2013 年度最“走心”展覽

馬年春晚有一首歌，叫《時間都去哪兒了》，其平實的感染力讓不少人感同身受，甚至感動落淚。要問藝術界，2013年你們的時間都哪兒去了？80%答案的會是：“看展覽去了唄”。縱觀我們《藝術財經》雜志的展訊欄目，每月展訊有六、七十條，一年下來近千個展覽在全國各地處處開花。不過跑腿并不是重點，能讓觀眾“走心”而流連忘返才能從眾多展覽中脫穎而出。那么，年度“走心”展覽有哪些呢？

Andy Warhol：

15 Minutes Eternal

安迪·沃霍爾：十五分鐘的永恒

撰文/珊珊

2012.12.16-2013.03.31 香港藝術館

2013.04.29-2013.07.28 上海當代藝術博物館

2013.09.29-2013.11.05 中美美術學院美術館

不管你是否喜歡那些顏色艷俗的波普藝術，安迪·沃霍爾絕對是一個繞不開的人物，他那些具有開創性的作品，令其在當代藝術史上占據了一席之地，也給后來許多藝術家的創作以靈感和啟發。2012年，“安迪·沃霍爾：十五分鐘的永恒”大型亞洲巡回展啟航，并于2012年先后登陸香港和新加坡，2013年，這些作品又分別來到了上海和北京，讓更多喜愛他的人一飽眼福。

此次巡回展讓人眼前一亮的是其規模之大，所有展品皆來自美國匹茲堡安迪·沃霍爾美術館，展出了沃霍爾自上世紀40年代-80年代創作的超過300余件作品，包括了版畫、雕塑、攝影、素描、架上繪畫等，展覽分為“人在紐約”、“工廠時代”、“閃亮星光”、“人生苦短”4個主題，較為完整地展示了沃霍爾創作的發展歷程，其中不乏其最經典的“金寶湯罐頭”、“瑪麗蓮夢露”和名人肖像等系列。展覽的標題則取自沃霍爾的名言：“未來，每個人都有成名15分鐘的機會。”

無論是香港藝術館、上海當代藝術博物館還是中央美術學院美術館，每一場展覽都吸引了大批觀眾以及許多曾受到沃霍爾影響的中國藝術家。雖然喜愛沃霍爾的人早已對其經歷和作品了如指掌，但是如此大規模的沃霍爾展覽來到中國尚屬首次，同時精心的策展也讓人對大量的作品展出有一個更清晰的脈絡。也許你已經數不清多少次在雜志上或者網絡上看到沃霍爾那經典的夢露頭像，雖然是冰冷沒有質感的絲網印刷，但是看到原作還是讓人有些興奮。而令人印象深刻的還有沃霍爾拍攝的大量寶麗來照片，展現了生活在那個時代之中的藝術家的精彩生活，無論是名人還是藝術家本人，通過沃霍爾的視角呈現出來都有一種特殊的美感。有意思的是，在展覽現場，觀眾還可以在一個特設的工作坊中親手做一件屬于自己的波普作品，親身體驗一下沃霍爾所倡導的藝術。

如果說有什么令人遺憾的，那可能就是在中國巡展的最后一站北京站中，因為央美美術館的場地限制，展出作品從原來的370余件縮減到110余件，展期和香港及上海站相比也縮短了一個月，對于在北京看展的觀眾來說多少有些失落，而有人放大量蒼蠅的舉動也讓開幕式出現了短暫的騷動。

就在北京站巡展結束的前兩天，紐約蘇富比舉行了當代藝術晚拍，一幅沃霍爾創作于1963年的作品《銀色車禍》在拍場拍出1.05億美元，刷新了藝術家的的個人拍賣紀錄，也成為當代藝術品歷來第二高拍賣成交價。雖然這對普通觀眾來說只是一個數字，但是在自家門口就能一睹這位受藝術圈和市場瘋狂追捧的波普大師的風采，這個理由就足以讓人將此列入2013年精彩展覽之列了。

Cold Mountain

The Solo Exhibition of Yin Zhaoyang

寒山：尹朝陽個展

撰文/珊珊

2013.11.13-2013.11.30 龍美術館

2013年11月12號，尹朝陽的最新個展“寒山”在上海浦東新區的龍美術館盛大開幕，展出了尹朝陽最近幾年創作的山水題材油畫作品。開幕式上，王薇館長表示，尹朝陽是中國“70后”藝術家里她非常欣賞的一位，本次展覽的作品更是尹朝陽創作生涯中的另一個高度，這也是龍美術館的第一個當代藝術個展。

這次尹朝陽又一次給人帶來了驚喜，傳統的山水題材以油彩的形式展現，將古寺、松柏和山水全都凝固在一方畫布上，濃烈的色彩和渾厚的筆觸顯示出藝術家深厚的功力，氣勢磅礴。這一系列鮮明的風格又和尹朝陽之前的作品區別開來，這場熱鬧的展覽也給溫吞的上海帶來了一股勁兒，讓人精神為之振奮。

從上世紀90年代的“青春遠去”、“失樂園”和“神話”系列起，再到后來的“廣場”和“輻射”，尹朝陽一直在不斷地尋找新題材、嘗試新技術和表達方式，一個系列從準備到終結要磨個好幾年，一張比一張成熟，直到自己滿意。難能可貴的是，即便某幾個系列在拍賣市場受到高價追捧，也絲毫沒有影響尹朝陽風格多變的創作訴求，事實證明，在當代藝術家中，在新作品系列推出的接受程度上，尹朝陽幾乎可以算是很高的了。

從2007年后，尹朝陽從之前的人物題材開始涉及到如佛像等中國傳統主義題材。一直以來，尹朝陽都對中國傳統文化有著自己的偏愛和見解，和藝術批評家不同的是，他是從個體的生命經驗出發，尋找自己和古人精神上的契合，這一次，他用自己最熟悉的油畫語言，在當代藝術中將傳統山水的脈絡承接下來。

此次展覽的策展人黃劍評論說，尹朝陽在繪畫語言中所展現的才情，以及在風格嬗變中所顯示的孤軍作戰能力，在當代藝術家中是出類拔萃的。尹朝陽的自覺在于，他既沒有過早地定型于某種獨門絕技，也從未過于深陷觀念和圖像的陷進，無論是哪一種表現題材的探索他都沒有放棄技術和語言的精進與革新。正因為尹朝陽是以往創作中那股一以貫之的生猛之氣開始山水系列創作的，所以這一系列作品從面世之初就境界宏大，意趣開張。

從上世紀90年代求學以來，尹朝陽每一個人生階段都有不同系列的作品與之呼應。而這十多年的時間，也正好是中國當代藝術波瀾起伏的時刻，無論是輝煌還是低估，尹朝陽都不為所動從內心出發，而這次在人生不惑之年，以自如的手筆表達對中國傳統山水的敬意，便是最好的例證。

Barbizon through Impressionism： Great French Paintings from The Sterling and Francine Clark Art Institute

