從梵高到原生藝術

黨怡欣

摘 要：梵高的作品為何如此撼人心弦？在研讀梵高作品的過程中，一種新的藝術形式漸漸浮在眼前——原生藝術。原生藝術對于當下這一數據洶涌的時代有著不可忽視的啟示，這是一種回歸精神本質的體驗，是被知識奴化了的現代文明人類所迫切需要的。文章針對以上一系列問題進行簡要探討與分析。

關鍵詞：梵高;原生藝術;藝術精神

一、何為“原生藝術”

進入21世紀，越來越多的原生藝術出現在人們的視野范圍內，不僅僅局限于西方國家，許多亞洲國家也逐漸開始廣泛地關注原生藝術的現狀與發展。盡管如此，“原生藝術”一詞對于當下受眾群體而言還是普遍陌生的。

首先，必須要對“原生藝術”做一個概念闡釋。瑞士洛桑原生藝術館前館長路西安娜·佩瑞在她的《原生藝術：界外者藝術起源》中寫道：“杜布菲第一次嘗試定義原生藝術：‘原生藝術包括由默默無名的人、瘋子創作的素描、油畫等所有藝術作品。它們源于自發的沖動，受到幻想、甚至精神錯亂的驅使，遠離常規的傳統藝術。他接著闡述觀點：‘原生藝術包括各種油畫、素描、雕塑、小雕像等藝術作品，與人們在博物館、沙龍和畫廊看到的藝術模仿完全無關（或者說盡可能的少）;相反，它們呼喚著人性的本源和最自然、最個性的表達;原生藝術家從不考慮規則和主流，完全從他自己的本能和靈感中獲得創作的能量（表達方式）。”

筆者初步接觸原生藝術是半年前，當看到中國原生藝術奠基人郭海平老師對原生藝術的感悟——當我們文明出現問題的時候，必須回歸自然，才能獲得拯救和療愈，就被這種看似不經雕琢的藝術形式深深吸引了，這不正是當下社會所缺乏的自然意志嗎？

巧合的是，在筆者研讀梵高的作品時，發現了一些值得深思的內容。這恰恰提醒了人們：原生藝術的元素與精神就在身邊。

二、梵高的獨特藝術呈現

梵高曾在給弟弟提奧的書信中寫過：“我愈是精疲力竭，生病，成為一個古怪的人，我就愈是一個藝術家——有創作力的藝術家。”

人們對于文森特·梵高的理解與定義總是在于他的憂郁、孤僻，甚至被稱作“瘋子”“精神病”，自然地認為他的作品是表現主義的，那些扭轉飛舞的隨意線條是他充滿感性語言的符號，但筆者認為或許不然。

梵高博物館珍藏著一個古老的毛線盒，據說是梵高當年為了觀察黃色調與其他色彩混合的效果，將不同顏色的毛線纏繞在一起放進盒子，觀察其色彩組合的效果。不曾想《星月夜》中那極度扭曲翻飛的筆觸，居然是如此精密計算的結果;又如《有烏鴉的麥田》，作為其人生絕筆，情感色彩應更為濃烈，但筆者認為，作品中麥田色彩鮮明，筆觸有力，生動地詮釋了其偉大的殉道主義精神，這正是梵高在頭腦清醒下對于其畢生所習得的繪畫技巧的完美展現，或許只是嫻熟技巧驅使下的無意識行為，但這幅作品將梵高獨有的黃色調發揮到了極致，其理性色彩可見一斑。

與此同時，梵高對其作品《夜晚的咖啡館》做出如下解釋：“我想盡力表現咖啡館是一個使人毀掉自己、發狂或者犯罪的地方。我要盡力以紅色與綠色表現人的可怕激情。我要盡力表現下等酒店的黑暗的勢力，所有這些都是處于一種魔鬼似的淡硫磺色與火爐似的氣氛中。”

