舞臺攝影心得（下）

六、光圈、快門、感光度的合理運用

攝影人都了解光圈和快門的關系其實就是為了得到正確曝光的一種對應關系。通常來說光圈的主要作用是控制景深和曝光量，快門的主要作用是控制曝光量和使動體影像“凝固”。舞臺攝影也不例外，當我們需要小景深、主體突出背景虛化的時候，可以采用光圈優先拍攝模式并增大光圈。反之可以縮小光圈，取得大的景深。當我們需要使動體影像“凝固”的時候，可以采用快門優先拍攝模式提高快門速度。反之可以降低快門速度，從而得到一個虛化的具有動感的影像。舞臺攝影的幾個技術指標——曝光正確、影像清晰、層次豐富、突出主題，都要靠光圈與快門的密切配合才能實現。

室內劇場舞臺的燈光都是經過精心設計的，考慮的是觀眾的視覺感受和舞臺表現力，并不是專門為了方便攝影。舞臺攝影經常會遇到光線不足并且拍攝主體是運動的情況。為了得到較為清晰的圖像，除了加大光圈和提高快門速度之外，我們還可以提高相機的感光度。拍攝講座、演講或者獨唱等相對運動較慢的演出，一般我會選擇ISO400-800的感光度，這樣能最大程度保證圖片質量。如果遇到舞蹈表演或者武術表演等相對運動速度較快的演出，我則會選擇ISO800-1600甚至更高的感光度，這樣即便損失了一些圖片質量，卻能夠把動作拍得清晰完整。

七、精彩瞬間的把握

舞臺攝影的精彩瞬間需要靠抓拍，一般使用快門優先或者光圈優先的拍攝模式進行拍攝。因為抓拍精彩瞬間的同時不會有時間再去思考構圖和快門光圈組合。碰到有潛力的場景一般會采用連拍功能多拍上幾張，以增加拍到好作品的機率。

舞臺攝影的精彩瞬間需要靠等待，有經驗的拍攝者一般會對舞臺表演的精彩瞬間有一個預估。等那一刻來臨之前他早已經在預定位置默默等待著精彩的發生，于是美妙的瞬間就在他面前發生了，精彩的畫面也被定格在按下快門的那一瞬間。

舞臺攝影的精彩瞬間通常是精心挑選的結果。一定程度上說，所謂抓拍或者連拍，就像是“碰運氣”。攝影師的現場藝術洞察力越強，對攝影技術的理解和掌握越透徹，“碰”到大片的機率也就越高。相反，攝影者如果沒有藝術和技術的底蘊作依托，盲目亂拍，要拍到哪怕是一張高水準作品也幾乎是不可能的。

八、功課做足只為那按下快門的一剎那

“臺上一分鐘，臺下十年功。”和許多其他的專業崗位一樣，要想成為一名優秀的攝影師同樣需要付出極大的努力，舞臺攝影也如此。不但要熟悉相機的全部功能及相關攝影器材的使用，還要了解舞臺攝影的全部技巧，并且需要掌握與攝影密切相關的攝影構圖、用光，平面構成學、色彩構成學、視覺心理學等，最重要的還要掌握圖片后期處理的相關技術。

在舞臺攝影中對拍攝對象、題材的了解也是不容忽視的。比如說我們拍舞蹈，舞蹈的特點是以形體動作作為表現手段來表達和抒發人物情感的。舞蹈的種類很多并且各具特色，例如芭蕾舞應注意表現腳尖的舞姿；拍井陘拉花要注意表現“吸腿”、“撇腳”等動作；蒙古舞則要注意表現“抖肩”的動作等。在拍攝舞蹈中大幅度的跳躍動作時，注意采用低角度的仰拍方式，這樣能夠夸張地表現表演者跳躍的高度，營造一種視覺沖擊力。在拍攝人數較多的集體舞蹈時，開場和結尾應當特別留意，一般舞蹈編導都會在這里設計優美的造型。在抓拍演員特寫時應當特別留意面容姣好、表情豐富的舞蹈演員抓取其最動人的姿態和生動的表情為宜。

再如拍攝戲曲，戲曲有多種不同的劇種，如京劇、昆劇、越劇、滬劇、川劇等，我們要注意不同劇種的不同特點。傳統戲曲的表演往往具有一定的程式化，老生、小生、花旦、丑角等都有各自動作特點，連走路也有不同步法。戲曲的特點是以手、眼、身、法、步配合唱腔來表達角色的內心活動，因而在拍攝時要特別注意這些細節的表現。戲曲演員的動作大都與戲曲音樂緊密配合，因此注意聆聽鑼鼓點的節奏，有助于掌握表演的規律和劇情的進展，便于抓拍精彩的瞬間。

拍攝曲藝要注意抓取演員在“學”、“逗”時令人捧腹的“洋相”，往往能使畫面給人以生動感。歌劇與戲曲一樣有著連貫的故事情節，在拍攝時要了解劇情，根據故事情節的發展抓拍精彩瞬間。歌劇與戲曲不同的是，舞臺燈光和舞臺布景經常會有豐富的變化，利用好燈光和布景往往會有意想不到的收獲。在拍攝鋼琴演奏會時多觀察鋼琴演奏者的手和表情的變化，注意在音樂達到高潮時抓拍精彩瞬間……所有這些拍攝常識不是一朝一夕能夠掌握的，這需要我們在平時就注意觀察、注意積累，不斷提高自身的藝術洞察力與藝術想象力。

九、大膽嘗試 勇于創新

放眼當今世界，不管是科學技術還是文化藝術各個領域，創新與發展是永恒的主題。從1839年達蓋爾的銀版照相法到今天的數碼攝影，攝影技術在170多年的時間里產生了巨大的進步。而攝影風格和流派從單一的繪畫主義攝影又派生出印象派攝影、寫實攝影、自然主義攝影、純粹派攝影、新即物主義攝影、堪的派攝影、達達派攝影、超現實主義攝影、抽象攝影、主觀主義攝影等攝影藝術流派。應該說這些攝影流派的產生都是大膽嘗試、勇于創新的結果。

舞臺攝影是一門既簡單又復雜的學科。說它簡單是因為給你一臺數碼相機用不了三五分鐘你就可以站在舞臺前從事舞臺攝影了，再經過5-10年的實踐摸索你也可以拍到精彩的舞臺攝影作品。之所以說它復雜，是因為舞臺攝影并不是一種拍攝技術的簡單重復，難就難在對舞臺攝影基礎理論的創新應用上；難就難在從舞臺攝影實踐中找到屬于自己的攝影語言。筆者通過這些年在實踐中的摸索，也曾經做過一些大膽的嘗試。下面我把它貢獻出來給廣大舞臺攝影愛好者提供一個參考，權作“拋磚引玉”。

我的做法是：當舞臺背景色彩豐富并且有明顯的條塊分割或者能夠感受到畫面中存在的點、線、面元素時，我就采用手動對焦，將畫面全部置于焦點之外，也就是通常我們講的失焦狀態。這樣拍出的畫面形式感更強，使觀者更多感受到的是畫面整體的構成和條塊分割。觀者的注意力從具體形象感受中抽離出來，達到一種抽象的美。通過這種手法創作出的舞臺攝影作品具有一種朦朧的美，一種詩意的美（見圖“舞臺攝影新嘗試”1、2）。

總之，舞臺攝影同其他所有藝術門類一樣，探索和創新永無止境。廣大舞臺攝影愛好者只有在不斷實踐、不斷借鑒、不斷創新的基礎上，盡可能地將藝術與技術完美結合起來，才能拍攝出比較理想的舞臺攝影作品。

（責編：劉建蕊）