探索和思考抽象藝術精神的本質

摘 要：抽象繪畫是畫家摒棄了繪畫中一切描繪性的因素，純粹以抽象的色彩和線條來表達內心精神的繪畫形式。康定斯基作為抽象主義藝術中最具代表性的畫家，他的理論著作和繪畫精神都對現代藝術的發展產生了重大影響。

關鍵詞：抽象藝術 內在精神 本質特征

俄國著名畫家、美術理論家康定斯基是第一位創作出真正意義上的抽象繪畫大師，是抽象繪畫的先驅，是世界公認的現代抽象繪畫的創始人，有“抽象表現藝術之父”的美譽。其最具影響力的作品《構成第四號（戰爭）》《構成第七號》分別完成于1911年和1913年。康定斯基在進行繪畫創作的同時，積極探索和思考藝術精神的本質，著述了《藝術中的精神》和《論點線面》等抽象理論巨著。《藝術中的精神》是康定斯基第一本系統闡發他的抽象藝術主張的理論著作，被譽為“抽象藝術的圣經”；《論點線面》是康定斯基的重要理論著作且也是《藝術中的精神》的續篇。

康定斯基的個人經歷和境況非同尋常。他曾從事與藝術毫無關系的法律工作，到30歲才開始投身繪畫藝術，而在這之前他是一位天賦很高的業余畫家。1896年康定斯基離開曾給他藝術感悟以深刻影響，后被他親切地稱為“童話莫斯科”的故鄉。于是，他放棄了法學教授的輝煌職位，移居慕尼黑，立志從事繪畫。在日后的繪畫生涯中，他逐漸告別了傳統繪畫，參加了“慕尼黑新藝術家協會”，組建了“青騎士社”，任教包豪斯學院，全力推行抽象主義繪畫。早期的兩件事情給畫家留下了深刻的印象，一是1895年在莫斯科展出的法國印象派畫家的作品尤其是莫奈所畫的《麥草堆》，二是皇宮大戲院上演的《洛本格林》一劇。面對莫奈的《麥草堆》，他最初覺得很激憤，因為這幅畫的主題幾乎無法辨認，但卻使他感受到調色板毋庸置疑的威力，且對物象作為繪畫中一個必不可少的因素產生懷疑，使他的童話莫斯科一點點重現在畫布之上；《洛本格林》似乎是這個童話莫斯科的全面實現。對于康定斯基而言，這出戲劇似乎將華格納的標題音樂所激起的情感通過”強烈色彩“和“散亂線條”予以完美的視覺表現。很顯然，借藝術來表達其豐富情感的時機已經到來。

縱觀康定斯基的藝術大致可以分為以下幾個階段。

第一階段是從1896年到1909年“色彩表現的時代”。康定斯基在他早期的繪畫中，特別強調色彩的表現力。他以濃重而明亮的色彩來表現自然風光，表現俄羅斯的民間故事，抒發其浪漫、詩意的情懷。這一時期的作品主要有兩部分組成。其一是受印象主義影響的小風景畫，他自稱為“蛋彩畫”；1904年的《風景中的俄國小姐》是其代表作。其二是在莫爾諾小鎮的風景畫，他以澎湃的激情沖出了形的桎梏，將色彩鮮艷的寫生風景轉變為對理想世界的描繪。大塊平鋪的色彩已掙脫了物象的外形，手法抽象，具有強烈的表現主義色彩。如1908年所作的《莫爾諾街道上的女人》，色彩對比鮮明，形態單純化，強勁而有力，抑揚變化的大筆觸，顯示他對物象的描繪已有信心，并企圖以強烈主觀的感情表現出來。這是他發自內在的、難以抑制的欲望，是一種“內在的必然性”產生出來的。

第二階段是從1909年到1914年的“有機的抽象時期”，這期間他創作了許多富有影響力的抽象繪畫，曾有人用“疾風怒濤時期”來概括他這一時期不可遏制的創作欲望。如1910年在《最初的抽象水彩畫》這幅作品中，除了一團團大大小小的色斑和扭曲、激蕩的線條以外，我們看不到任何可以辨識的具體物象。他認為藝術創作的目的不是捕捉對象的外形，而在于捕捉其內在精神，畫家在繪畫中應摒棄一切描繪性的因素，以純抽象的色彩和線條來表達內在的精神。這是康定斯基與其他畫家的不同之處，《最初的抽象水彩畫》是他用一種新的創作方法試驗的第一幅作品，不同于以往他所創作的任何作品，成為他創作的新起點。這幅畫的誕生，揭開了他抽象繪畫的序幕，同時也標志著歐洲美術史上對客觀物象的最后突破，因而被美術史家稱之為抽象表現主義的第一例。

