從印象主義色彩試論油畫色彩關系

摘要:如果把油畫比作一個人，那么素描造型可看作是他的骨架，材料和筆觸是他的肌體，色彩無疑是他的血液，沒有血液生命力從何而來？色彩對于一副油畫作品的重要性不言而喻。本文從印象主義的色彩發展與探尋入手闡述以下內容，談一點自己關于如何構建合理的直至精彩的色彩關系的觀點。

關鍵詞： 印象主義色彩；梵高；繪畫；色調；色彩；調和

[中圖分類號]：J213.1 [文獻標識碼]：A

[文章編號]：1002-2139(2012)-17-0-02

一、印象主義色彩

印象主義興起于19世紀，他們把“光”和“色彩”看成是畫面表現的主體，作品大多是在室外對景寫生而成，突破了西方幾百年來畫家在畫室作畫的傳統習慣。為了更好地描繪物象在陽光下真實而微妙的色彩變化。他們在油畫技法上改進了某些色彩單調的傳統畫法，而將原來應當調和的兩種或兩種以上的色彩并列起來，從而大大提高了色彩的明度，使色彩顯得更加燦爛明快。與傳統的繪畫相比，我們從印象主義的作品中分辨出與之不同的新的形象語言，這就是色彩的表現力。色彩帶來了人們對早晨景色的朦朧印象，對中午強烈光線照射的體驗，對傍晚夕陽的依戀。從他們所描繪的天空中看到了色彩與光線的變化，學到了表現水與倒影的色彩感覺，也終于從作品物體的暗部與投影部位看到了色彩和散發出來的微弱光亮。是什么誘惑著藝術家不斷地研究自然的這種變化？是色彩，是色彩的斑斕給人的視覺產生了鮮明的印象，這個階段在人們的眼睛里第一次感受到了色彩的光輝，有了色彩感。這其中也包含著藝術家本人對自然的鐘愛，人們通過對自然的研究，反過來更多的了解人自己、人的本性、人的潛力、對色彩的偏愛，人們發現了自我情感，這直接影響著以后的視覺文化的發展。

二、梵高繪畫

梵高是印象主義時期一名杰出的畫家，作為后印象派出色的代表畫家之一，他的色彩運用讓人有神鬼莫辯之感。在他的思想里，色彩本身就意味了某種東西的存在。舉個例子來說吧，我想要創作一幅秋色的圖畫，要充滿樹枝的黃葉來襯托。如果說我可以理解為是黃色的不同層次間的協調和溝通，那就是說即使我使用的黃色與樹葉的黃色相同也沒有問題。梵高就認為這之間沒有什么關系。在梵高的觀點里他認為色彩是極具獨立性和精神表現力的，并且這種色彩的能量石十分巨大的。就像他所說的“在我的眼睛里真正的畫家是那些人，他們畫各種東西，不是照它們的樣子枯燥地分剖著，而是照他自己感覺到的那樣”。記得在上上世紀八十年代，梵高的創作了他特殊色彩觀的藝術品《夜咖啡館》。據他的描述它想用紅和率來表現出他想表達的人類的特殊情調。在這種暗示力極強的色彩中表現出人們火熱的內心情緒。在他的觀點里，咖啡館不再是單純的娛樂和放松的場所，而是一個可怕的導致人類瘋狂并犯罪的場所。在這幅作品里梵高用各種層次的紅色如粉紅色、血紅色、深紅色和一種綠色來相互映照達到目的。表達出了一種火熱的地獄氣氛、苦痛與黑暗并存、麻木無知又渾渾噩噩的人類。換句話來說，這也是當時梵高本人內心的真實寫照，當時的梵高不被人們所理解，內心極為孤獨和痛苦。他通過色彩的描繪來宣泄這些負面的情緒。這些都體現他內心的真實情感和想象突出了他自己的色彩本質。

在梵高的藝術思想力，色彩的世界是感情性的世界，而這其中想象的色彩又嚴重影響了他的繪畫。想象是繪畫的翅膀，就像“想象確實是我們必須發展的才能。只有它能夠使我們得以創造一種升華的自然。”反觀《夜咖啡館》這部藝術品，哲理充斥的不是暗示力的色彩，而是梵高思想里的用紅色和綠色對比映照而來的可怕情調。到了十九世紀末梵高的創作進入了黃色時代，這時期他的代表作《向日葵》中，應用了強烈的色彩，以表象太陽和花生命力的征兆。黃色是神秘性的代表能突顯精神不安定而狂為的表現。這也表現出了梵高當時真實的內心想法，這個時期的梵高精神和情緒上都十分的紊亂，那時候他割掉耳朵，他盛氣凌人。正因為這樣那時候他的作品里充斥著黃色。舉個例子來說，像是《一位詩人的肖像》、《播種者》等等。那時的梵高認為只有黃色這種神秘的顏色才能控制他的內心和情緒。

梵高的整個藝術生涯，全面解放了繪畫色彩，使得繪畫在色彩方面得到了充分的自由。他的作品對后來者有著極大的影響力。舉個例子來說吧，馬蒂斯、蒙克，年青時期的德朗、弗拉芒克、康定斯基、夏加爾和克利等人就深受其色彩觀的影響和啟示。如今，梵高的色彩觀對我們的藝術實踐也具有非常重要的啟發價值。