從巴比松到印象派：克拉克藝術館藏法國繪畫精品

撰文/珊珊

2013.09.18-2013.12.01 上海博物館

2013年的9月中旬至11月底，上海博物館可以用“火爆”來形容了，每逢周末，排隊的隊伍可以從四樓一直排到二樓，就連平時工作日展廳也是人頭攢動，這全都是因為這里正在展出“從巴比松到印象派：克拉克藝術館藏法國繪畫精展”。

這次展覽由上海博物館與美國克拉克藝術館籌備3年聯合打造，共展出73幅作品。其中絕大多數來自克拉克夫婦的畢生收藏，1955年后由他們親自籌劃建立的克拉克藝術館保管至今。此次特展以廣大中國觀眾熟悉的巴比松和印象派風景畫為開端，觀眾可以觀賞到法國畫壇革命的領軍人物柯羅、米勒、盧梭等巴比松派畫家的經典作品，以及見證了印象派從新生到成熟的畢沙羅、莫奈、雷諾阿等人的風景寫生。在展覽的第二部分，曾在官方沙龍中綻放異彩的學院派畫作在這里與落選者沙龍中的印象派典型作品共聚一堂，讓大家領略19世紀法國畫壇的真實面貌。在所有展出作品中，其中最具分量的是其中22幅雷諾阿的作品，這也是克拉克收藏中最重要的一部分。但是和很多對印象派多有偏愛的收藏家不同的是，在克拉克眼里，學院派繪畫完全可以和更受后人追捧的印象派畫家放在一起展出，按照他的話說，他喜歡“一切好的藝術”，也因為如此才有了這次百花齊放的展覽。

在博物館四樓第三展廳，同時展出了“斯特林·克拉克在中國”。1908-1909年間，科拉克曾帶領一支科考隊穿越中國大西北，對中國的地理、氣象、生物、民族志等多個學科的研究做出了貢獻，還就這次探險經歷出版了一部行紀，此次也配合這次精品展一同展出。

值得一提的是，和長長的隊伍相呼應的是展廳外熱鬧的銷售臺，此次展覽的畫冊在在短短兩個月內也已經印到了第3版，印著德加、雷諾阿等人作品的手機外殼和裝飾性臺燈也賣得非常之好，也由此可見此類經典展覽的藝術衍生品在中國還是大有市場。

此次展覽作品的質量和數量不必再說，一些藝術愛好者因為從沒有機會見識如此規模的真作，據說進了展廳激動得鼻子都會發酸。如果說展覽有美中不足的話，那就是觀者無數，有時你必須要等前一批人走后才能在某幅畫面前站定，可見這次展覽的反響之熱烈以及中國的經典、高端展覽數量的缺乏和民眾對優質展覽的渴望之迫切。除了這些經典繪畫，克拉克夫婦的收藏以及克拉克藝術館的建設、運營才是更加值得中國藏家和藝術機構借鑒的。隨著中國引進展覽的操作日漸成熟，或許多久便會迎來更大的經典展覽。

Rubens， Van Dyck and the Flemish School of Painting： Masterpieces from the Collections of the Prince of Liechtenstein

魯本斯、凡·戴克與佛蘭德斯畫派：列支敦士登王室珍藏展

撰文/珊珊

2013.11.05-2014.02.15 國家博物館

2013年，中國博物館分別和大都會藝術博物館和盧浮宮等世界知名博物館聯合舉辦幾場了頗受歡迎的引進展，其中規格最高的要數“魯本斯、凡·戴克與佛蘭德斯畫派”的展覽了，因為這些作品的收藏者并不是某個收藏家或某家博物館，而是列支敦士登王室—這個只有3萬多人的歐洲小國，其王室收藏機構是歐洲最重量級的收藏機構之一。有著王室的背景，此次展覽也上升到了外交規格，國家領導人發來賀信，文化部部長蔡武和列支敦士登公國攝政王儲阿洛伊斯殿下出席了開幕儀式。

此次展覽從列支敦士登王室多年的珍藏中精選了100件油畫、版畫與掛毯，涉及肖像、風景、靜物等種類，主題涵蓋宗教、神話和歷史，完整地展現了十六、十七世紀尼德蘭南部地區繪畫發展的歷程，其中包括魯本斯的《戰神馬爾斯與瑞亞·西爾維亞》和《克拉拉·賽琳娜·魯本斯的肖像》，凡·戴克的《熱那亞貴族肖像》，以及昆丁·馬西斯、揚·德·考克、勃魯蓋爾家族成員、雅各布 · 約丹斯等人的畫作。國家博物館副館長、展覽策展人陳履生表示：“像這次展覽這樣，如此大規模地聚焦魯本斯、凡戴克為代表的佛蘭德斯畫派是前所未有的。”

與此同時，在和此次展覽相鄰的展廳中，正在展出的是“地中海文明—法國盧浮宮博物館藏文物精品展”，雖然兩個參觀兩個展覽都要購買20元的門票，在周末人多的時候國家博物館大門外還是排起了長隊。在偌大的展廳中，一幅幅作品在精心調制的燈光下顯出了歷史的厚重和沉靜的美感。

如此大規模的精品展無疑稱得上一場藝術盛宴了，而另一方面，由于此次展出的作品涉及了宗教、神話和歷史等題材，所以對于公眾來說，如果要深入了解每幅作品背后的深刻含義，還需要借助導覽器才行，面對數量龐大的眾多經典之作，給每一幅作品標明注解是一個浩大的工程，但對重點作品的注釋無疑會對佛蘭德斯畫派一知半解的觀眾不僅僅停留在看熱鬧的階段。而令筆者印象深刻的是，在某個展覽日的下午，筆者看到有一位自稱“老師”的年輕女子領著幾個七八歲大小的孩子，手里拿著一疊資料在做詳細的導覽。想到近幾年國內許多高質量的展覽中小孩子的身影越來越多，這也許就是最好的藝術啟蒙教育吧。

Social Sculpture

BEUYS in China

社會雕塑：博伊斯在中國

撰文/珊珊

2013.09.07- 2013.11.15 中央美術學院美術館

2013年9月7日，“社會雕塑：博伊斯在中國”在北京中央美術學院美術館開幕，展覽展出了200余件手稿、素描、照片、博伊斯行為表演影像等珍貴作品和資料，這是一次博伊斯作品、文獻資料在中國的首次集中展出。3周以后，安迪沃霍爾的巡回展也在這里展出，這兩大西方當代藝術大師同期展覽，有一種相呼應的感覺。

博伊斯是二戰后藝術轉型的關鍵人物和代表，他的創作形式多樣，從實驗雕塑到行為藝術都有涉及。博伊斯的作品充滿神秘和隱喻，他的藝術理念和藝術理想都已成為藝術史上不容置疑的存在。他提出“人人都是藝術家”的觀念，進行“社會雕塑”（Social Sculpture）運動。他嘗試把“雕塑”概念加以擴大，強調動態的藝術創作的過程，進而把它擴展到社會生活之中。由于博伊斯在當代藝術史上的重要地位，在開幕之前就不由讓人們滿心期待。

