淺析同一樂曲三重創作的差異帶來的不同音響效果
——以《1812序曲》為例

劉藝萍

中國傳媒大學 北京 100020

《1812序曲》是由十九世紀俄羅斯作曲家、音樂教育家彼得·伊里奇·柴可夫斯基于1880年創造的一部管弦樂作品。其創作緣由是受老師之邀,而為在1812年衛國戰爭中被焚毀的莫斯科救主基督大教堂的重新落成而作(另一說是為莫斯科藝術工業博覽會而做),老柴用音符生動地描寫了1812年庫圖佐夫英勇帶領俄國人民反敗為勝,最后擊退拿破侖大軍的入侵,最終贏得俄法戰爭的勝利這一激動人心、令人心潮澎湃的過程。

但當柴可夫斯基完成《1812序曲》后,他卻在給他的朋友兼資助人的信中表達了對自己創作的作品的不滿：“這首曲子將會非常嘈雜而且喧嘩,我創作它時并無大熱情,因此,此曲可能沒有任何藝術價值?！比欢腥さ氖?這首樂曲最后卻成為了他諸多樂曲中最受大眾歡迎與喜愛的一首。所羅門·肖特曾評價說：“柴克夫斯基是1812戰爭唯一的勝利者”。

樂曲的引子是《主啊,拯救你的子民》,原版只由中提琴與大提琴演奏。一開始的氛圍是和諧、平靜,描繪了俄羅斯人們幸福安寧的美好生活。之后隨著樂曲的推進,木管樂器也參與進演奏,整個音響效果轉向了莊嚴有力、嚴肅的特點,并且高低頻互補、相互呼應。突如其來的定音鼓使得整個氣氛變得緊張,其中有一段旋律在各個聲部輪流傳遞演繹,音樂節奏越來越快,音響效果逐漸增強,使人有一種呼吸急促、心跳隨之加快的感覺,這便是預示著戰爭的到來。

在短暫的休止后,開始正式描繪兩軍對戰場景,其中由法國號和短號相繼奏出的《馬賽曲》以變奏的形式不斷出現,代表了法國軍隊。整體聽感貌似是法國軍隊步伐統一、氣宇軒昂,然而仔細聽下來不難發現,作曲家老柴正是用了如此重復的旋律暗諷法國軍隊機械刻板、呆滯無腦。代表俄國人民奮力抵抗的旋律與呆板的法軍旋律交錯在一起,生動地描寫了在戰場上的刀光劍影。

在無論是情感還是音響聽感的高潮之后,樂曲節奏慢了下來,出現了大的轉折,有兩個代表描繪俄羅斯的壯美的旋律的出現,高頻三角鐵向聽眾們展示了奧涅加湖上粼粼的波光,帶領大家一覽俄羅斯秀麗壯美的自然風光,也表達了俄國人民熱愛自己國家的赤誠之心和定能保衛美麗家鄉的信念,舒緩了緊張的戰斗情緒。在這里應該能聽到三角鐵空靈的泛音,和第二個旋律中鈴鼓清脆的演奏,如果在這兩段只能聽到喑啞、發扁的音色,原因可能有兩個,一是唱片錄音欠佳,二是播放硬件設備的問題。

整首曲子的動態非常多變,既有莊嚴深沉的慢板,又包含激烈行進的快板。值得一提的是,在有的樂曲段落中,兩種節奏截然不同的表現是相交替出現在整個樂曲中的,并不是整個割離開的,有時甚至高頻弦樂演奏慢板,低頻聲部同時演奏快板,兩者互相依傍,而不是誰襯托突出誰的關系。

美國泰拉克唱片公司曾出版過4張柴可夫斯基《1812序曲》唱片,3張CD唱片,1張LP唱片,接下來要分析的這個版本便是出自于此。泰拉克公司第一張于七十年代末出版的《1918序曲》就是這張LP唱片,采用240克超重裝壓制(常規LP唱片120克),同時,這張唱片是該公司在1978年開創以數碼錄音先河的第一批作品之一。在大炮效果音部分,該唱片的片紋十分寬大,紋距超過了1毫米(常規紋距0.1毫米左右)。于此,也便對播放器材提出了很高的要求。

由于整個樂曲音高跨度非常大,所以本身就具有很強的動態,在實際工作的動態測試中,高頻是最容易暴露問題的。泰拉克公司對于前膛炮真炮錄音部分的動態,將其記錄地十分有表現力,重播音場寬大,以至于是十分良好的試機指定曲目的版本,是測試瞬態的必備。在現實測試中,有的聽眾反映大炮聲音過于真實,嚇人一跳,有的則認為大炮聲像槍聲。于是,設備之間的差異,由這一首泰拉克公司錄制的《1812序曲》便可輕而易舉地體現出來。

由于作品極具張力、配器復雜,給整體的錄制想必帶來了不少麻煩?？臻g感、寬度感、縱深感以及聲像定位,甚至包括聲音形象的塑造,這些都離不開傳聲器的位置擺放,其中其主要起關鍵作用的是傳聲器距離聲源的遠近。