三、淺談油畫色彩關系

色調是一幅畫的總體色彩傾向，它是色彩的復合體，其中包括明暗變化、色彩對和色相上的微妙差異，只是在總體上形成了統一的基調，這種色彩組合關系比單一的色彩有更強的表現力，也是在每一件成功的作品中都所存在的。色調與作者的情感有著內在聯系，但又有所不同，是表達情感的關鍵。色調達到“多樣的統一”，給人以調和的印象。色調的調和從色彩的三屬性，即色相、明度和色度（即飽和度）三個方面通過藝術處理和加工而求得變化統一的。可概括以下三種色彩調和的關系：

單一色相的變化調和：單一色相的變化調和的配色方法源遠流長，如原始人類在洞穴石壁上用土紅、黑等單色描繪各種動物及生活用具，后世有些畫家還沿用于壁畫、裝飾性繪畫及工藝美術，但多給予新的形式和更強烈的表現力。畢加索1901年末所開始的“藍色時期”，也是采用“單一色相的變化調和”的色彩創作方法。作品中使用全藍的色調，變換藍色的冷暖、濃淡、明暗、強弱等關系調配出各種傾向的藍色階。如《角膜炎的女人》背景用傾向冷的藍色變為藍綠的感覺、人物的服飾用傾向暖的藍色而變為藍紫的感覺，臉則涂以亮而柔和的淡紫色，整個畫面的色調和諧又富有細微的變化。

鄰近色的調和：即由色相輪中接近顏色的配合而形成總體色調。塞尚對色彩的觀察、研究和表現，形成了自己新的色彩結構，塞尚在冷色域里選擇了以藍為中心往冷色過渡至綠，往暖色至紫一組鄰近色；在暖色域里以桔色為中心往冷色趨向黃，往暖色趨向紅。他的許多畫基本上是采用這兩個色輪角的顏色進行冷暖、明暗、強弱的色面推移，表現出體積質的多樣和豐富。有時再以少量補色作為支持色（以求對比色效果）而構成生動、有力而達到和諧的色調，使色彩結構發展合乎邏輯。1896年畫的《阿奴西湖》，是對景象的色彩進行分析、綜合而設計的藍綠兩個鄰近色構成整個畫面的色調，而以藍色為主。近景岸邊的大樹以藍紫與藍綠色表現它的體面形狀，對岸的山腹交替運用藍、綠兩色清晰地表現山脈的陰陽起伏變化，又以藍、綠兩色交織平涂表現平靜的湖面。以少量藍色的對比色桔黃，涂于近景及山脈的受光面，造成陽光斜暉的溫和感。由此形成了整個畫面色彩結構的一組鄰近色：藍綠、藍、藍紫。

對比色的調和：即色相。明度、飽和度都相差較遠的顏色配和，通過對比而組織在統一的關系中，給人以強烈的感覺。梵高有很多作品都體現了對比色的調和。比如《向日葵》用鉻黃色的花與淺藍色的背景形成色相、明度、色度三方面因素的對比，又用茶色的輪廓線和少量綠時相對比。由于將整幅畫面上的次要部分：背景、茶色線、綠時等來陪襯主要部分濃烈鉻黃色的花，取得所有部分在形體和色彩細節上相互諧調，”統一在黃色調之中，給人以平衡和美的感覺。

色調的確定由作品的精神內涵和畫家的審美取向所決定，是一種感覺上的追求，一般的規律是在調子確立之后，在確定的調子關系中尋找關系，將畫面中所有的顏色，尤其那些顏色個性極強的固有色，調整到一個空間中去與之協調，產生色彩關系。色調中的色彩關系是通過色相對比補充的關系來表現的，沒有純粹的色度變化，純粹的色度變化應理解為素描中的明暗層次。在一個整體的色彩關系之中，所有局部色彩必須統一在色調之下，如要將一塊紅色反映出來，只要將它調整到讓人覺得他是紅色就可以了，就算將它從整體關系中拿出來看時它根本不是一塊紅色。如果脫離相互的關系局部孤立地去處理這塊紅色，將它達到固有色的程度，它肯定就不入調。這是關于色彩的調整，就是要在畫面做大量的比較，大量的取舍，最終獲得有合理色彩秩序的色調。

四、總結

關于油畫色彩關系的研究是一個長期的過程，今后也必將延續，回顧一下色彩發展的道路，從古典主義的刻守固有色到印象主義的自由奔放，再到今天，我們對色彩的認識不斷加深，其運用的方式也是千變萬化，今天的所有嘗試都將為今后色彩的發展提供有益的依據。在本文中，我想通過自己的論述來談談我的觀點：在構建色彩關系的過程中，一些基本的色彩規律是必要遵循的，但在這些同樣的基本規則下，畫家作品的千差萬別還是受到了個人情感的影響，個人色彩感覺的影響，盡管規則相同，但每個人的解讀也是不同的，而精彩的色彩處理往往是高于理性控制，在遵從大的原則下，我們還是應該大膽地進行嘗試，而非有了規律便墨守成規，在色彩關系的處理中，理性控制與感性處理同等重要，油畫作為一門藝術，還是需要有強烈的感情成分參與其中。