美國搖滾電影音樂形象客體的物質構成

【摘要】美國搖滾電影中音樂形象的物質構成即為其的精神層面構成被于具體化落實。在美國搖滾電影音樂形象客體的精神構成中，無論是態度基礎、動態想象還是主題構建，都是在影片創作者的思想意識中逐漸浮現逐漸清晰起來的，但終究還是在思想意識中，并沒有實實在在地轉化成可以視聽的物質元素。美國搖滾電影中音樂形象的物質構成即為其的精神層面構成被于具體化落實，使音樂形象在影片中得以展現。

【關鍵詞】搖滾電影 音樂形象 物質構成

美國搖滾電影中音樂形象的物質構成即為其的精神層面構成被于具體化落實。在精神構成中，無論是態度基礎、動態想象還是主題構建，都是在影片創作者的思想意識中逐漸浮現逐漸清晰起來的，但終究還是在思想意識中，并沒有實實在在地轉化成可以視聽的物質元素。也許有人說音樂是一種虛無的情感體驗，看不到、摸不著，只能聽，只能感受，根本談不上“物質”二字。但是從物理學的角度來說，音樂是聲音的一種特殊形式，而根據牛頓的理論，聲音是一種看不見的光波顆粒，雖然看不見，但是它是客觀存在的。所以就此而言“物質構成”這個說法完全可以成立。

在美國搖滾電影里，音樂形象客體的物質構成是個相對復雜的過程。我們知道，導演作為影片創作集體的領頭人。他需要在影片的音樂中表達自己的態度、思想，除了影片《肉叔叔》(Uncle Meat，1987)的導演弗蘭克·扎帕之外，沒有導演可以完全自己去創作音樂，因為弗蘭克·扎帕本身就是搖滾樂樂手，他拍攝電影可能僅僅是因為好奇，并且他只有這一部影片。如此一來，在物質構成這一方面，影片導演只能是間接的創作者。上一節我把美國搖滾電影按照音樂和影像的先后作用分為兩類：一、影像先于音樂；二、音樂先于影像。對以這兩種類型，導演均是音樂的間接創作者，第一種類型的音樂創作者是影片的配樂師，第二種類型的音樂創作者便是該片音樂所在的樂手或者樂隊。這一節所探討的物質構成在精神構成的基礎上主要是以音樂的直接創作者來進行。

一、態度模型的節奏化

節奏是塑造音樂形象的基本元素之一，它是構成搖滾樂音樂形象不可缺少的基礎部分，是音樂形象的靈魂所在。“音樂的節奏是指音樂運動中音的長短和強弱。音樂的節奏常被比喻為音樂家的骨架。節拍是音樂中的重拍和弱拍周期性地有規律地重復進行。我國傳統音樂稱節拍為“板眼”，“板”相當于強拍，“眼”相當于強拍(中眼)或弱拍。”如其所言，音樂節奏主要就是表達快慢、強弱。在搖滾樂中，鼓是節奏表達的基礎器樂，低音鼓的單踩錘和雙踩錘在一定程度上表達了節奏快慢：單踩錘所表達的節奏相對較慢。雙踩錘所表達的節奏較快。在搖滾樂歷史上。幾乎所有的鼓手都選用雙踩錘，對于他們來說。這不僅僅是音樂節奏的需要，更是他們打擊樂技藝的重要表現方式。對于音的強弱關系，搖滾打擊樂器通過低音鼓、桶鼓等強弱關系以及強音镲、中音镲、叮叮镲的強弱關系表達節奏的強弱。如《搖滾校園》(Sch001 0f Rock，2003)中的《Back In Black》，其中鼓與镲的結合清晰而緊密。為影片態度的表現發揮了一定的作用。(圖1)

吉他彈奏技巧在很大程度上決定著節奏的表現，吉他的各種音色能表現不同的節奏。此外，音樂的風格也在一定程度上決定著節奏：流行金屬的舒緩、死亡金屬的狂躁、哥特金屬的低沉、朋克搖滾的輕快……。總之，導演的態度直接地體現在了節奏上。快節奏表現憤怒、反抗。慢節奏表達憧憬、希望。

再以《搖滾校園》(School of Rock，2003)為例，導演在其態度得以充分表現的同時加以相應的節奏。影片一開始，急促的重金屬節奏就給影片的基本態度做好了定位：不滿、憤怒，而且此態度貫穿影片的前半部分。(主要音樂段落參見表格1)

