聲樂作品的藝術表現淺析

何忠琴

（江蘇省演藝集團 歌劇團，江蘇 南京 210002）

如何表現好一首聲樂作品，準確把握好作品所具有的內在含義，是每個演唱者都迫切關心的問題。我認為有以下幾個方面需要注意：一是作品屬于何種音樂風格；二是如何領會作品的深刻含義；三是如何保持均衡的演唱；四是歌唱者在藝術處理上的恰到好處。

一、了解作品的音樂風格

要了解作品的真正內涵，了解作者的音樂風格是必需的。例如，維也納古典樂派的作品的音樂特征是：理性主義。他所反映的人文主義內容較普遍，在思想傾向上是尊重人權，反對神權，反對君權神授的觀念，崇尚個性解放。反映在藝術上的表現是個人的獨創性，音樂語言的理性化在處理理智與感情的關系上，表現為理智控制感情的分寸感。音樂對象為第三等級的大眾化，提倡的是“四海之內皆兄弟”的大眾語言，這是十六、十七世紀時期的音樂風格。而到了十八世紀，浪漫派則崇尚情感，由于歷史的原因，浪漫樂派的作曲家對理性喪失了信心，精神性、主體性增強，比古典樂派更強調揭示內心世界，更具體地發展了自傳性和抒情性，突出了民族性。由于民族戰爭頻繁，民族之間的矛盾尖銳化與民族解放運動的高漲，促進了民族運動的覺醒，反映為民族解放運動的題材在音樂中占有了重要地位。重視社會功利性，重視作品的思想影響與追求易解性和群眾性的社會效果，提倡藝術作品的標題性與綜合藝術，所有這些特性，演唱者都必須了解，而搞清楚特定時代所包含的音樂流派也是非常重要的。

要表達作品所包含的思想，先要了解作品的時代背景在何種情況下所作，因何而作。例如，維爾第的歌劇《茶花女》，是先有了小仲馬，再有歌劇的劇本，而后才創作了這部歌劇，音樂在很大程度上依靠的是小說的原型進行創作。又如，格里格的交響組曲《謝赫拉查德》，也是先有了《一千零一夜的神話》，作者再據此而作。因此，演唱者對文學作品的了解也是加強藝術修養的一個重要方面。

二、領會作品的深刻含義

在我們準確把握作品歌曲的特征與協作背景之后，接下來就要揣摩作品的內在含義，我們所作的每一個表演都是一件作品，是對作品意義的演繹與表述。演員在臺上演唱，觀眾更多的是聆聽的感受，那么就需要演員更多的情感和外在表演，單純的沒有思想的演唱是無法打動觀眾的，因此演唱者必須用頭腦去思考，用心去體會，用真實的情感來演唱。當我們演繹一首作品時，有些作品需要表演者運用幾種思想去營造一種氛圍、一種意境與幻想的畫面，以豐富的想象帶領聽眾一起去體驗、去感受，觀眾因感受到這種氣氛而被帶到故事中去，大多數影響派的歌曲都是如此。當然，這類歌曲是不易做到表情完美的。有些歌曲可以采取“敘述故事式”的表演方法，將歌詞的意義用第三人稱的方式表達出來，使之栩栩如生。表演所要表現的方式可以用面部表情，用眼神，更直接的是用動作，因為動作更能加強語氣的程度，使觀眾通過動作理解歌曲的含義。一個優秀的演唱者，必須學會用面部表情來表達，而且切忌過分渲染，否則就會起到相反的作用，聽眾往往會忍俊不禁，這樣氣氛就會被破壞。作為一位表演者，只要你一出臺，你的步伐、笑容、身形、服飾、眼神及示意伴奏開始和最后的答謝禮節，都會被在場的每一個人所注意，你以為一個小動作不會被人注意，但往往因之毀了整個音樂會。演唱者在臺上，眼光需穩重，切不可東張西望，因為你的眼神會讓觀眾走神，也會讓自己走神。觀眾奉上的鮮花不可隨意地放在地上，最好是放在鋼琴上，或是放回后臺去，這也是對觀眾的一種尊重。

三、保持均衡的演唱

演唱者應注意保持均衡的演唱，這是考量一位演唱者有無藝術修養的標尺。一個有修養的藝術家，在他的內心中，不但對一個作品有深刻的認識，同時在樂曲的進行中，也能維持作品藝術上的均衡，不會將樂曲過分夸張或疏忽了事，歌唱者在歌曲的發展過程中，無論在量上還是在質上都要保持一個極均衡的狀態，甚至在力度發展中那細微處也應有這種均衡感。均衡包括藝術上的各種對照。例如，不同的調性強調的力度、曲線的形成、節奏的變化和各種不同音色與情緒的變化等，這些對比要在有修養的藝術中、均衡中表現出來，才算得上是優良的表現。這不但要靠直覺，還要有完美的控制和豐富的經驗才能做到。我曾經聽過一位歌唱者的演唱，他是一位男高音，具有洪亮的嗓音和美麗的音質，然而他卻不懂得處理好一首作品的強弱關系，總想把自己的漂亮的高音全部凸顯出來，以此征服觀眾，結果反而出現了令人難堪的破音，實在令人沮喪。在一次演出時，他在我的勸說下試著用弱聲去唱，結果產生了意想不到的效果，他也由此認識到強弱對比的重要性。

