李振華“光映現場”指向的是未來

影像做為現實生活的意識之湖，已經通過不同的媒介，無孔不入地影響著人們的生存方式。自攝影術發生以來，眾多藝術家都再重新思考視覺生產和新藝術之間眾多的可能性，從靜態照相術到動態電影，人們一點點用光影進行著各種寫作，從實驗室到日常使用，從政治到商業，藝術等等，這些用光影構成的作品成為歷史一道閃亮的風景。當然，光影之河也極有可能成為光影之牢，2016年光映現場，我們能看到展覽中藝術家以不同的審視角度來繼續進行創作，通過自我身份檢視，通過日常生存的反思等多個單元的放映重構了我們對日常影像經驗的期待。我們也采訪了光映現場的策展人李振華先生，與其了解展覽所輻射到一些問題。

藝術匯：此次光映現場，你依然安排了六個單元的作品給予觀眾，“過去與未來之間”，“成為藝術家”，“跳線”，“怪談”，“時間之境”，“人之劇場”。這六個單元是依靠什么邏輯成立的，這與你15年的研究相關還是這是長久以來的研究的分類法？李振華：所有的工作都和某個歷史的關注點有關，而此“光映現場”的評選首先是通過畫廊提出申請，然后我在這些申請里面找到一些藝術家的同一性。這次的六個主題，其中有些和過去的主題是相似的，但每次都有一些特別讓人驚喜的地方。這與主流畫廊支持的主流藝術家有關，所以項目能夠呈現某種主流的態勢——指向未來。這些影像作品的同一性或者說特征會幫助我構成這些主題的線索。同時也跟現在香港特殊的政治環境與地緣位置，以及其藝術的走向有著一定的聯系。所以它綜合品味、趣味，以及對中國或新藝術的期待，這是我理解的一個現實。

藝術匯：其中“跳線”被你稱之為“是對最真實的世界，邏輯思維的反抗，是對日常生活的嘲諷和自嘲，是從行動到無意義的釋放?！疤€”也可以被理解為一種時空的跳剪，一個現實生活的蒙太奇?！睆摹斑B線”到“跳線”是否意味著新媒體藝術會對互聯網生存產生不同反思方式？

李振華：關于“跳線”，它和互聯網思維沒有太大關系，而是跟日常生活有關系。它所存在的荒謬感和荒誕感是其所要找到的。在這些作品里有著大量莫名其妙的行動，如此無意義的狀態到底是什么東西，看的時候會會心一笑嗎？我希望人們在看作品的時候會被他的經驗和他所遭遇到的作品扭一下。

藝術匯：你是怎樣看待“成為藝術家”對于博覽會的意義的，之前藝術家顏磊《利悟利》展覽中曾經對藝術家以及藝博會有過反思，尤倫斯當代的“艾默格林與德拉塞特：好博”也試圖用微型藝博會的方式來反思藝術博覽會的建制，做為影像策展人，怎樣看待“成為藝術家”這個版塊和博覽會關系的呼應？

李振華：關于成為藝術家這個版塊，我是有非常慎重的考慮的，它回應了關于藝術或者藝術家的幾個關鍵詞。比如說，瘋狂、自問自答，還有藝術家在傳媒上的狀態。例如厲檳源的“自由耕種”，杜可風（Christopher Doyle）作品里出現的自問自答。而譚天的作品，整合上世紀90年代以來的諸多藝術家和媒體的回應，他的藝術更像一個綜合體，綜合了安迪.沃霍爾和很多藝術家的工作。在另外一方面，他們在識別這些關鍵詞之后給出的答案是“如何成為一個藝術家”。一種是做出行動，一種是反思，像譚天一樣認真梳理的思考藝術家一些必備的條件。這三件作品非常好的回應怎樣成為一個藝術家。

藝術匯：此次光影映象選取了不少亞洲的藝術家，那么你是怎么看待中日韓三國在新媒介藝術發展的不同程度的和不同方向的？

李振華：“光映現場”一直都有著諸多亞洲藝術家，因為是在香港巴塞爾藝博會，它有著非常堅實的基礎，每年收到投遞的內容是非常多的，來自中、日、韓以及其他的亞洲國家像菲律賓、馬來西亞等等。今年我選擇了很多臺灣藝術家，我更傾向于展現華人對影像藝術的使用和特殊的地緣關系。如果把亞洲的華人地區看做是一個整體。那么我就會知道亞洲在采用影像這種媒體跟歐洲、美國還有很多不一樣的地方的?，F實中，我們必須知道有些亞洲藝術家并不生活在亞洲。比如像劉詩園，她生活在丹麥。很多藝術家的生存關系，所保有自我特殊位置和他的獨立性，藝術家的身份問題，其實在整個項目里都是被圍繞和層層梯進被討論的。

