藝術家也是科技控

今年7月，哈爾濱“遠大奇幻藝術節”展出的世界名畫并不是真跡，但卻充滿吸引力，感謝科技，把達·芬奇、梵高、畢加索、夏加爾、馬奈、列賓和米勒的名作變成“能說會動”的藝術品。與此同時，在倫敦國家美術館舉辦的“變形記：提香2012”藝術展上，古典油畫也借科技重新演繹，提香筆下的狩獵女神狄安娜，在藝術家康拉德·肖克羅斯的妙手中變成了機器人。

在對科技手段的學習和運用上，先鋒作曲家約翰·凱奇、視頻藝術家白南準、攝影家安德烈亞斯·古爾斯基、電影導演詹姆斯·卡梅隆、互聯網藝術家沃爾夫岡·施特勒、舞臺劇編導迪奎·詹姆斯、生物藝術家史帝拉等人，是近一個世紀以來的佼佼者。他們總能恰到好處地將最前沿的技術應用到自己的創作中，或者干脆親手創造一種最前沿的技術，以便完成創作目標。

沒有音符的音樂

運用電子技術來創作音樂作品，可從美國先鋒作曲家約翰·凱奇說起。他最為著名的實驗性作品是1952年演出的《4分33秒》，全曲三個樂章，卻沒有一個音符。凱奇成為音樂史上第一個在舞臺上“無聲”演出的人。

1964年，麥克盧漢出版了他的代表作《理解媒介》，凱奇深受他的影響，開始運用電子技術進行音樂創作，還把視覺手段也加入音樂創作中。他的很多作品是今天意義上的多媒體作品，如《變奏Vll》、《再結合》等。

作為先鋒作曲家，凱奇十分關注其他領域的動向，建筑師布克明斯特·富勒（Buckminster Fulle）所說的科學能產生豐富的物質的觀點，也使他受益良多，促成了新的音樂實驗。

在對技術和音樂的結合運用上，勞麗·安德森青出于藍。1993年，她進行了一次令人矚目的嘗試。那一年，她第一次演出了大型多媒體作品《神經圣經》。在那次表演中，舞臺上掛滿了屏幕，播放不斷變化的圖像和音響。安德森站在這些屏幕前面唱歌、講故事和彈琴。這之后，電子合成式的演講成了安德森的招牌。

她的藝術表演要借助一些經過技術改裝的裝置，如能夠制作聲音特效和奇特音樂的聲音棒，既可以錄制也可以播放音效的磁弓小提琴等。

視頻藝術的開山人

一說起與技術相結合的視頻藝術，人們首先想到的多半是視頻藝術之父韓國人白南準。盡管在上世紀60年代被認為是高科技的東西——如電視、便攜式攝像機，今天已經不算什么高科技。

1963年3月，白南準在畫廊主羅夫·加林的別墅內舉辦了第一個個展，這個個展不像是藝術展，倒像是一個發明創造展。白南準制造了很多電子儀器式的裝置，比如，把拆散的鋼琴和唱機重新組合在一起，或者在注滿水的浴缸里放上一個塑膠模特的聲音視覺裝置，或者把11臺黑白電視機雜亂無章地擺放在地上，播出經過強烈干擾根本無法看清的圖像。

這個展覽在今天已被公認是視頻藝術史上里程碑式的事件，正是通過這個展覽，原先做“行動音樂”的白南準一跨界就成功了，成為視頻藝術的開山人。

在白南準開始視頻藝術實踐的時代，所謂高科技手段，是用便攜式攝像機自己拍片，是用磁石扭曲電視圖像，或者對視頻進行重新編輯。隨著科技的不斷發展，他也不斷地學習和運用電子、機械、光學方面的技術來進行創作，電腦技術出現以后，他又很快吸納，他的創作過程總有技術人員相伴。

數碼技術的出現對攝影藝術的改變是革命性的，完全不使用膠片的數碼相機，讓照片變成數據組成的虛擬物，既可在空氣中傳輸，在電腦里修改，也可直接打印在相紙上。

運用數碼技術進行攝影創作的人很多，但真正把它變成獨門藝術的人很少，德國攝影家安德烈亞斯·古爾斯基（Andreas Gursky）是其中的佼佼者。他雖擅長數碼修片，但仍然堅持一種沒有矯飾的觀察方法，也從觀念藝術和極少主義攝影大師貝恩德（Bernd）和希拉·貝歇（Hilla Becher）那里學到了方法論。

上世紀90年代，他先拍下世界各大城市的摩天大樓等巨大空間的照片，然后把大幅彩色負片掃描到電腦里，隨后用數碼技術將它們合成一張照片，并不斷修改調整，經他之手的照片已經不是真實存在的景觀，觀眾看不出哪些是原來就有的，哪些是后來加上去的，但整個作品卻精心刻畫，有種古典油畫般的經典風格。