距離過近會出現過于強調局部細節造成的各聲部之間比例的不協調,過遠的話,雖然能較為容易地達到均衡的效果,但細節成分就會被模糊,造成聽者有“聽不清”的狀態。而泰拉克公司運用高超的技術,在編制如此全面的管弦樂團和大炮聲中,找到了聲音的平衡點,完美地弱化了細節與整體感之間的矛盾,既突出了和聲效果,使得聽眾們沉浸其中,又能讓大家輕易地分辨各個聲部在其中擔任的重要作用,如三角鐵、鈴鼓。不光是細節與和聲的平衡,整首樂曲的空間位置也沒有因注意處理前者而被忽視——沒有造成絲毫的聲像集中或中空現象。相反的是,不光是因大炮聲的存在而使得整首樂曲的聽感極具寬度感,小提琴等高頻與貝司等低頻的交相呼應,基于傳聲器合理地擺放,這其中的空間感與縱深感也可便于后期適當的調整,使得二者顯而易“聽”了起來。如8min20s左右的鈴鼓與其他聲部的對比,鈴鼓站位是在樂團的后邊,又由于高頻和錄制方式的巧妙,就有了一種凌駕于整個樂隊之上而樂隊也在下面托起它的感覺,這便是良好的縱深感的體現。

第二個版本是由日本某個高中生管樂團演奏,是當時比賽同期錄音和視頻資料。在演奏過程中,有的地方甚至還有錯音的存在,但演奏技術與技巧不是我們討論的重點。在觀看視頻的時候,筆者仔細觀察畫面,發現樂團的內部沒有很多的傳聲器來進行拾音。只有在視頻的開頭,遠景處看到整個樂隊的前方,天麥采用AB型的立體聲拾音制式,也許在樂隊中添加了隱藏的輔助傳聲器,采用主輔式拾音方法,更多的利用的是通過自然混響來達到平衡。

在各個聲部的復雜程度(該管樂團只有唯一的弦樂貝司作為低頻聲部)、聲部間細節的處理上,都不如泰拉克公司錄制的第一版《1812序曲》LP唱片。由于缺少各種樂器與人數較少的緣故,整個曲子的動態范圍也不是很大,但也正是因為沒有弦樂聲部(除貝司)的存在,使得整個曲子呈現出聲部之間配合的融合度很高的效果。其中在4min5s左右,指揮左側的單簧管聲部,樂曲情緒與組成整個聲部的同學們動作起伏一致,在聽覺與視覺上達到了良好的統一的效果,讓人感覺被更加柔和的單簧管所代替的小提琴聲部高頻的缺少,在此時此曲中,正是恰到好處。不光是全指向性的傳聲器在高頻段也會存在指向性,導致有可能出現高頻聲部“冒泡”的情況,更是由于圓號與單簧管相較于小提琴與單簧管的音色更接近,跨度沒有那么大,就聽覺而言,也是完成了一個良好的統一的效果,十分通透自然。

在演奏樂曲的結尾時,為了突出盛大的氣氛,鏡頭拉向了遠處,在劇場舞臺兩側的墻邊,各設立了一個大鼓一個鐘,同時在鐘的后面也站了一排管樂組的同學和立麥,他們的站位為現場的觀眾提供了很直接的環繞聲體驗和更簡單、直接的最“盛大”的感受,雖然用大鼓代替了大炮,但整個樂曲的動態在一定程度上也被拉了起來,在輝煌中演奏完成了整個樂曲。

就演奏水平而言,該日本高中生管樂團肯定不及辛辛那提通俗管弦樂團,但日本對于中學生藝術素養的教育程度令筆者感到震撼,同時木村吉宏的編曲也使人有一種“這首曲子本就該只有這些配器”的錯覺,其中有“和”的意味。

通過分析比較兩個版本的《1812序曲》,我們不難發現,細節感與整體感之間的矛盾,是需要錄音師親自感受并且加以準確調節的。如何找到那個令聽眾既能擁有良好的整體聽感,又能感受細節微妙變化的平衡點是樂曲呈現的關鍵,均衡不只是后期調出來的,更多的是錄音師們在樂曲錄制之前就預想好拾音方式,與錄制過程之中一點點磨合體會、用心丈量、感受出來的,進而在三度創作中增加更多富含人情味的“佐料”,使得“菜肴”更加豐富多彩。

同一首作品,由不同的樂隊編制與不同的指揮家來演繹,這其中的不同,包括配器、指揮家個人風格等等,都非常值得人細細品味。泰拉克公司動用真的大炮來進行聲音素材的采集,這在錄制現場基本上不可能重來的,準確的判斷來構成穩定的聲像定位是成功的關鍵,所以對于錄音師來說同時,掌握制定聲像分配方案、調整均衡和突出樂曲特色的要領,都是至關重要的。日本高中管樂團的演奏水平——不僅僅因為樂器音色相近——使得整個曲子在缺少大部分弦樂的情況下,仍有很高的完整度,甚至不讓人察覺,與原本的配器方式相比缺少了弦樂組。

在完成每一首優秀作品的其中,一度創作優秀的編曲演奏、二度創作的指揮、三度創作的錄音師都為達到理想中的和諧做出了很多努力。其中錄音師們的付出,雖然大多數情況下不能很明顯地被大家察覺,但這就是他們的初衷與目的——聽眾能夠全身心地享受、沉浸在完整的盛宴,而不去過分糾結于某個節點或在某時感到某一聲部很突兀,這就是對于所有創作者來說最好夸贊了。

主傳聲器找平衡,每一個輔助傳聲器都有其放置的道理,把利用率達到最大化,在后期對簡潔明了的分軌進行適當的調整。如此這樣,清晰自然的聲音便可被制作出來,既突出了應有的真實特色,表達出了相應的正確演奏起伏情感,又合理化規避缺陷。一場調和適中的盛宴,經過三重創作就這樣,凝結了每個人的心思與智慧,得以完整地呈現在了大家的面前。