論電影《夏洛特煩惱》中對戲劇性特質的延承與轉換

魯婭

【摘 要】電影以第七藝術的身份決定了它從視聽層面重新闡釋其他藝術形式塑造的經典故事和故事中的形象。自誕生之日起，電影與雜耍、戲劇、文學等藝術形式聯姻，借助歷史的文化積淀，得以迅速崛起。當今，電影為包括戲劇在內的舞臺劇提供平臺，戲劇則為電影提供更為豐富的題材。電影《夏洛特煩惱》作為舞臺劇目，歷經艱辛努力，轉戰銀幕，一戰成功。雖多受爭議，但創作團隊的改編策略、劇作本身的魅力和舞臺演出所凝聚的人氣，成為電影獲得市場認可的必然基礎。

【關鍵詞】電影改編；舞臺劇；戲劇性

中圖分類號：J905 文獻標志碼：A 文章編號：1007-0125（2017）04-0143-02

從古代雜劇開始，創作者更偏愛對前朝作品進行加工，加以當代的故事，再自由發揮想象，自如地駕馭創作中的故事和人物，在平淡中體現波瀾，在平凡中體現特質，在失敗中體現成功。對創作者來說，最重要的，是在借助故事抒發一己感慨時，如何讓觀眾體味比現實生活更加凝練、集中和好看的故事。

開心麻花團隊經過12年打磨，將舞臺劇《夏洛特煩惱》搬上銀幕，并獲巨大成功，有學者將其成功歸結為觀眾自我意識的覺醒和對喜劇的渴望。分析影片本身不難發現，該片固然有國產喜劇電影的共同特點，但更多的還是立足“故人之事”來詮釋庶民之勝利，底層人群的心理滿足。從故事本身來講，創作者充分調用舞臺演出經驗，順應當下電影市場潮流，悲喜交加的詼諧喜劇迎合當下對過去的回憶。

一、舞臺劇和電影藝術身份互換的意義

如今，很多經典舞臺劇被搬上銀幕，綜合當下舞臺劇和電影的發展前景，筆者將從舞臺劇現狀、舞臺劇改編核心及改編案例分析三個方面來闡釋舞臺劇和電影身份互換的意義。

（一）舞臺劇的現狀。小眾藝術，硬件限制和觀眾需求不足。相比電影的大眾化而言，舞臺劇是小眾藝術。電影產業自身所具有的商業性，以及先進的現代化傳播手段和傳播方式，使得電影具有龐大的觀眾群。而舞臺劇則不然。首先，舞臺劇的場地及布景條件限制較大，不像電影鏡頭那樣轉換自如；其次，隨著現代化技術的迅速發展，快餐文化和減壓文化深受大眾喜愛，觀眾更愿意花幾十塊錢坐在電影院里觀看影片。綜合各種原因，我們可以看到，舞臺劇的生存狀況不容樂觀。

（二）舞臺劇的改編核心。戲劇性是所有敘事藝術之魂，電影對戲劇的改編需要延承戲劇性元素。戲劇性是把人物的內心活動（思想、感情、意志及其他心理因素）通過外部動作、臺詞、表情等直觀外現出來，直接訴諸于觀眾的感官。①舞臺劇需要敘事，電影同樣也需要敘事。在所有藝術形式的敘事之中，戲劇性是必不可少的，戲劇性表現是一部作品的點睛之筆。由此可見，戲劇性是所有敘事藝術之魂，無論是舞臺劇，還是電影，都通過其戲劇性表現，引發觀眾共鳴，從而更好地表達主題。所以電影對舞臺劇的改編需要延承戲劇性元素。

（三）改編案例分析。《虐童疑云》改編自約翰·帕特里克·斯坦利導演的百老匯戲劇。對于這部影片，約翰·帕特里克·斯坦利說：“將這部話劇拍成電影，最初的想法要簡單得多，很多看過話劇的朋友都對我說，這個故事應該讓更多人看到，而話劇的觀眾群畢竟要小得多，所以拍成電影是一個最簡單的途徑。”②由此可見，約翰·帕特里克·斯坦利導演也深深認識到電影的影響范圍要遠遠超過舞臺劇。