但是，此次展覽卻招致了一些質疑的聲音，有人針對展覽大量的文獻資料，指出這與其說是博伊斯的展覽，還不如說是一個關于博伊斯的文獻展。

就這個展覽來說，由于博伊斯的藝術創作以行為藝術居多，而這些行為藝術也只能依靠視頻來保留。習慣了欣賞繪畫作品的觀眾，似乎覺得沒有“分量重”的作品而感到不滿足，展覽中也有播放博伊斯一些重要的作品，比如其著名的《如何向死兔子解釋圖畫》，藝術家的頭上涂蠻了蜂蜜，臉上覆蓋著金箔，懷抱一只死兔子在房間里走來走去，沒有過多的闡釋，這次表演被認為是博伊斯對“藝術是什么”的經典表達，他借用動物來表達人類的局限性，“即使是已經死了的動物也比帶著固執理性的人保有更多它的力量”。但是，如果觀眾之前對博伊斯的藝術理念并不了解，那么很可能看得一頭霧水。而展覽中大量的文字介紹，讓人很難在短時間集中注意力詳細閱讀，所以容易有走馬觀花之感。

在接受其他媒體采訪的時候，央美美術館館長王璜生稱此次展覽是這個展覽不是一般意義上單純的引進，而是中國的文化機構、學者第一次主動地去策劃一個世界級大師的展覽，從作品借展、資金籌措、策劃和一系列學術活動都代表著中國學者和機構的一種立場。王璜生把此次展覽稱為2013年美術館舉辦的最重要的展覽之一，也是中國美術界最大的事情之一。

各方的質疑和回應也讓人們對國外藝術家引進展產生了一些思考，究竟什么樣的展覽才是高質量的展覽。一個大型展覽中，如果受條件所限而不能展出藝術家的經典之作，那么其學術研究價值是不是也能稱得上具有另一個層面的意義；而如何讓更多的觀眾能更好地理解展覽意義所在也是值得引起主辦者思考的問題。

Ink Art： Past as Present in Contemporary China

水墨：當代中國的過去即現在

撰文/珊珊

2013.12.11-2014.04.06 大都會藝術博物館

2013年12月11日，一場名為“水墨：當代中國的過去即現在”的大型展覽在美國紐約大都會博物館拉開帷幕，這也是大都會博物館舉辦的首個中國當代藝術展。雖然中國的當代藝術市場依舊火熱，許多藝術家也頻頻在海外舉辦個展，但是像大都會這樣的世界級博物館以一個當代水墨的視角大范圍關注中國當代藝術家還并不多見。

此次展覽由大都會博物館亞洲部策劃，包括了徐冰、谷文達、邱志杰、張洹、艾未未、宋冬、任戩等35位藝術家共70余件作品。展覽作品類型多種多樣，包括繪畫、書法、攝影、版畫、錄像及雕塑。

本次展覽共分為4個單元，分別是：“文字”、“新風景”、“抽象”及“畫筆之外”。“文字”單元展示徐冰、谷文達、邱志杰和張洹的著名早期以文字為媒介的作品。“新風景”單元側重展示當代中國自然及社會景觀，包括了任戩、劉丹、楊泳梁等人的作品。“抽象”單元則展示王冬齡等人的當代書法作品。最后一個單元“畫筆之外”的作品相對龐雜，無法歸入前3個單元的作品均在這一單元，包括了蔡國強的影像作品及黃永砯的裝置作品等。

這次展覽的組織者也是大都會亞洲藝術部的負責人Maxwell K Hearn，在接受采訪時說到他之前對從中國傳統水墨進而到當代水墨的關注，他也談到，雖然他最初是從傳統的視角出發去觀看中國現當代藝術的，但是他在選取藝術家的作品時并沒有僅僅限于傳統風格，他希望展現出中國當代藝術家對傳統的延伸、挑戰甚至顛覆的一面。所以在展出的作品中，不僅僅是紙上作品，還有攝影、視頻和油畫等各種媒介，而所有的作品在他看來都保持了一種“水墨的審美”。

此次展出的作品全部來自大都會中國藝術部分的永久館藏，雖然對這些藝術家和其作品中國觀眾也許早已熟悉，但這次不同的是，展覽是由一所西方國家百科全書式的藝術博物館所策劃，在他們眼里，中國當代藝術從來都不是主流，而將這些作品以什么樣的組合置于此地又有特殊的含義。大都會的展覽介紹中也提到，這些作品雖然是世界藝術的范疇，但是之所以將其挑選出來突出展示，是因為它們或許是對中國傳統文化連續性的最好理解。通過中國傳統藝術范例的透鏡來檢視這些作品，之前被人忽視的意義和文化重要性被層層揭示。最終，各種視角使人們對藝術家的創作有了更豐富的理解。

2013 National Exhibition Season of Brilliant Collection Works from Art Museum in China Organized by Ministry of Culture

中央美術學院美術館藏國立北平藝專精品陳列（中國畫部分）

撰文/珊珊

2013.06.06-2013.12.01 中央美術學院美術館

清末民初，教育革新的呼聲日漸增強，從辛亥革命到“五四”運動前后，正是我國教育走向現代化并取得重大進步的關鍵時期，有識之士更是將教育事業看作是“人才盛、國勢強”的關鍵。在此背景下，中國近現代專業的美術教育也借此拉開了序幕。在中央美術學院美術館的帶動下，人們開始把目光聚焦于北平藝專—這所僅存三十余年卻對中國近現代美術影響深遠的中國第一所國立美術專業學校。

早在2012年，央美美術館首先推出了“中央美術學院美術館藏國立北平藝專精品陳列（西畫部分）”的展覽，展出了吳法鼎、李毅士、徐悲鴻、吳作人等近40幅代表作，回顧了國立北平藝專的西畫創作面貌與教育。

此次展覽算是上一個展覽的延續，展出了近40件作品，涉及作者三十余人，創作年代自1917-1949年，貫穿了國立北平藝專發展的各個重要時期；其中包括國立北平藝專各個時期重要的中國畫教學骨干鄭錦、陳師曾、王夢白、姚華、徐悲鴻、林風眠、齊白石、張大千、黃賓虹、溥心畬、于非闇、宗其香、李可染、李苦禪等等國畫大家。他們也是中國近代美術史上的重要人物。徐悲鴻的《三雞圖》、李可染的《布袋和尚》、陳師曾的《師曾題寫白石詞意》……這些都是這些大師在擔任北平藝專教師期間的作品，因常年存放于央美美術館的庫房極少面世，珍貴程度可見一斑。