影片前半部分的音樂節奏除了時長52秒的古典音樂外，都是4／4拍，其中除了第2段和第4段之外，在節奏的表達上均采用了吉他的切音技巧，以次更加突出節奏的力度。在影片表達出傳統搖滾樂和古典音樂的對抗以后，影片中積壓的情緒開始釋放，反抗的態度油然而生。(主要音樂段落參見表格2)

從表2可以看出，1到7段落的搖滾音樂中或多或少、或輕或重地表達出了反抗的態度。導演運用了搖滾樂的特點——真實、直接，并在這些特點中融入了孩子們所帶來的天真和美好的情緒，使得浮躁的搖滾樂節奏給影片帶來了許多溫情和溫暖，使得影片導演在表達不滿和反抗的同時也展現出了很多希望。

二、想象空間的和聲化

歐洲古典音樂和對世界音樂的影響是巨大的。十七世紀之前，古典音樂作曲法則基本完全按照“對位”的復調法則，以多聲部的旋律組合間的協調為基礎，相互重疊，已達到悅耳的旋律組合，產生寬闊的聽覺空間。如基督教唱詩班的演唱就以復調音樂的形式。分聲部演唱。并以和諧的方式加以組合產生多層次并悅耳的和聲。十七世紀以后的古典音樂開始有了主調的趨勢，海頓、巴赫等音樂家開始注重器樂與和弦的作用，歌劇的出現也在一定的程度上將主調式音樂推到一定的高度，但是傳統復調音樂的巨大影響難以使不斷更新的作曲理念擺脫復調的結構，原因在于復調音樂立體的空間性是作曲家們難以棄舍的。搖滾樂從誕生之日就定位于顛覆傳統，顛覆傳統古典音樂的復調形式。搖滾樂隊的組合一般如此：演唱者、主音吉他、節奏吉他、貝斯、打擊樂器。雖然現代隨著搖滾樂的發展，樂隊中加入了電子鍵盤、DJ搓盤等，但它們所起到的還是豐富主音和低音的作用，并沒有單獨而完整地以獨自的旋律走向融入整個作品。搖滾樂隊中，演唱者和主音吉他為主旋律走向，其他器樂相對沒有獨立的功能。搖滾樂主調的特性是否使它喪失了其空間性?我認為搖滾樂的作曲形式是相對靈活的，在堅持器樂的和弦進行同時保持了其空間特性。第一、樂器與聲部的對應；演唱者和主音吉他對應主旋律，貝斯對應低音部。外加打擊樂使得搖滾樂的演奏極富層次感，這就是其空間性的基礎：第二、上面說過，除主音外的器樂沒有相對獨立能力，這里強調的是“相對”，在搖滾樂演出中，低音貝斯可以單獨彈奏旋律，和主音之間可以在某一小節末或者在整個作品的副歌部分相對獨立，演唱者和主音吉他之間也可如此，這樣便在增強了空間性的同時保持了音樂的主調性。

美國搖滾電影中的音樂亦為主調音樂。其創作過程遵循主調音樂的和聲原則。美國搖滾電影中音樂形象客體的動態想象在動態推動和空間性的基礎上分為縱橫兩個推動走向，縱向為和弦的選擇，橫向為和聲的進行。

動態想象是態度基礎的再造想象，是態度表達的基礎，和弦的選擇成為了動態想象的首要任務。在搖滾樂的創作中，和弦的歸類方法很多，按照音的疊置可以分為三和弦、七和弦和九和弦等，三和弦按音程又可以分為大三和弦、小三和弦和增三和弦，七和弦分為大氣和弦、小七和弦和屬七和弦。按照和弦聽覺性質可以將和弦分為協和和弦和不協和和弦。美國搖滾電影音樂形象的想象過程中和弦的選擇是首要的，因為和弦的選擇不僅關系到影片音樂的表達和含義，也在此基礎上決定著整部影片的情緒基調和主題表達。大三和弦音色和諧，可以對聽者產生寬廣明亮的聽覺感受，從而，在美國搖滾電影中，凡是傾向于主流商業目的的必然在影片音樂的和弦選擇中選取大三和弦。《搖滾青春夢》The Rocker。 2008)《搖滾校園》(School 0f Rock，2003)《搖滾之神》(Tenacious D in：The Pick of Destiny，2006)等影片在選擇大三和弦的基礎上也增加一些小三和弦，也在大三和弦的基礎上將其三音進行合理的二度改變，在色彩明亮的基礎上增加了一些暗淡的基調，在一定程度上加強了影片情緒的多變性，增強了影片的起伏感。一些色彩和基調完全暗淡的搖滾電影完全拋棄了大三和弦，它們以小三和弦和小七和弦為基礎，在其的基礎上進行多維變化，為了加強和聲的極不和諧的擴張感和收縮感，將除音樂開頭和弦外的小三和弦和小七變化為增三和弦、減三和弦和屬七和弦。用和弦里大三度或者小三度的重疊增強影片的音樂的不和諧性。《最后的日子》(Last Days，2005)里科特·柯本所彈奏的音樂多以小七和弦開頭。并加以增三和弦和減三和弦，表達不和諧感，但其中還是存在大三和弦，這和以上所講的和弦的選擇并不相違背，因為這是在和弦選擇基礎上和弦進行的技巧。