對于國內觀眾而言，《夏洛特煩惱》更為大眾所熟知。開心麻花團隊歷經12年的打磨，將舞臺劇《夏洛特煩惱》搬上銀幕，并獲巨大成功。舞臺劇《夏洛特煩惱》是一部水平較高的話劇，而將其改編成電影可謂壓力不小，因為如何讓觀眾在電影中感受到不同于話劇里的故事，體味比現實生活更加凝練、集中和好看的故事，對于開心麻花團隊而言，這不是一件容易的事情。但是沒有讓觀眾失望的是，電影《夏洛特煩惱》創作者充分調用舞臺演出經驗，順應當下電影市場潮流，悲喜交加的詼諧戲劇迎合當下對過去的回憶，使觀眾在緬懷舞臺劇《夏洛特煩惱》的同時，能夠在電影版《夏洛特煩惱》中得到一種全新的視聽體驗。

二、戲劇特性的成功突圍

電影《夏洛特煩惱》將整部影片的角色設定、劇情模式及審美風格等藝術形式進行多元化整合，鏡頭下的舞臺設計代替更多旁白，從而帶給觀眾更加豐富的視覺感受。舞臺語言以及經典流行音樂恰如其分地運用，很好地契合了當下觀眾的集體懷舊情結，在大眾傳播的過程中，相對易于建立影片與觀眾的情感共鳴。

（一）電影對話劇場景的戲劇性呈現。電影《夏洛特煩惱》是一部以“抖包袱”為主的喜劇片，與此同時，導演也希望能夠在視聽語言上表現得更加豐富精彩。影片《夏洛特煩惱》有內涵、創新性地做到了電影鏡頭下的舞臺設計，整部影片使觀眾在觀看的時候不僅享受到了“包袱”的快樂，同樣也享受到了電影所具有的不同于話劇的視聽愉悅。

首先，在影片開始，導演設計了一個“穿越”鏡頭——夏洛把臉浸在水里，緊接著就是他推門走進教室的鏡頭。電影鏡頭下的這種舞臺設計，靈活地對時空進行巧妙轉換。其次，在夏洛把教室窗簾點著之后的場景設計中，導演也嘗試從不同角度去拍著火這個場景，目的是想展現一個更加真實的現狀。最后，在小屋拔罐的那場戲，漸進式的鏡頭拍攝，小屋空間由小變大的展現，導演也是想借助空間大小的轉變進而對視聽節奏進行把控。這場戲是夏洛思想大轉變的一場戲，演員調度和鏡頭運動的有機結合，使得整場戲流暢通順。加上導演在這之前對鏡子的使用，通過特技進行時空轉換，諸如此類，體現了影片對話劇場景的戲劇性呈現。

（二）表演方式上突出舞臺語言。電影版《夏洛特煩惱》借鑒了話劇版《夏洛特煩惱》的原有優勢，并在表演方式上突出舞臺語言。電影臺詞來源于日常生活，極具幽默與智慧，并且相當接地氣，使觀眾倍感親切，卻又不乏喜感。

例1.夏洛：秋雅是我們學校著名的校花；而我更出名，我是全校著名的笑話。

例2.夏洛媽媽：夏洛這個孩子命苦啊，一出生爸爸就夏洛不明了。

馬冬梅：我的爸爸叫馬東，我一出生爸爸就沒了，所以我叫馬冬梅。

例3.夏洛：大爺，樓上322住的是馬冬梅家吧？

大爺：馬都什么？

夏洛：馬冬梅。

大爺：什么都沒啊？

夏洛：馬冬梅啊。

大爺：馬什么沒？

夏洛：行，大爺你先涼快著吧。

大爺：好嘞。

影片中還有很多諸如此類的經典臺詞，演員通過戲劇化的表演方式，加之生活化的幽默臺詞，在讓觀眾捧腹大笑的同時，又不得不去審視整部影片所傳達的哲理性思考。

（三）舞臺與電影的時空轉換。開心麻花團隊將話劇版《夏洛特煩惱》搬上熒幕，所以有了今天的電影版《夏洛特煩惱》，這種媒介形式的轉變體現了舞臺與電影的時空轉換。影片《夏洛特煩惱》注重帶給觀眾不同于話劇的視聽感受，尤其在色彩基調及鏡頭轉換上更為用心。