除了極高的藝術價值，這個展覽還有重要的歷史研究意義，這也讓其在2013年舉辦的眾多展覽中脫穎而出。由于時代特殊，北平藝專的歷史十分復雜，從1918年鄭錦成立的北京美術學校，到1949年徐悲鴻任校長的國立北平藝術專科學校，短短30余年間，校名經歷了12次更改，隸屬北洋政府、國民政府、以及日偽臨時政府3個政府。31年內，北平藝專歷任校長及代理校長共計22位，包括鄭錦、肖俊賢、林風眠、徐悲鴻、楊仲子、嚴智開、陳之佛、潘天壽、王石之等等中國近代美術史上舉足輕重的人物。而齊白石、黃賓虹、溥心畬這3位中國近現代畫壇最富盛名的畫家曾同時任教于北平藝專。中央美院人文學院美術史系副主任曹慶暉表示，從這兩個展覽可以看到，就職北平藝專的畫家對中國畫歷史與價值始終有兩種不同的認識邏輯和實踐方案：“中國畫學”和“寫實主義”。然而兩者并不是新與舊、傳統與現代的對立關系，它們都是中國美術的現代主義。

因為資料欠缺和保存不佳，央美美術館庫房整理和作品修復的過程非常辛苦，但是巨大的付出也受到了極佳的效果，除了藝術媒體，很多大眾媒體都對展覽進行了報道，隨著從展覽延伸出去的一系列學術研究活動的展開，人們對于中西碰撞中的中國現代美術教育史的建構與發展有了更深刻的認識。

中國美術學院八十五周年

八五·85

撰文/阿寶

2013.09.07-2013.09.15 中國美術學院美術館

2013.11.23-2013.12.20 中國美術館

與其說這是一個展覽，不如說是對一所對中國美術教育舉足輕重的學校的總結，同時也是對一段關系中國藝術歷史進程的時代的回顧。在這種意義上，“八五·85”展覽在2013年顯得舉足輕重。

一個關鍵詞是85周年。作為中國最早的國立高等藝術學府，自1928年創立迄今，中國美院已走過了整整85個春秋。85年來，學院與中國社會的發展相伴相生，與中國藝術的探索相攜相隨。中國美院的歷史與中國藝術與社會的歷史始終緊密地交織在一起。蔡元培、林風眠、潘天壽、黃賓虹、吳大羽、顏文梁、李苦禪、李可染、龐薰琹、吳冠中、趙無極等等這些藝術教育與藝術實踐者的名字，也與中國近現代藝術的發展緊緊結合在一起。中國美術學院把對自由和獨立性的追求，堅持并傳承了下去，體現的是整個時代的寬容。

另一個關鍵詞就是1985年，“85’新潮”是中國當代藝術發展的一個重要時期，各種新的風潮、新的宣言、新的展覽和新的藝術家都是從這時開始集體登上藝術舞臺。而這一新潮美術運動的起點，正是源自1985年的中國美院學生畢業展。中國美院美術館的四個樓層分別設置為“論爭”“突圍”“歷程”“新潮”4個片場，呈現1985年美院的集體記憶。“論爭”，呈現當年那場聞名全國的畢業答辯；“突圍”，凸顯1985年前后學院內部的一系列探索與實驗“歷程”作為整個展覽的“思想庫”，以黑板報的形式再現了1928年以來“藝術運動史”上的若干個重要節點。“新潮”則聚焦于對“85’新潮”的歷史呈現，由“85’新空間·池社”、“廈門達達”、“紅色幽默”、“最后的畫展”等9個部分展開，重新勾畫出了當時以浙江美院為策源地輻射全國的“85’新潮”路徑圖。

主題展“八五·85”聚焦的是1985這一年眾多人物和事件的歷史考古，以1985這個時間切片作為85年歷史的載體，將美院85年的歷史投射在這個時間切片之上加以展現。1985年，每一位藝術家們都在各自的人生軌道上跋涉求索著，都發展出一番動人的風景和故事，向我們展現中國藝術現代性在每個個體身上的點式迸發。展覽以視頻短片的形式呈現了學院85年中85位個人的“八五”故事，構成一場貫穿85個年頭的影像戲劇，一部投射在1985年的美院春秋、人物列傳。這85位不同世代的美院人在1985年的同時現身，構成了中國藝術史與社會史上令人百感交集的一幕。

中央美院研究展

撰文/珊珊

桃李不言—中央美術學院造型學院油畫系第一工作室教學研究展

2013.12.24-2014.01.05 中央美術學院美術館

一九七八—中央美術學院恢復高考后第一屆油畫系同學畢業三十年展

2013.12.22-2014.01.05 中央美術學院美術館

之所以將這兩個展覽放在一起，是因為它們在時間上和主題上皆有重合，有意思的是，兩個展覽開幕僅僅相差兩天。如果將這兩個展覽和之前的“北平藝專”專題展覽聯系在一起，至此，中國近現代美術教育中一條重要的線索逐漸清晰起來。

1956年，中央美術學院正式組建油畫系。1959年，油畫系率先提出并實行導師工作室體制，成立了以主導教師命名的3個工作室：第一工作室由吳作人教授主持，在新中國高等美術教育史上，這是第一次實行導師工作室制，具有示范的作用與重大影響。而油畫系第一工作室在中國油畫的發展史上留下了鮮明的足跡，50多年來，吳作人、艾中信、韋啟美、戴澤、梁玉龍、靳尚誼、吳小昌、王征驊、潘世勛、陳丹青、孫為民、楊飛云、王沂東、朝戈、胡建成、高天雄等老中青藝術家皆和第一畫室有著緊密的聯系。在本次展覽展出的60余件作品中，不乏吳作人的《旅順港內》，艾中信的《紫禁城雪》，靳尚誼的《青年女歌手》和《晚年黃賓虹》，陳丹青的《西藏組畫之洗發女》，楊飛云的《姐妹》，朝戈的《其其格和她的草原》等名作，同時通過大量珍貴的教學檔案，整理出第一工作室的教學沿革情況。從1963年就在第一畫室任教直到1980年代主持工作的靳尚誼出席了開幕式，他對古典寫實主義油畫的探索對朝戈、楊飛云、王沂東等人影響深遠，在之后的展覽中，許多央美教授也陪他觀看展覽，向他介紹參展的年輕后輩。

如果說“桃李不言”著重于展示中央美術學院油畫系導師工作室體制，那么“一九七八”則更像一場同學聚會，這個班級之所以特殊，不僅僅是因為每個人日后在藝術上所取得的成就，它本身就具有深刻的時代意義。

1978年“文革”結束恢復高考制度，自中央美院恢復招生后油畫系招收第一班學生迄今已有30余年，曹力、曹立偉、朝戈、季云飛、高天華、李寶英、劉長順、劉溢、馬路、施本銘、王忻、王沂東、夏小萬、楊飛云……我們對這一長串名單上的人并不陌生，同時其中有些人的名字也正出現在樓上“桃李不言”的展覽中。

