何被看待的提案。