成像技術對于風景畫創作的影響分析

王杰

摘要：縱覽西方美術發展，風景畫創作雖然在17世紀荷蘭美術中才發展形成獨立的藝術表現形式。但是在之前的繪畫中風景也會作為畫面背景部分出現襯托繪畫主體情節。但是在這些作品中已經可以看出畫家對自然題材的精細表現。而這種細致的描繪不僅僅是單純的依靠畫家的細心觀察和繪畫技藝的高超所完成的，同時畫家也運用成像技術原理來實現對客觀世界的真實描寫。

關鍵詞：成像技術；風景畫；影響

中圖分類號：J213 文獻標識碼：A 文章編號：1005-5312（2018）03-0013-02

1839年，法國的達蓋爾制成了第一臺實用的銀版照相機，照相機的出現正是對小孔成像原理的技術層面的實體化。伴隨著日后技術的不斷更新，照相機技術不斷發展，直到今天我們看到了操作簡單，成像清晰快捷的照相機技術。這種簡單的快速成像技術對現實主義風景畫創作來說無疑是一種直面的較量。

在照相機出現之前，歐洲繪畫便早已開始采用這種成像技術原理來進行繪畫創作。這種成像原理可以追溯到文藝復興時期，此時所使用的“暗箱”便是運用了成像原理幫助畫家更好的對客觀世界進行描摹。在英國學者大衛·霍克尼的著作《隱秘的知識》中告訴我們文藝復興時期繪畫大師之所以能夠真實反映客觀世界的事物不只是因為他們自身的繪畫技藝的高超，更是因為他們對“暗箱”這一工具的熟練運用。西方世界自古希臘時期便強調藝術是對自然的模仿，并廣泛提出“模仿論”這一概念。這種出于理性的對客觀世界的真實再現貫穿與西方繪畫藝術中。而這種成像原理的使用使得西方繪畫在對客觀世界的理性模仿程度上更近了一步。雖然說沒有確切的文獻證據來證明西方繪畫大師達·芬奇或者維米爾等人的藝術創作種采用了“暗箱”這一工具，但是伴隨著近年來對畫家筆記和作品的不斷研究不難發現這一原理在其作品中視覺層面所留下的痕跡。

對景寫生一直是風景畫創作的不二法則。當照相機技術的出現及普遍應用后，是否可以取代架上繪畫的地位呢？在我看來答案是否定的。18世紀皇家美術學院院長雷諾茲曾對照相機技術和風景畫創作進行過比較，“我們可以做一個設想：有一片自然景色，人們分別用兩種方式將它表現出來，一種是用照相暗箱將它的全貌如實地反映出來，另一種是由一位打藝術家將它畫出來。那么，前一種與后一種相比就會顯得微不足道和平庸無奇。”在此我們可以看出當面對同一景色時，通過這兩種不同的表現方式所帶給人的感受是有差異的。畫家具有自我主觀感受和選擇性，可以通過本身的繪畫技法和獨有的藝術表現能力來提高畫面所反饋出來的感受。我們需要知道的是藝術是源于自然的，但藝術又是有別與自然的。當面對同一景色的兩種不同表現形式的作品時，能給人愉快的必然是想象。一切藝術的目的都是彌補自然事物的不完美，把只存在與想象中的美通過具象所表現出來，而不是通過模仿——即對于既定對象的逼真描繪，顯然更不用說只能呆板的取一時、一地之景所呈現出來的照相技術。挪威油畫家和版畫家蒙克也對兩種表現方式發表過言論：“照相機不可能同畫筆和調色板進行比賽。除非在地獄和天堂里使用它。”毫無疑問，照相機所成之像與現實是完全寫實的，但這種照片是冷漠的，不具感染力的，出自畫家之手的風景畫比起真實的自然風景和照片會給人留下深深的印象和更強烈的感受，使觀者的精神得到滿足。