有意思的是，在每個人的作品之前都有一個“同學眼中的他”的前言，同學的回憶文字也風格各異，各種趣事爆料或是簡單點評，都帶有濃濃的懷舊氣息。為此陳丹青還寫了《少年得志老同學》的回憶文章，講述對當年的楊飛云、劉溢、夏小萬、施本銘等人印象，讓那些對那個年代不是很熟悉的年輕觀眾腦海中的畫面一下鮮活起來。而1978級油畫系同學和第一畫室的聯系也逐漸清晰，那就是他們很多人承接了央美寫實主義的傳統，并在中國當代藝術史中延續下去。

無論是北平藝專還是之后的中央美術學院，圍繞著這些主題所辦的展覽意義可謂深遠，每一個展覽的背后都有詳細的歷史和學術價值得挖掘，也是對中國近現代美術教育史中某些歷史節點的重要梳理，而央美美術館無疑承擔了重要角色，通過展覽之后的畫冊和論文集的出版，以及學術研討會的舉辦，美術館并沒有把這些展覽僅僅停留在作品的展示那么簡單，作為全國美術教育的最高學府，它有責任和力量讓這些展覽走得更遠，而這也是國內很多美術館和博物館所亟待完善的。很多現在正在央美讀書的本校學生前來觀看，這些作品的創作者既是他們眼中的大師，也是他們的老師、前輩和校友，所以觀看的時候也許會帶著和普通觀眾不一樣的自豪感吧，而這一代人中不知又會出現哪些人，有朝一日能夠將自己的名字列入這長長的名單中。

Portrait of the Times

時代肖像 當代藝術30年

撰文/盧婧

2013.8.18-2013.11.10 上海當代藝術博物館

“時代肖像—當代藝術30年”是上海當代藝術博物館開館后第一個獨立策劃的展覽，將30年當代藝術的經典作品全部呈現在一個展覽中，從繪畫、雕塑、裝置、錄像和攝影等作品形態，全景式呈現改革開放30余年來中國當代文化藝術的發展歷程。117位藝術家參與主題展，作品數量在300件（組）左右。雖然對于藝術行業內資深人士，這些作品都不陌生，但對于廣大非專業的觀眾來說，如此集中性的觀賞這些時代精華作品的機會相當難得，尤其在藝術市場天價滿天飛的時代，能一次性欣賞如此多價值不菲的代表作著實不易。作為全面回顧的展覽，選擇了和觀眾比較容易溝通的親民方式，不以艱深學術的概念為主導，而是以“肖像”這個最便于直面的方式展示，給觀眾看到個體和群體關系的變化，展現當代藝術在對人的身心狀態、生存境遇和未來前途的關注。

展覽的另一大重要特點是“全景式呈現”結合了藝術結合文學、電影、音樂等多個領域的梳理，突破藝術圈的自言自語，回顧了一種思潮和文化發展趨勢。展覽中有不少煽情的文化回憶，比如說肖全的《我們這一代》40幅名人肖像、陸元敏的代表作《上海人》、包括大芬村的肖像項目。從整體呈現來看，從海報、展標、畫冊到衍生宣傳品，種種出彩細節足以成為當下的“展覽”作為大多數藝術為人所知的首要渠道，在藝術與大眾的視覺傳播方面成為一個優質的范例。

尹秀珍 無處著陸

撰文/阿寶

2013.7.22-9.28 佩斯北京

繼2010 年佩斯北京的“第二層皮”個展，2013年7月，尹秀珍又在佩斯北京推出“無處著陸”個展。

尹秀珍是當代藝術界少有的執著而敏感的女性藝術家。她的每一個展覽都力求完美創新的基礎上，又都保持了持續的思路和水準。

作為土生土長的北京人，尹秀珍從心里離不開這座城市。但如今城市過度的消費和發展在以不顧環境惡劣的勢頭持續進行著。于是在作品中，尹秀珍一邊用長在北京的所有記憶回憶著過去心中的北京城，一邊嘆息著這種“無處著陸”之感。在這里，她依然擔當著類似于古代的巫師的角色—這也是她一直擅長的。通過作品召喚一些東西。對因變化過快過多而變得日漸癡呆、蒙蔽的現代人群來說，她的召喚方式也變得奇特和多元，比如使用頻率較高的日常用品與工業產物—收集來的衣物和重新灌注制造的水泥和鋼鐵機械。不管材質如何，但有一點是相通的：這些材料是尹秀珍實施“現代巫師的召喚”時借用的媒介，召喚的內容則永遠是她由外而內、又由內而外的自我和社會、世界之關系的反觀，推而廣之也是每個人賴以存在的精神核心。而“無處著陸”之感恰好宛若展覽中倒置的車輪，在半空中空轉，或極盡璀璨的炫麗煙火于園林花窗外將失序墜落。

A Dream I Dreamed - KUSAMA YAYO

草間彌生：我的一個夢

撰文/孫麥斐

2013.12.15-2014.3.30 上海當代藝術館

上海當代藝術館從來沒有碰到過這樣的陣勢，前來觀看“草間彌生—我的一個夢”亞洲巡展的購票隊伍已經排到人民公園的湖心亭，即使進入了展館仍需要耐心等候，作品《潔凈之屋》，觀眾可隨心所欲將藝術家為觀眾準備的圓點貼紙貼于一間純白的房間中的任意位置，面對藝術家發出的創作邀請，觀眾樂此不疲，隊伍繞著展廳一圈又一圈。工作人員不得不采取措施，控制觀眾的觀看作品的時間，在《無限鏡室》中，每個觀眾只被允許待15秒鐘。

展覽展出草間彌生100多件作品，包括她的空間裝置、雕塑、影像、繪畫、絲網印刷作品，呈現這位有著“圓點教母”、“嬉皮女王”等諸多名號的日本國寶級藝術家60年來的創作脈絡。草間彌生在10歲時患上了神經性視聽障礙疾病，幻聽、幻視等各種幻覺困擾著她，對圓點的偏執和對重復、繁殖、增生這些藝術手法的迷戀，包括她無法停歇的藝術創作都源于她的精神疾患，她必須抵抗充斥著她腦海的幻象，通過藝術創作來自我治愈。約瑟夫·康奈爾，美國超現實主義藝術家，他是草間永遠的愛人。在他離世之后，草間受到承重的打擊，從紐約返回日本，自愿住進精神病院，直至現在。對草間的藝術存在各種歸類，例如女權主義、超現實主義、波普藝術、抽象表現主義等等，事實上，她的創作是本能的、生理性的、宿命的，它沒有波普藝術的低廉和浮華，比抽象表現主義更有秩序，超現實主義者所謂的“超現實”可能正是草間面對的“現實”，所以她也只承認自己是一位“精神病藝術家”。