2009年，他創作了《海洋》系列，把從網上找到的海洋衛星照片和自己航拍到的海洋景色嫁接在一起。陸地與海洋銜接的地方以及海洋都需要大量的人工修片，因為畫面大，所以展現豐富細節又沒有破綻的難度極高，但這正是古爾斯基的過人之處。

演出效果從四面八方向觀眾撲來

一直以來，互聯網在藝術中都更多的是一個制造藝術的工具，一個展示藝術的空間，而不是藝術本身。但是，早在上世紀90年代，就有藝術家將網站作為藝術本身來展示，其中最著名的是喬安·海姆斯凱克和迪爾克·佩斯曼。

1995年，他們合作開發了網站jodi.com，這個網站利用互聯網語言——計算機代碼來產生純粹的視覺效果。反復出現的符號和數字組成了抽象繪畫般的圖式，就像計算機寫的詩、畫的畫。

網絡攝像頭出現之后，它所拍攝的影像可以通過互聯網讓全世界的人實時觀看，德國藝術家沃爾夫岡·施特勒即是一個利用網絡與現實的這種連接關系創作的藝術家。他最知名的作品產生于展覽“2001”期間，他用攝影機對準柏林電視塔、一家德國修道院和曼哈頓南部空中輪廓線，然后將影像投影到紐約一家畫廊黑暗展廳的墻上。

這個作品像安迪·沃霍爾的《帝國》？很快就不是了。

展覽9月6日開幕，5天之后，發生了“9·11”，令人恐懼的畫面全部被投影到了展廳墻上。這件作品突然發生了變化，變成了對創傷的記憶。

在百老匯看戲，大多數不允許拍照，唯有阿根廷行為藝術現代劇《蠻力》（Fuerza Bruta），任影唔嬲（廣東話：怎么拍都不生氣）。70分鐘的演出，一個座位都沒有，觀眾就擠在舞臺邊上隨著演員一起淋雨、尖叫、發瘋。

這部戲沒有情節，沒有邏輯，只講激情和爆發力。導演迪奎·詹姆斯（Diqui James）2002年開始構思這部戲，2005年在阿根廷首次公演，隨后在世界上許多國家和地區進行過巡演。詹姆斯說：“我討厭靜止的場景，我的劇場需要運動和速度?！?/p>

他是這樣宣布，也是這樣做的。《蠻力》使用了許多舞臺裝置來制造運動和速度，除了常見的傳送帶和威亞等，還有許多創新。如懸在空中的方形水槽內外各有一個演員，他們拼命蹬踢令水槽旋轉，濺出的水花灑在觀眾身上。

演出空間改變了以往觀眾坐在觀眾席中靜靜觀看的習慣方式，而是讓舞臺立體起來。演出效果從四面八方向觀眾撲過來，音樂、燈光、特效使他們緊張、興奮、害怕、陶醉，從而釋放出真正的自我。演員仿佛在觀眾觸手可及的地方，但一秒鐘之后又消失了。

依靠科技，詹姆斯實現了他腦中所想，展現了一幕幕極具蒙太奇效果的舞臺場景。不同于電影特效，戲劇場景中的每一次炫目的飛檐走壁都是即時發生的，因此就更加震撼。

藝術家玩起生物實驗技術

從定義上來說，生物藝術是一種以生物組織、細菌、活體和生命進程為對象的藝術實踐，藝術家使用的主要創作手段是實驗室里才能進行的生物技術，制造出的生物作品，恕我直言，口味很重。

澳大利亞藝術家史帝拉（Stelarc）是這一領域的大師和狂人，他的作品名大多是《強化的肉體》、《雷射眼》、《第三只手》、《自動化手臂》、《視像黑影》這一類，實現手法也特別狠。在他的藝術里，科技附著在人身上，甚至入侵了人的身體。

他做過最多次的“懸掛”表演，是用釣鉤扎進他的皮膚，赤身裸體地被懸掛在空中。在這過程中，他還通過多重聲音傳感器將自己心跳和血液流動的聲音擴出去。

《第三只手》說的是人體在新的機器上得到延伸，他用裝在腹部的電極控制第三只手，讓它自由活動，甚至寫字。

至于《另一只耳》，史帝拉從胸腔里取出皮膚軟骨組織來造一只耳朵，并且，把它接到了自己的小臂上。然后，當有人給史帝拉打電話的時候，他就用“另一只耳”來接，聽筒一直連接到他的牙齒縫里，如果他不張開嘴，沒有人可以聽到電話那頭的人對“另一只耳”說了什么。

（摘自《新周刊》第377期）