“是呀！去寫生吧！去研究大自然吧！逐步向前吧！要拯救我們的美術絢爛，使它有力和不朽，就必須這樣做。”對于畫家來說，寫生是培養色彩感受力和色彩表現力的唯一方法。繪畫是視覺層面的藝術，眼睛是作為視覺信息的第一接收器官，是最直觀的。光在空氣中是可以被折射的，這也導致了光是不斷變化著的。正如莫奈所說：“我畫塞納河整整畫了一生，不論是什么季節什么時間……從未感到過厭倦。塞納河任何時候看都是不同的。”用照相技術所能保留的只是瞬間的光影，是看不到這種變化的，而直觀的用眼睛取觀察景物可以看到其中的變化，去了解光影的變化規律，從而對色彩的感受力變得敏銳，當對色彩的感受力變得敏銳時和不斷的繼續寫生，色彩的表現力也得到了提高。狄德羅在談到色彩大師很少出現的原因時說：“他習慣于用別人的眼睛取觀察一切，而使自己的眼睛喪失了作用。”如果你不是聾子，就不要從別人的嘴中去了解一件事；如果你不是瞎子，更不要從別人的眼睛中去欣賞自然的景色。每個人對美的理解是不同的，通過別人的眼睛所得到理解的美終歸是別人的，而不是自己的。只有走出畫室，放下手中的照片和別人的畫作，直觀的面對自然，自己的眼睛去觀察自然，把自然、眼睛和心結合在一起，才能表現出自然之“美”。這種“美”，是畫家面對風景所產生的令其激動的第一感受和印象，不是客觀存在的，而是存在于畫家的主觀感受中，需要去主觀理解和表現出來。這種主觀感受和主觀表現是畫家面對照片和其它畫作時所無法得到的，所得到的只是別人的理解。這種長久的不去寫生的創作方式，不花時間來提高自己對自然的理解，只是通過仿造品來獲得第一印象的創作方式必然會導致畫家主觀感受力的減弱，成為追隨別人影子前進的人。正如柏拉圖所說的成為別人影子的影子，這必然是低級的。

毋庸置疑的是，照相機技術的發明對畫家的創作來說也并不是毫無益處的。一位養馬專家聲稱自從有了快速攝影以來，畫家才真正理解了這種動物，梅索尼埃這位法蘭西的驕傲，才能夠表現這種高貴動物的千姿百態。確實如此，在中國古代飛天的畫作中，我們經常看到奔跑的駿馬，有的會出現四腳騰空的場面。但是根據美國攝影師麥布里奇所做的高速攝影下馬奔跑的實驗看來，科學告訴我們的是馬在奔跑時始終有一只腳落地。

但藝術就是藝術，我們愿意在科學依據下進行創作，但這不能限制畫家的主觀創造性和表現力。這可以幫助我們取更好的了解大自然，也能更好的發揮畫家的創造性。大自然的“美，是無處不在的，而畫家并不能隨身攜帶畫具到處游走。照相機記錄的這個場景只是一個參考，在創作時要記住頭腦中看到這個景象時所令你激動的第一印象，通過主觀感受來表現出這種第一印象。而不是完全的將此景抄襲與畫面之上。

照相機的出現在西方藝術中還具有一個重要的推動作用。照相機技術的出現推動了印象主義的產生，從根本上改變了西方傳統繪畫的形態。從作品風格清晰的可以看出，印象主義出現之前的西方傳統繪畫雖然經歷了多中風格的不斷變遷，如文藝復興時期風格到巴洛克風格再到洛可可風格等等，一直現實主義風格為止，所有的繪畫風格雖然各不相同。但是在繪畫形態表現上卻是一直基于對客觀世界的模仿、再現，是基于寫實傳統的表現。但是自照相機發明以來，畫家發現自己的繪畫技法再怎樣熟練、對客觀世界觀察的再怎樣仔細也無法達到照相機所呈現出的視覺圖像那樣真實可信。所以，畫家從根本上改變了傳統的對客觀世界的真實再現理念，轉而更加注重自身的視覺感受。他們拋棄了傳統繪畫題材和繪畫傳統，走進大自然直接描繪太陽光之下的物象，注重視覺感受力，用色彩代替寫實技法表現世界，強調自然環境中視覺的直接感受，注重描繪光影的變化。這種光線的跳動、變化，色彩之間相互交錯的韻律感成為新時代的繪畫主題并打開了西方藝術進入新世界的大門。

總的來說，成像技術的發展為風景畫的創作帶來了雙重的影響，有好有壞。好的是可以幫助畫家隨時記錄大自然之“美”，有助于幫助畫家方便的記錄景象；不好的一方面是停下了許多畫家寫生的步伐，單純的面對照片創作，大大減弱了畫面的情感感受和表現力。更有甚者利用現代復印、打印技術和投影技術進行創作，或者更應該說是抄襲大自然來進行批量制作，為藝術而藝術變成了為金錢而藝術。