聲樂演唱的過程猶如一幅畫，演唱者要努力使色彩富有生氣，要想使畫面的色彩具有引人入勝、萬眾矚目的效果，必須依靠整體的安排，依靠藝術家和觀眾之間情感的交流。盡管藝術家做得很好，但沒有引起場內觀眾的響應，這是因為演唱者超過了藝術上所允許的程度，過于增強熱情或加強情緒。因為這種帶電的連接是不能強迫的，常常雙方很快就會表現出鎮靜的感覺，即使激動少了，但鎮靜的效果卻是巨大的，演唱家和聽眾之間的平靜，是相互之間了解為目的的過程。只有對所從事的事業無私奉獻的貢獻，并放棄以獲得嘈雜的聲音喝彩為目的的嘗試時，才能實現藝術家與觀眾之間的交流。

對于一件藝術品來說，能獲得觀眾的喝彩固然重要，但更多的是對藝術作品耐久地了解，這比許多人暴風雨般的掌聲更有價值。有藝術修養的觀眾，只渴望接受最好的藝術，他們會無情地譴責低俗的和平凡的藝術。藝術家的任務是通過提供最好的、最精心準備的成就來教育觀眾，使觀眾更崇高，這就是藝術家的使命。如果能做到這一點，并且不受個人愛好標準的影響，他就完成了他的使命。

四、在藝術處理上做到恰到好處

演唱者在藝術處理上要做到恰到好處，有的演唱者過分注意枝節，雖然他已具備了高超的技術和美妙的聲音，卻無法有成功的表演。原因之一：許多歌唱者過分自信，將音樂中的技術問題做得很完美，把每一句、每一音符都精心設計得無暇可擊，這種表演卻未必能成功。還有技術好的歌唱者，對于單獨的樂句處理過分注重，每一小節都考慮再三，這樣的話樂曲的整體就會受到破壞。這種情況，正像有些演唱者對某首歌曲已滾瓜爛熟，唱起來容易機械化，激情和靈性的東西少了，這樣的演唱是失敗的。所以，我們要牢記一句話：弦歌全征途，在留意小節。原因之二：以效果取悅觀眾，優秀的演唱者是不屑于以效果取悅觀眾的，即如前面所說，在細微處過分做作，或將樂句無故過分延長或縮短，或把速度無故改變，或濫用強板和故作戲劇性的唱法，或濫用漸強或漸弱，或隨時作無意義的呼吸和隨便改調，這些都是違背藝術高尚風格的做法。有些歌手以為用這些方法能達到成功的目的，這是極為愚蠢的做法。曾經在音樂會上聽一位歌手演唱，每演唱一首歌，必在高音處作無限延長，直至觀眾在無可奈何之下給予掌聲方肯罷休。有一次演出，他又如法炮制，結果那天的觀眾不知為什么，任他延長多長也不鼓掌，有觀眾說：“憋死他，就不給他鼓掌。”結果可想而知。由此可見，有些手法雖好，卻也不可濫用。用得恰當能收到效果，反之則破壞了樂曲的進行與連貫。另外還要注意的是音樂表現符號的使用，例如kunstpause譯為藝術上的停頓，這個并非所指的是藝術上的延長，而是在特殊的表情需要時才使用，不過這種雅致的、細微的間斷不可有絲毫的夸大，稍有不慎及流于庸俗。還有滑音的唱法，也是一種音樂表現，但一首歌里用得太多則不可取。另外swell譯為音的收縮，即在一個長音上或在組音或一個短句上，將它或擴大或縮小，目的是為了增強效果。另外，還有搶板的運用，搶板雖然可以幫助演唱者抒發情感，但過后，應能理智地回到原速也不是件易事，所以要慎用。

演唱者如果能做到以上這些，起碼就是一個有藝術修養的歌唱演員，但不懈的努力還是必需的。德國著名的歌唱家莉莉·雷曼曾經說：“世界上所有的喝彩，都不能償還我為藝術所做出的犧牲，在我感覺到一個單獨的音或試圖表達的感情遭到失敗時，世界上沒有什么喝彩欺騙得了我。”所有從事藝術的人都應有如此嚴謹的態度，只有這樣才有可能成為一位真正意義上的歌唱家。