在他的繪畫中，我們還能感覺到一種如同音符般的激情因素，有一種與音樂相通的和鳴。他認為現有的繪畫方式無法表達他內心的感受，他需要一種純繪畫，畫面如同音樂一般具有流動性。他曾說過：“一張紙上蓋滿按照某種次序排列的色彩與線條，在不懂的人的眼里，等于是一張白紙。”在這以后，他開始借音樂標題的方法來提示自己的潛在意圖，如“構圖”、“即興”、“抒情”等，即與音樂相類似。通過線條、色彩、空間和運動來傳達藝術家的感性意識，不再參照自然物。康定斯基在1913年創作的《構成第七號》可以稱為是一支音樂狂想曲。這是他作品中畫面最大的一幅，也是超越他以往其他作品的杰出成就的作品之一，因此用“狂想”來形容并不為過。初看這幅畫時，給人的感覺異常迷亂，但當你慢賞細察卻可以感受到他的構圖技巧，畫面中有著無數的重疊和變化的融合，并且每一個形體都有著自己的法則，每一個法則又在這個整體中發揮著強大的沖擊力，使畫面本身充滿著律動感，猶如一部偉大的交響樂。畫面中較為突出的是，中央出現的黑色的點和線，像旋風一樣牽動著整個畫面的色彩，具有強烈的傾向性。

康定斯基在他的論著《藝術的精神》中提出了抽象繪畫構成的主導原則——內在需要原則。他認為“凡是內在需要的，發源于心靈的就是美的”，藝術家作畫“只能以有目的地碰觸人類的靈魂這一原則為基礎”，這一原理被他命名為“內在需要原理”。

從1914年到1921年是康定斯基藝術發展的第三個階段。在這其間，他的畫風逐漸轉變為幾何學構成的風格。1914年康定斯基輾轉回到故鄉莫斯科，此時的創作受到諸多客觀條件的影響，整個階段很少作畫且表達出自己對現實的痛恨和無奈。如1916年所畫的《光地上的形象》，畫面上不規則的形體曲折地表達畫家不安的內心狀態；在1920年一幅名為《白線》的作品中，我們能夠感受到他當時的苦悶和不安。

包豪斯執教（1922年—1934年）期間，是他“圓的時代”之成熟期。1921年康定斯基回到德國，1922年到包豪斯學院任教，這方沃土對他的藝術發展起著至關重要的作用，他的抽象畫理論《藝術的精神》在此得以貫徹到他的教學中；學院中同仁的影響更是不可低估，如克利就是一位對康定斯基的藝術有著不同尋常影響的人物。他的理論著作《藝術的精神》的續篇《點，線，面》一書完成于此間，這本書使抽象藝術理論得以完善，繪畫要素得到了極為精到的分析，比如說，他認為“點”是一切形象的最單純化；“線”是點在一種或多種力量下的通道；“曲線”是線在受到壓力下彎曲而成的，直線代表否定，而曲線則有其核心等。在此期間，康定斯基創造了許多高超的作品，整體的色調是嚴肅的、有活力的，色彩的強度和密度，使形象具有熱情和生命，如1927年所作的《角形》，一個黑色的形象，一個棕色的空間中扭曲而突伸，這空間有少數方塊與神秘的符號配置在角上和背景中，收到強調的效果，用簡單的主題表達了極為崇高和豁達的精神。

康定斯基與包豪斯的關系到1933年便終止了，之后定居巴黎一直到逝世。對于他來說，最后這個階段，無論是在作品的數量上還是在思想與形式的發展上，都是豐富多彩的。他晚年的巔峰之作是《構成第十號》，已明顯不同于那幅水彩作品，此作畫面結構復雜，氣勢龐大，暗褐色的平面底子，華麗的色彩以各種形象呈現出來：大小不同的面，方向不同的線穿插交錯，不同顏色的四角形的星星點綴其中，整個畫面活躍、跳動，有壯麗交響詩的感覺，也達到了交響樂的性質。康定斯基在總結造型藝術時說：“偉大的造型藝術作品是交響樂曲，其中旋律的因素‘具有一種稀少的和附屬的作用’，主要的因素是‘各個部分的平衡和系統的安排’。”

縱觀康定斯基的藝術歷程，留給我們的不僅是理論與作品那般簡單，更重要的是“精神”，是作為藝術家要忠誠于自己的心靈，注重內在需要的精神。正如他回憶錄中所言：“在很多事情上我必須責備自己，但是，有一件事我一直對它是忠實的——‘內在的表達’，他是我的藝術宗旨，我希望追隨它直到生命的最后時刻。”

參考文獻：

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[4] 焦雷，馬歸民.關于康定斯基與抽象繪畫的思考[J].美與時代，2007，（12）.

作 者：周建宏，海南師范大學美術學院副院長，教授，碩士生導師，主要研究方向為美術教育與創作；劉丹丹，海南師范大學美術學院2011級在讀碩士研究生，主要研究方向為美術學（油畫方向）。

編 輯：錢 叢 E-mail:qiancong0818@126.com