《無限的網和圓點》是草間在上世紀50年代去紐約發展時期的作品，單色的背景上充滿無休無止重復的圖案，這些圖案構成一個沒有邊際的網，草間將精神疾患帶給她的不安或恐懼、高亢或低落、愉悅或消沉，以繁復的手工勞作繪于畫布上，直視這張網令人迷失、盲目、最后消融其中，草間就是這樣通過繪畫來“自我消融”，逃避幻想帶來的驚恐，最終令自己消失在自己的作品中。《我的永恒靈魂》系列是草間近年的繪畫作品，始創于2009年，至今已有300余件作品，是草間最大規模的系列。這一系列雖然沿用圓點和網紋，但與早期畫作中彌漫著神經質的、強迫癥式的壓抑感不同，《我的永恒靈魂》仿佛令人回到孩童的世界，炫目、詩意、無憂無慮，這也暗示草間晚年時期逐漸找回精神的安寧。

展覽展出了草間的多件空間裝置作品，其中《重復的視覺—菲勒斯船》是她最富盛名的作品《積聚—千舟連翩》的延續。大量陽具形狀的軟雕塑布滿在一艘擱淺的船上，空間四壁以墻紙裝飾。草間對性的恐懼源于幼年時期的心理創傷，草間的父親風流成性，她曾在年幼時目睹父親與情人的性愛過程，草間以陽具作為性的隱喻，以懼怕之物抵擋恐懼，如同她渴望通過描繪出折磨自己的幻象來抵御精神的疾患。這種自我治療的方法，和幽閉癥患者進入幽閉空間，恐高癥去登高一樣，雖然自覺、自發但往往是無效的，幻覺和恐懼由始至終伴隨著她，而與之對抗的藝術行為卻成為一劑安慰藥。

草間著迷于“永恒”、“無限”、“消融”的身體和視覺體驗，《天堂之梯》中通過面對面的兩面鏡子制造一個無窮盡的“天梯”；《無限鏡室》在密閉的全鏡面房間中懸掛無數彩色小燈泡，鏡面反射形成浩瀚的宇宙圖景。難怪人們趨之若鶩，哪怕一個小時的等待只為體驗短短15秒的消融之感。草間制造的視覺奇觀和她極具識別度的圓點、網紋符號，早已通過各種商業合作運用到時尚、設計等領域中，她與眾多商業品牌合作，生產自己的藝術衍生產品，很難想象一個精神病患者孤獨的自我抗爭竟可獲得巨大的關注，并創造大量的商業財富。這也令草間或多或少受到過度商業化的批評，然而，回顧她的藝術生涯，她比安迪﹒沃霍更早使用壁紙的藝術形式；她的圓點遠遠早于達明﹒赫斯特；她在60年代就已經開始利用鏡面制造視覺奇幻的效果，她是我們在討論五六十年代前衛藝術時無法回避的最重要藝術家。

中國畫名作 700-1900

撰文/世威

2013.10.26-2014.1.19 英國 倫敦 維多利亞與阿伯特博物館（VA museum）

20世紀30年代中期，英國皇家學會舉辦了一場倫敦中國藝術國際博覽會，為世界歷史上中國藝術品首次在西方大規模展出。從那以后，諸如青銅、陶瓷、考古發現等與中國相關門類的展覽偶有出現，但是系統的中國繪畫卻一直無緣西方藝術世界的展廳。2013年10月26日VA博物館聯袂歐洲、美國日本和中國各地多家美術館，籌備了5年之久的“中國古代繪畫名品700-1900”開幕，將橫跨1200年的中國繪畫這一主題第一次帶到西方觀眾面前。

包括北京故宮博物院、敦煌研究院、遼寧省博物館、上海博物館和天津博物館在內的頂級博物館館藏中精心挑選出79幅畫作，不乏陳容《九龍圖》、王冕《墨梅圖》、仇英《潯陽送別圖》、八大山人14米長的《河上花圖》、王鑒《十二條屏》這樣的珍品。歐洲的敦煌絹畫、日本的宋元禪畫、美國的早期繪畫以及中國的明清巨幅作品包羅萬象，從繪畫內容上看，展覽涵蓋了僧侶、文人、寺廟、宮殿、民居和庭院等題材；裝裱方式看，囊括了畫幡、冊頁、團扇、立軸與手卷等多種類別。這些在中國藝術愛好者司空見慣的“堂中之物”在大部分西方觀眾眼里充滿了異域情趣。

展覽按年代將作品分為6個主題，除了時間的梳理，展覽在空間設計上也別出心裁。黑暗的展廳只有陳列的作品在閃亮發光，充分考慮到中國畫的媒介與材質，力求呈現出私密性的觀賞體驗，也充分表現了中國畫細膩、優雅、精致的特性。配合展覽展廳還設置了數碼互動環節，而聯合“稀奇”品牌用畫作的元素設計出兩款絲巾，限量發售也加深英國社會對中國藝術的了解。

《倫敦標準晚報》82歲的高齡毒舌藝評家 Brian Sewell作為英國最負盛名的藝評家給出了“不止看一次”的正面評價。而與她尖刻程度相當的Jones，在一篇《中國制造：東方發明了山水畫》的評論中用一整段為中國繪畫在西方“正名”：西方的藝術教育大多來自貢布里希的《藝術的故事》，灌輸的思想是歐洲為藝術發展進程中的變革中心，然而這場展覽是我看到過的對這一設定的最有力一擊。

近年來中國當代藝術在國際舞臺上風頭不小，動輒以“天價”在國際拍賣行出售，但是除了政治波普，秦兵馬俑，西方人對中國藝術的知識幾乎為零。普及中國古代藝術文化的路很長，讓VA museum的展覽成為堅實的第一步吧。

工·在當代

2013第九屆中國工筆畫大展

撰文/王曉孟

2013.12.19-2013.12.26 中國美術館

近年來，工筆畫的創作發展和收藏市場成為國畫領域最引人注目的現象之一，比如，在中國美術家協會等舉辦的全國性展覽中諸多工筆畫作品不斷獲獎，同時，在收藏和拍賣方面，不僅傳統工筆畫市場穩步上揚，在當代藝術市場“新工筆”也掀起一股風潮，如各地美術館、畫廊、藝術機構也頻繁舉辦各種工筆畫家的個展、群展，并出現了把工筆畫置入各種名目的當代繪畫展、藝術展的潮流。學術與市場、傳承與創新、沿襲與突破、裝飾性與觀念性等諸多問題也由此開始浮出水面，在這一大背景下，“工·在當代——2013第九屆中國工筆畫大展”的舉辦無疑將對現在和未來的工筆畫發展具有階段性意義。

146位藝術家、近400件大型作品，2013年12月18日在中國美術館開幕的“工·在當代——2013第九屆中國工筆畫大展”絕對是近年來規模最大、學術水準最高的一次工筆畫展覽。這146位藝術家的近400件作品，同時涵括了老一輩藝術家的經典作品，學院派中堅藝術家的學術積淀性作品，新工筆畫家的中西融合探索之作，以及部分新銳藝術家跨界進行的綜合材料、繪畫裝置類作品，因此作品形態異常豐富，同時也是對近年來工筆畫相關領域各種創作傾向的全面呈現，影響更是也波及到了收藏、拍賣、畫廊等市場方面。

