郭鴻蔚 HIGH起來搞藝術

這個夏天，沉寂多時的分泌場終于迎來了新展“鄉村詩學二”。分泌場是藝術家郭鴻蔚在草場地C區自己工作室旁創辦的藝術空間，初衷可從字面理解：“提供一個場地去分泌自己剩余的想象力”。2004年畢業于四川美術學院的郭鴻蔚于2007年在香港舉辦了首個個展，之后便開始了與北京前波畫廊和上海James Cohan畫廊的合作。對于整個藝術系統來說郭鴻蔚的身份是畫家，而且是比較成功的年輕畫家，但除了繪畫他還有很多其他的想法迫切地需要實現，比如做裝置、比如策展。

不選擇在其他畫廊呈現這些想法是因為“在系統內做公關博弈很麻煩”，于是2010年郭鴻蔚干脆租下200平米的空間，并在9月以自己的個展拉開分泌場的帷幕。郭鴻蔚想以裝置作品來呈現關于空間的想法，那段時間他迷戀空間，也想讓觀望的人們知道自己的創作不局限于繪畫的邏輯。但最終由于沒有帶領團隊制作大體量裝置的經驗，無法控制第二方、第三方產生的誤差，展覽失敗了。“失控是必然”，輕描淡寫的總結。相較于結果，郭鴻蔚更關心如何通過“做”去把直覺、體驗、邏輯清晰化。

站在藝術家角度的策展人 時隔近一年，分泌場推出第二個展覽“最差的展覽”。郭鴻蔚如愿擔任策展人，網羅了“正在向藝術業內展現優質創作力量的年輕一代”（尤洋語）陳杰、Guest、廣煜、胡曉媛、李姝睿、李杰、廖國核、仇曉飛、蘇文祥、陶輝、王思順、謝墨凜、趙趙等參展。

關于策展，郭鴻蔚是從自己感興趣的主題開始，希望身邊的人提供不同的方案和見解，“大家共同去支撐會讓展覽的結構特別有層次，主題就會說的特別清楚”，同時讓個體創作時的主觀和片面隱退。

“最差的展覽”源于郭鴻蔚回看從前作品時產生的感觸：為什么自己的趣味和判斷經歷了時間會變化成另外一種樣子，以至于當年覺得很牛X的方案現在看來是腦子進水。“最差”并非參照藝術系統的評判標準，而是針對每個藝術家個人的趣味流演進行選擇。

對于藝術家與策展人兩種身份的轉換，郭鴻蔚認為對于他自己來說做的還是藝術這件事，改變的只是工作方式。但藝術家的策展與策展人的切入點還是有所不同，“我是站在藝術家的立場上去做所有的事情的。一個策展人看作品時，會去想如何把作品放到自己的展覽里，與其他作品如何發生上下文關系，能否在視覺上撐起展場，顏色如何搭配等等。而藝術家更多的是從直覺上看，回想藝術家怎樣創作一個作品出來，比較感性的把握才是藝術家工作的工具”。

“最差的展覽”之后，郭鴻蔚和孫冬冬一起做了好玩得像嘉年華的展覽“喵星人”。2013年又做了“鄉村詩學”群展，“鄉村詩學二”就是它的延續。

這兩年郭鴻蔚對詩學這一概念很感興趣，他想借此拋開“把藝術家、藝術品當作社會學注腳”的當代藝術系統與藝術家、藝術作品、觀者三者互相制約的美學回路。“我現在特別相信藝術的出發點完全可以是非常私人的，這就是詩學。”這里的私人說的是藝術家做藝術的沖動完全來源于自身，自high，做有趣的東西來抵抗無聊，來改變自己對于周遭的認識。“對于我來說這個才是做藝術最根本的東西，這時你的身份是藝術家而不是職業藝術家”。

鄉村詩學就是郭鴻蔚以工作了7年的黑橋藝術區為背景，回到藝術家最基本的態度看待這個城鄉結合部周遭的策展作品。采訪中他提到村民為斷臂的仿制羅馬雕塑插上掃帚這類村間逸景時，連用“好high呀”、“牛X”、“特別有創造力”來表達自己的感觸。作為策展人的郭鴻蔚想把參展藝術家的作品放到鄉村的外部環境中，尋找充滿趣味的黑橋與藝術家作品之間的聯系。

于是，我們看到了謝墨凜畫中的刮痕與黑橋雪地上車輪壓痕背景的巧妙相似，還看到梁遠葦的作品與黑橋的絢爛花卉融為一體。這種重新設置環境的策展方式是郭鴻蔚的全新工作，像是重新打了一個比喻，為作品提供了更多的理解方式。

鄉村詩學的第一部分強調空間上產生的詩意，做到第二部分時郭鴻蔚的關注點變為時間，“因為時間才是詩意最根本的基礎”。在進入黑橋藝術區的路上曾經有一條小河，郭鴻蔚開車路過時會停下來在河邊站一會，“春天鴨子游過，河水干凈，岸邊柳枝飄動……很舒服，整個人都安靜下來了”。后來小河被填，調動起郭鴻蔚對于它在四季的全部記憶和感情，“矯情，但是擋不住。”他也因此決定把時間放到展覽中去，甚至在“鄉村詩學二”之前的一年在展廳里種上了爬山虎，希望它作為鄉村的視覺表征爬滿墻面。但由于室內陽光不夠充足爬山虎只長出一小段，最后由藝術家王光樂用綠色的顏料幫助它蔓延開來。

雖然強調作品與外部環境之間的關聯，但郭鴻蔚說他并不會強求村民來看展覽，也不會刻意與地緣發生關系教育村民如何欣賞藝術作品。在他看來這樣做是強加自我意志于他人，具有等級高下之分的“教育”特別后殖民。