和弦的選擇是為是為和聲的進行做基礎，但不是固定不變的。“和聲進行是由許多和弦連續不斷地銜接形成的”，雖然這里的“連續不斷”還有待商榷，但這也說明了和聲進行的確是形成于和弦的連接。在傳統的和聲進行中遵循和聲進行內部的邏輯性，通過和聲的三種功能：主和弦的主功能、屬和弦的屬功能和下屬和弦的下屬功能而進行連接，其中。不同功能的各級和弦總的按如下功能序列連接：主和弦→下屬和弦→屬和弦→主和弦，即和聲功能由穩定進行到不穩定在進行到穩定。搖滾樂的發展中創作理念也在不斷更新，漸漸地，固有的和弦連接原則已經不能滿足搖滾樂的創新勢頭。在《最后的日子》(Last Days，2005)中，科特·柯本在一個段落中坐在畫面的一角一邊彈奏一邊吟唱，Dm小調的和弦進行充滿著悲傷和絕望。和弦進行以Dm→Am→F→G反復的循環加以分解節奏和掃撥技巧的變化充分體現人物內心的狀態。在這個段落中我們注意到，Dm→Am→F→G的和弦進行一反自然進程地將屬和弦至于下屬和弦之前，打破了原本下屬和弦一屬和弦的走向，在聽覺上增強了和弦進行的不和諧感，為了協調不和諧感，在和弦進行中將原本下屬和弦小三和弦Gm換為大三和弦G，如此靈活地轉變不僅沒有破壞整個影片音樂的基調，而且還在營造憂傷暗淡甚至是絕望情緒的同時保證音樂包含更多“垃圾搖滾”特有的不和諧元素。

三、主題思想的旋律化

有了節奏和和聲模型的基礎，旋律便呼之欲出。旋律是音符、音調有組織、有節奏、有一定規律地和諧且連續的運動。美國搖滾電影的主題思想雖然已經成為具化的態度模型，但是視覺效果的單一使其中還存在很多松散的空隙。旋律是一種無形的情感力量，它會自覺地貫穿在態度模型的空隙中，將搖滾電影主題思想緊緊纏繞起來，使其更加緊密、更加有力。我在前面說到過，在美國搖滾電影里。音樂就如語言一般，闡釋著思想、情緒，旋律就是語言里的詞匯，最直接、最直白地闡述著主題思想。

《大門》(The doors。1991)是美國搖滾電影里的經典之作之一。全片摒棄了傳統好萊塢電影的“戲劇論”、“沖突論”，以主人公吉姆·莫里森生存狀態的走向為主線，描繪了這位搖滾傳奇人物不羈而短暫的一生，在這種平緩的描述中，表達了影片對現實和理想的深思。Doors樂隊的經典作品《Light Me Fire》在片中出現多次，我認為該作品的旋律走向和電影本身所描繪的狀態以及表達的思想是一致的，也正是該作品獨特的“迷幻搖滾”旋律緊扣主題，是影片的思想和內涵得到了升華。

從圖2我們可以看出，第一小節所有音符問的音程關系為：純一度，大二度、大二度、小三度、大二度、大二度、大二度、大二度，其中純一度為完全協和音程，小三度為不完全協和音程，大二度為不協和音程，純一度一大二度一小三度一大二度，如此的協和與不協和交錯并以不協和音程收尾音程排列給人以極度的壓迫感和不協和感，正是這樣的旋律開頭給影片的主題描繪營造了怪誕和悲涼的氣氛，這跟影片所表達的主題是切合的，第一小節的旋律似乎就預示著吉姆·莫里森的死亡。此后的2到14小節為了增加音程的不和諧性多用升高半音或者降低伴音的音符，如第二小節里的一#。這種音程關系銜接而組成的旋律一直延續到14小節，即進入副歌部分之前。