在工筆畫領域，民間素來有一些約定俗成的題材和標準畫法，因此顯得程式化、模式化嚴重，與現當代文化追求創新的精神略有脫節，但是本屆工筆畫大展充分展現出當代工筆畫藝術已經不僅僅是傳統的花鳥蟲魚、英雄美人、山水草木，也擴大表現當代社會生活圖景、藝術文化圖像景觀乃至與裝置、雕塑結合。而對藝術家來說，“工致”的藝術技法僅僅是技藝，在此之上，他們還追求更高的哲思、感動和意趣，在于古今文化潮流對話的同時，也從日本的重彩繪畫、歐美的當代繪畫藝術中攝取養料，在觀念、題材、圖示、技法、材料方面都有諸多創新。

更重要的是，本屆展覽堅持學術品質，實行開放辦展的方針，在建立策劃委員會、理論和實踐并重、重視文化傳播的基礎上，更是以學術為導向，嚴格篩選參展藝術家。因此，展覽在提名藝術家方面不論資歷、職務、年齡，而是堅持以學術標準選擇真正有學術性、探索性的藝術家參加展覽。同時，大展特設立社會征集入選部分，經過近5個月的時間，收到報名藝術家提交的作品圖片6，000余件，經過專家組初、復評兩輪評選，最終遴選出68位藝術家（組）的66件作品參展。他們與18位特邀藝術家、60位學術提名藝術家一起，集體展示了中國當代工筆畫創作的最新風貌。

這些作品占據了中國美術館一層的9個展廳，開幕當天，美術館的大廳更是被參展藝術家、嘉賓、觀眾、媒體擠得水泄不通，新工筆的火爆程度由此可見一斑。

ART CHANGSHA

藝術長沙

撰文/阿寶

2013.10.19 -2013.11.18 湖南省長沙市博物館

2007年，譚國斌邀請200多位藝術家、收藏家和評論家包火車從北京出發，赴湖南省博物館參加展覽開幕式，前所未有的盛況今天還被人津津樂道。2009年的金融危機之下，藝術長沙依然沒有緊衣縮食，照樣承襲到長沙看展覽必須“包全套”的風格，規格進一步升級，包了架“北京—長沙”專機接送一干人等，發布會也在包機上開。2011年，藝術長沙的參展藝術家整到10個藝術家，影像、雕塑、裝置、繪畫，各種媒材一起上，規模和系統越來越完善。還有了專業的策展團隊和更專業的展覽叢書。活動現場也升級到警車“包開路”，娛樂明星“包走秀”，長沙百姓“包看煙花”，花樣翻新全方位服務，讓所有到場人士說不出一個“孬”字。

2013年，當第四屆藝術長沙雙年展開幕的時候，與其說展覽本身具有的吸引力，不如說譚國斌成功打造的品牌將藝術家匯聚到這個城市，而長沙也終于開始脫離“藝術不發達地區”的帽子，成為當代文化和藝術界的關注點。2013年，譚國斌終于換來湖南省政府和長沙市領導的肯定，藝術長沙在行政協調、場地提供和活動策劃上籌備越來越細致，主辦方名單中看到了湖南省文聯、湖南省廣電、湖南省博物館、湖南省美協等官面單位的名字，論壇場地申請到文物保護單位岳麓書院，政府對整個活動開始有了實際的資金投入—雖然50萬對于整個活動花費杯水車薪，但大力支持的態度是更重要的。

雖然今年沒有專列、包機、煙火表演、花兒明星的點綴，不過今年整個活動下來，譚國斌自己掏腰包花出去已近千萬，超過之前任何一屆的挑費。來客住滿了長沙喜來登全部客房，譚國斌地處長沙最繁華的酒吧街高樓上的興蘭堂收藏館權當了土豪版本的蓋茨比盛宴，來自各地的頭面人物和藝術家三五成群不邀自來，每個都如同在自家客廳般從容，吃飯倒茶喝酒寒暄說笑。而整個藝術長沙，也更像借著藝術的名義，以譚國斌個人凝聚力，用請客吃飯大party的形式，真金白銀打造出的城市名片。

承古融今星漢燦爛：中國嘉德藝術品拍賣20年精品回顧展

撰文/世威

2013.11.10-2013.11.30 中國國家博物館

1993-2013，20年，26萬件拍品，360億成交總額。毫無疑問，中國嘉德是我國綜合實力和成交額最高的藝術品拍賣企業。鄧小平南巡一年后嘉德成立，它是市場經濟的“早產兒”，是中國最早一家股份制藝術品拍賣公司，時代賦予了嘉德一個先行者更多的權利。作為中國嘉德20周年生日慶的“大動作”—“承古融今 星漢燦爛：中國嘉德藝術品拍賣20年精品回顧展”在國家博物館舉行，兩個巨大的展廳彰顯了國內一家唯一“中國”字頭拍賣公司的優秀傳統和地位。

展覽帶來了中國嘉德成立20年以來所拍賣的重要中國書畫、瓷器家具工藝品、中國油畫及雕塑、古籍善本、名表珠寶翡翠、郵品錢幣門類共近400件文物藝術精品，這些昔日屢創紀錄的明星拍品將再次匯聚一堂，其中不乏國寶級藏品。值得注意的是中國嘉德與藏家于2013年9月底聯合捐贈故宮博物院的國寶級法書《隋人書出師頌卷》跋文與故宮藏品《隋人書出師頌卷》將首次合璧展出，其值得關注的是，這次展覽也是國博首次與藝術品拍賣企業共同主辦的展覽，可謂頂級藝術盛宴。

在中國嘉德在20年的拍賣中，更是曾創下多項有突破區域性及世界性藝術品拍賣成交的最高紀錄。展覽中，那些昔日創下各項拍賣紀錄的拍場明星得以重聚，藏家和觀眾有機會在同一展覽中“一網打盡”。中國書畫部分2007秋拍中，明代畫家仇英以7，952萬元人民幣《赤壁圖》、成為中國繪畫作品拍賣成交價超過1，000萬美元級別的第一件作品，同宋人《瑞應圖》、沈士充《江南秋色》、齊白石《松窗閑話》、《蕉屋》，潘天壽《鷹石山花》、蔣兆和《中國人民從此站起來了》等重量級拍品將齊聚亮相。

瓷器、家具、工藝品門類展品也多有標桿性藏品。其中，海外回流拍品的代表“清乾隆粉彩開光八仙過海圖盤口瓶”曾在中國嘉德2006春拍中以5，280萬元成交，創造了當時國內瓷器拍賣的最高紀錄。王世襄先生舊藏的“大圣遺音”伏羲式琴乃存世罕有之唐代古琴，在中國嘉德2003秋拍中即以近900萬元的高價創中國古琴當時最高拍賣紀錄，8年后再度上拍，收獲過億的成交天價。油畫板塊兩破紀錄的陳逸飛早年名作《黃河頌》，刷新中國油畫世界紀錄的《山地風》，創造周春芽個人拍賣紀錄的《剪羊毛》都同場展出。