迷戀混沌也迷戀秩序的矛盾體 郭鴻蔚從早期的童年照片系列作品開始就特意把繪畫對象處理成模糊邊界的效果。因為他不喜歡硬邊的東西和直接、暴力的方式，“看不到邊緣線、smooth的東西比較符合我的性格。”并且大學期間，他迷戀筆觸，顏料在畫面上經過涂抹留下筆觸就會讓他舒服、high起來。但后來發覺藝術史繪畫風格的演變就是筆觸變化的過程，藝術家們始終在研究如何通過筆觸去塑造對象。這時筆觸在他看來成為了“病根兒”，他開始想做一些以前沒有做過的事情，在繪畫中消解筆觸。

為此，他使用大量的媒介劑處理作品，讓它們帶著顏料不斷地生長。“有時候長成你要的樣子，有時候長成另外的樣子，你再根據它固定下來的形態去做控制。就像游戲一樣，這個過程很high，不知道最后畫出來會是怎樣的。我很討厭做確定性的事情，做作品喜歡隨機、偶然，最好是不知道結果。選擇當藝術家也是出于這個原因，嘗試讓生活失控一點，當藝術家都是蠻失控的。”

開始郭鴻蔚畫油畫也畫水彩，但他一直想給水彩做一個單獨的展覽。于是尋找了與這一媒介在視覺、邏輯、技術、文脈各方面都相符的主題：博物學。他說自己從小就對排列秩序很敏感，在辨認物象異同時會很high，“認出一個東西和其他的不一樣時也會感受到自己的存在，視覺的形式感是最基礎的東西，人類都是通過感官去認識世界的。”他在國外看到自然歷史博物館中一大面墻全是各種各樣的鳥時，覺得那就是自己的作品。

在前波畫廊的兩個個展“東西”（2009）、“收集者”（2012）便呈現了他的博物學系列作品。他的描繪對象從工作室的日常物品到自然界的生物、礦石等等涵蓋廣泛，但無一例外地展示著他對于形式感研究的濃厚興味。并且他從一開始就摒棄了任何背景與敘事性，這也源于他對于繪畫的理解。郭鴻蔚認為繪畫從根源上來講是反對敘事的，講故事的繪畫讓他覺得不高級不純粹，顏料、肌理、材質等等畫面的物質體驗是他最為關注的。他的繪畫像插圖一樣，不陳述任何故事，只是直觀地展示物象，并且是大家都能理解的日常之物。他選擇這類東西描繪，因為“庸俗的東西才是特別不政治的東西，對所有人都生效。從庸俗的東西往下走，把它做得更牛X，這個才是我要的方式。”

另外，他還把繪畫當做一種占有方式，這一點聽起來非常有趣，“好多東西畫一遍就覺得屬于自己了。”但實際上繪畫的根源就是模仿，以模仿來代替物象的存在。在感受力特別旺盛的時候很多東西都能夠進入郭鴻蔚的繪畫變成題材。

“阿游小姐”與“大比喻家” 繪畫、裝置、策展之外，郭鴻蔚也開始涉獵影像創作，LEO XU PROJECTS在上半年Frieze紐約藝博會中展出了他創作的“阿游小姐”。

這一作品從他對拼貼的興趣衍生而來，從2009年郭鴻蔚就開始做拼貼作品。在繪畫上郭鴻蔚某些時候迷戀技術，但做拼貼時也會想做技術上沒有任何難度，但有想法的東西。他的方式很輕松，看起來人人都可以做：使用現成品，打亂原來的二維圖像，制作出三維的效果。這種簡單的方法也能夠改變空間、敘事、邏輯與觀念，拼貼本身就是一種閱讀方法。

《阿游小姐》是日本導演溝口健二1951年執導的黑白影片，里面使用了大量的長鏡頭，敘事并不復雜但包含了多重關系。郭鴻蔚延續了拼貼方式來制作這部同名影像，選擇能夠串聯敘事的鏡頭，然后在連續在每一幀畫面上都做簡單的拼貼，生成影像時就將這部100多分鐘的電影變成了小結構的短片。

9月郭鴻蔚將在前波畫廊舉辦的最新個展也是影像展—“大比喻家”，以“比喻”為切入點，作品創作依舊是從自己對于周邊環境的體驗出發，探討與表現如何從語言學、修辭學上理解“比喻”以及“比喻”是如何生效的。

在郭鴻蔚看來，應該有一種職業介于藝術家和詩人之間，他們只做一件事，就是給人打比方。影片中他就扮演了比喻家的角色，駕車在4年里往返了2000多次的從家到黑橋工作室的路上行駛。影片是長鏡頭，他得在20分鐘的車程里不斷說話，把窗外的現象進行比喻，既有即興發揮也有提前準備的臺詞，把這些現象放入人生或放入藝術系統。而外面的人群有真實人物，也有群演。展覽會以五屏影像呈現，分別來自不同角度的行車記錄儀。

去采訪的前一天影片剛剛拍攝完成，郭鴻蔚談起來還是很high的狀態。“high”是他談創作和談策展時出現頻率最高的詞兒，一股子青年人生命力滿溢的感覺。但82年出生的他已經開始嚷嚷著中年危機了，生怕調整不好狀態無法面對人生的下一階段。經過策展、裝置、影像的制作，他的執行力與操控力越來越強，積累的經驗也多了起來。做完“大比喻家”的展覽后郭鴻蔚打算休息下畫兩年畫，“瞎做唄，還能怎么樣，走上一條不歸路了，走不動再說。”（采訪/撰文：郭毛豆）