話劇因受舞臺及現場表演的限制，很多內容不能淋漓盡致地展現出來，而電影則不同，它不受時間和空間的限制，也沒有現場表演的壓力，而且可以借助電影鏡頭及場面調度的靈活性，在保持話劇原有風貌的同時，對其進行藝術化創新。

電影《夏洛特煩惱》中，夏洛穿越到大學校園的那一刻，以及在之后夢境里的校園生活，其整體布光和色彩基調都很溫暖，導演是想喚起觀眾對校園時期的溫暖回憶。但在夏洛變成明星之后，陽光不再明媚，相對于之前的校園生活，其生活里陰天多一些，這也是因為電影拍攝過程中，更多光線和光感元素的參與，使觀眾在電影銀幕上看到不一樣的畫面感受。

三、轉型成功后的借鑒意義

影片《夏洛特煩惱》的成功轉型不僅創造了票房奇跡，也讓舞臺劇實現了從小眾到大眾的轉變，這說明舞臺劇改編成電影不僅取得了思想和藝術上的成功，也獲得了市場的歡迎。

（一）舞臺劇從小眾走向大眾切實可行。相對于電影市場而言，舞臺劇的市場較小，但是電影卻為包括戲劇在內的舞臺劇提供了廣闊的發展平臺。諸如《十二公民》《欲望號街車》《虐童疑云》這類改編電影，雖多受爭議，但經過創作團隊的努力，以及劇作本身的魅力和舞臺演出所凝聚的人氣，使得改編的電影獲得市場認可，這也充分說明舞臺劇從小眾走向大眾切實可行。

（二）觀眾需求仍是改編的出發點。商業營銷中有一條法則，即“白金法則”，就是如何讓觀眾去主導或者讓觀眾去引領。綜合觀眾需求，以及當今電影市場發展現狀，開心麻花團隊創作電影《夏洛特煩惱》，并大獲成功，使其成為一部票房與口碑良好的影片，由此可見，觀眾需求是改編的出發點，同樣，一部良心之作更是促進電影產業真正、良性、快速發展的基礎。電影《夏洛特煩惱》在主題立意上批判了當今社會存在的不良風氣，同樣也傳遞了正能量。在藝術創作上，該片在話劇原有風貌的基礎上進行創新性改編，充分運用了穿越、輕喜劇等多元化藝術形式，借助詼諧幽默的舞臺語言和大眾所熟知的流行音樂，引起觀眾懷舊情感的共鳴，恰到好處地滿足了觀眾的觀影需求。

影像時代大規模沖擊，舞臺演出窘境明顯，加之互聯網文化的深入人心，文化快餐消費成為主流，消費者需要在輕松愉悅中忘卻現實困境，這也成為喜劇電影重返巔峰的歷史機遇。舞臺演出根植于濃厚的文學沃土，立足大眾文化消費習慣，對現實生活的關注和思考，從根本上制約創作的價值理念和審美價值。電影改編不僅僅是藝術作品的視覺化，更是深層次的二次創作。優秀的電影創作者不僅是鏡頭的掌控者，更應該是藝術的研修者，只有理解藝術作品中的深刻命題和歷史規律，才能創作出屬于電影的精神世界，從而拍出受觀眾喜愛和具有生命力的電影。《夏洛特煩惱》改編的最大意義在于向我們展示了電影成為其他藝術形式突破窘境的新方式，同時，也為中國電影市場的繁榮提供了更廣闊的空間。

注釋：

① www.docin.com/p-297848839.html.

②baike.so.com/doc/6110365-6323497.html.

基金項目：新媒體環境下影視劇作品制作及傳播策略研究；項目編號：TJXC16-007。