20天的展覽，觀眾天天爆滿，臨摹的藝術愛好者、整個班級出動的藝術生、收藏機構組織的收藏觀摩占據了展廳的每個角落。也許這只是一場單純的拍賣精品回顧展，但是最后卻深深的烙進中國人的文化血脈。中國嘉德創始人陳東升每個周末都在展廳巡視，和相識的藏家打打招呼，有時也為觀眾講解拍品的故事。回顧過去20年，除了拍賣我們真的想不到有什么其他形式對中國藝術品價格的回歸、國內藝術法規的完善、國人的藝術教育起到這樣大的貢獻。在大眾對藝術市場存疑的環境中，一場適時的展覽也許會傳播這個時代所宣揚的“正能量”。展覽中，最常聽到的聲音是這樣“原來這樣精美的藝術品也能拍賣啊。”金錢不是衡量藝術的標準，但是從某種程度上來說，代表著人們對他價值的預期。藝術品是要人愛的，它的生命與價值只有在人的追逐中才能延續。

Fang Lijun 2013

方力鈞2013

撰文/王曉孟

2013.10.12-2013.12.12 泉空間

作為中國當代藝術最早走入國際的藝術家代表，方力鈞在某種程度上已經成為中國當代藝術的一種現象和符號，他的一舉一動也不可避免地成為人們關注的話題。2013年，尤其是上半年，盡管方力鈞分別在威尼斯雙年展和瑞士舉辦了兩次個展，但是在新聞的話題性上，兩次展覽甚至都不如之后他擔任國家畫院當代藝術研究中心主任所引發的口舌。正因為如此，2013年10月開幕的“方力鈞2013”個展更像是一次回歸藝術的正名，同時也預示著方力鈞整個2013下半年大規模展覽計劃的開始。

這次展覽既是方力鈞2013年在國內的首次個展，同時也是泉空間的開幕展。盡管泉空間目前只有方力鈞一位合作藝術家，但憑借他的名頭以及畫廊背后湖南電廣傳媒的支持，未來泉空間肯定會成為中國畫廊界不可忽視的力量。開幕現場火爆的氛圍也證明了方力鈞的影響力，盡管展出作品只占據了環廊空間的墻面和幾個角落，但偌大的場地仍然被觀眾擠得滿滿當當。而嘉賓的陣容也足夠豪華，各路藝術家、策展人、批評家、畫廊主你來我往，用“兩岸三地”、“著名”等詞來形容也毫不為過，可見方力鈞巨大的人氣聚集力。

光有人氣還不夠，最重要的還是作品。展覽共由陶瓷雕塑、水墨和油畫3部分作品組成：那件占據了一面墻的巨大油畫雖然來自于方力鈞的經典圖式，但著實撼人心魄，而且也沒有給人一種虛張聲勢之感；幾十件水墨小稿看似信手拈來，而且也不乏方力鈞經典的“光頭”形象，但也透露出一種獨具用心。最令人驚喜的還是那些陶瓷雕塑作品，表面上看是方力鈞的全新實驗，實則是他回歸了老本行—早在1980年代初，方力鈞就在唐山的河北輕工業學校的陶瓷專業學習，后來又在唐山陶瓷廠二廠實習，只是后來以油畫成名，而沒有再跟陶瓷打交道。

在這批陶瓷新作中，熟悉陶瓷制作全部過程的方力鈞反其道而行之，通過濕燒而打破陶瓷的完美。通過泥質、釉彩、爐溫、工匠精雕細琢的工藝等一系列因素的均衡調節，陶瓷將一瞬間的完美永恒地凝固起來。而方力鈞凝固起來的不是瞬間的完美，卻是坍塌的過程。通過各種自然的力量在燒制過程中的糾結、拉動，從而破壞掉完美。這是過程的直觀的層層凝固，也就是方力鈞所說的“零碎的經驗串起來后的質感”。

這些陶瓷作品只占據了空間的幾個角落，愈加顯得場地的空曠，但是也正好給了開幕現場眾多嘉賓和觀眾駐足的空間，而待嘉賓離場再來觀看展覽，又別有一番凝重的感覺和滋味。尤其是場內燈光的設置也別具用心，最強烈的光線都投注在作品上，使得場內略顯昏暗，這也讓觀眾能快速地進入作品的情境中，畢竟，展覽就應該是展覽，而不應該是交際場或其他場合。

佛韻：造像藝術集粹展

撰文/世威

2013.11.10-2013.11.28 北京 首都博物館

作為近幾年大陸最大規模的佛造像展，“佛韻—造像藝術集粹展”的展覽地點選擇在了首都博物館，作為北京文博會的一部分，以一種“公益”的性質呈現在最廣泛的受眾面前。

東南亞佛像、印度佛像、唐代佛像……展示的99尊佛造像材質包括石雕、木雕、金銅鑄造等多種，年代跨度千年，可謂件件珍品。對于普通的觀眾來說，一次展覽涵蓋了多個時代、多個地域的不同佛造像。從時代上看，隋唐的佛造像豐滿端莊，明清的富麗華貴；從地域上看，南北東西亦各異奇趣，南方造像以溫和清麗為主，北方造像則更顯粗獷淳樸，西部造像流露異域風情，東南造像盡顯華夏神韻。

而展覽期間適逢北京第一輪秋拍，全國各地來北京看拍賣的文物藝術圈內人則有更多的看點，展覽中可以看到當代藝術家曾梵志珍藏的木佛，看一個當代最知名的藝術家最愛造像有什么不同。在這里能看到2013年在香港蘇富比秋拍中以2.3億港元創造中國佛像雕塑紀錄的“明永樂鎏金銅釋迦牟尼佛造像”，也能看到2013年春拍中以1978萬元成交的—英國斯皮爾曼家族舊藏的“宋代銅鎏金蘇頻陀尊者”，更能偶遇它們的主人—“佛像黑馬”中山五覺齋主人鄭華星。

中國人歷來崇尚“佛緣”，同展覽同期舉辦的講座吸引了大量觀眾參觀，承辦方北京尚仕雅集文化顧問公司董事長一西平措每天在展廳為造訪者義務講解。佛造像在藝術品當中專業性較強，為了讓更多的觀眾“看懂”，展覽最后一部分特意為觀眾揭秘了中國傳統佛像的制作工藝，這也是國內展覽首次公開佛像制作工藝流程。

而展廳的裝潢則用細節構建了一個富有禪意的平行空間，立花蓮蓬恬靜枯寂，三尊佛若從中寂寥升起，在展廳一隅俯瞰眾生。展廳中心白沙石塊，仿佛在此就能感受到龍安寺枯山水的簡素幽旋。而正中釋迦摩尼背后竹簾映著花影，神圣的光正如參透玄機那驚鴻一瞥。“一花一世界，一沙一天國，君掌盛無邊，剎那含永劫”。一次佛韻的展覽，也是禪的行素。