藝術匯：你是怎么看待像劉小東。曾梵志等藝術家自我的電影記錄，作為一種紀實的拍攝手法，從藝術語言來說并不意味著有所突破，那么其存在的意義在哪。除去為藝術家的創作做輔助性說明外，其本身的藝術含量在哪？

李振華：我們播放了曾梵志先生17分鐘的短片“放遊”，可以被看做是一個紀錄片，也可以看做是一個劇情化（劇場）的作品。因導演菲利普和李詩對影片的整個設置，作品是影像工作方面的一個突破，首先他們拍攝的是一個三維的作品，他們在嘗試用一種更新的觀看方式去體驗。我想不管是劉小東還是曾梵志，他們都非常清晰的意識到，他們必須在工作中融入到現在的新體驗，可是他們也非常清楚自己的位置，他們沒有必要在融入的過程中必須轉化自己的媒介關系。他們還依舊使用他們的媒介進行創作。在曾梵志的項目里，他有70多個小時不停機的狀態，在這里他嘗試著基于一個時間線索和限制的工作。

藝術匯：2015年很多新媒體青年藝術在國內獲得大獎，但是影像藝術在大眾層面上的傳播并沒有因這些獎項引起任何波瀾。現實情況是新媒體藝術在中國的發展逐漸變成一種封閉在有限空間傳播的藝術。做為策展人你是怎么看待新媒體藝術未來在公共層面上的發展方向？

李振華：我認為沒有什么“新媒體”藝術家在中國得獎，都是新藝術家自然的使用社會媒介的現實。新藝術的興起有著社會媒介的關系，為什么這沒有在公眾層面上引起波瀾，是因為藝術的細分已經逐漸開始了，導致它對公眾的沖撞會越來越少。因為藝術系統本身在擴大，而新媒體藝術家已經在（當代）藝術系統中引起關注和討論。這就是今天的藝術，既有其非常狹窄的一面，也更加集中化，在逐漸拓展自己邊界的同時也構建自身的系統。

說到很多年輕藝術家，他們怎樣更職業化的面對這個系統，而不是整個世界。反過來說系統本身也是世界的一部分。藝術現在需要面對部分的公眾現實，以及其更加職業化和專業化的系統。

藝術匯：今天很多美術館，或者藝術機構背后都有房地產和金融背景，那么你是怎么看待新媒體藝術所面對這樣一個文化基礎的？李振華：房地產和金融背景和新媒體沒有必然的聯系，它是整個藝術系統的一部分，藝術家不管是新媒體與否都要去面對這個現實即——藝術家要如何去介入這些美術所構建的公共性，以及美術館資金對藝術的需求。需求包括幾個方面，一方面是對公眾傳播的需求，第二是對藝術史的介入的需求，三是對藝術循環的需求。所以這幾個需求掌握清楚了，那么整體藝術的情況也會變得更好。

藝術匯：你是怎么看待香港本土新媒體藝術發展的方向的，如此眾多的媒體藝術在香港集結對香港本地的文化發展會有影響嗎？李振華：香港有著非常豐富的影像（電影和藝術）的歷史，同時也有著大眾的觀影經驗，我們從開始設定這個項目，就希望能逐漸地融合到香港本地的現實，去理解這些作品作為電影或實驗短片的情況是如何在香港被呈現的。

藝術匯：你怎么看待傳統電影人進入媒體藝術創作所帶來的一些意義？

李振華：我覺得所有的電影人都可以做藝術家，所有的藝術家也可以做電影人。這是今天這個世界從技術到接受度，從公眾到藝術系統，所能提供給我們的可能性。但是我們必須考慮清楚作品拍給誰，以及如何去做，如何挑戰自我，如何實現自我在藝術系統歷史的價值，或者在公眾中的歷史的價值，這都是屬于個體的選擇。（采訪/撰文：李旭輝 人物攝影：MUTO）