所以，他的作品是富有表現主義色彩的情緒符號，是嚴謹的考量，是感性與理性的統一、主觀與客觀的統一，盡管某些理性成分或許是無意識的。

梵高的貢獻就在于他用藝術的形式將人類的非理性精神發揮到了極致，他的精神世界是純凈的、崇高的，而最使人沉浸其中的正是他奪目的色彩組成和被本能支配的筆觸。

著名心理學家卡爾·古斯塔夫·榮格說：“精神病人在藝術作品中將人精神的原型表現了出來，而那個原型世界正是人夢寐以求的靈魂歸宿，因此那個原型也就是人靈魂的顯現形式。”梵高患精神疾病以來所創作的作品某種程度上與原生藝術有著極相似之處，甚至可以歸于其藝術范疇。它們都是以最原始的、發自內心的筆法傳達理性、求真、自然的產物，它們不具備西方古典主義、學院派的寫實藝術的那種傳統說教，而是一種人生來普遍具有的感性、體驗和直覺。梵高的作品就是這樣一個感性與理性有機統一的直覺呈現。

三、精神的制高點

榮格曾對弗洛伊德的精神分析理論進行改造，他認為，如果拿海島來比喻人的精神世界的話，那么高出水面的部分為個人無意識，支撐海島的海床則是集體無意識。郭海平又對此進行了補充，他提出浮出水面和隱藏在水下的海島自然生態環境氣候就是人類精神生存發展的社會文化生態環境。

所以綜上，一個人的精神及情感的產生主要是由其個人意識、無意識、集體無意識以及社會文化生態環境共同促成的，而原生藝術恰恰是與這幾點最契合的藝術形式。因此，它能喚醒人類心底沉睡已久的自然直覺，給人以至高的精神慰藉，這是毋庸置疑的。

總有人將精神病人的藝術看作沒有任何意義符號的作品，而將所謂“造型準確”“色調和諧”作為評判藝術的標準。殊不知，精神病人、兒童、民間自學藝人等未受過傳統藝術教育的群體的藝術往往是最具靈性的，最能暴露人的精神世界，最能傳達人類生命本性的吶喊。

梵高也是如此，其在精神分裂后的作品越來越激烈與高亢，越來越脫離固有的傳統認知，越來越靠近神性，也越來越充滿悲劇的壯烈感。

唯有尊重本性、尊重自然，盡可能地回歸精神世界的原始狀貌，才有可能站在人類精神的制高點，雖然這對于已融入社會的人們來說，非常困難且不易實現的。

所以換個角度來講，應該尊重精神分解者、兒童、通靈者、囚犯等由于某些原因與社會產生斷層的群體與他們的藝術作品。瑞士當代畫家克利說過：“藝術要進行革命是不能回避精神病人藝術的。”因為這類人群的精神世界往往被傳統知識經驗所禁錮，他們站在人類精神的制高點俯視傳統藝術，他們的作品或許是一把打開禁欲之門的鑰匙，引領人們探索更加廣泛的藝術空間。

四、人類到底失去了什么

縱觀整個人類社會，規則和標準像一張無形的大網，保護了人類的各項權利，規范了人們的各類行為。

但從另一個角度來看，這張大網也一定程度上將人與生俱來的個性隔離在外，藝術教育作為基礎教育不可缺失的一環，也往往因此忽視了人的個性，將統一的標準作為教育的核心。

藝術是什么？漢語詞典中將藝術定義為：通過塑造形象反映社會生活的一種社會意識形態，藝術形象地反映人們現實生活和精神世界，滿足人們的審美需求。

所以，反映人的精神世界作為藝術的主要功能之一，是不容忽視的，藝術是人類思想與精神的感性顯現。然而在數字化進程日益增進的現代社會，人們似乎很難沉下來去進行心靈的慎獨，對技巧和經驗越發地重視，對內心深處的巨大潛力則有意回避，這就造成了靈魂的缺失。當下無數行色匆匆的人們一邊抱怨著自己沒有“有趣的靈魂”，不知靈魂與靈感應如何尋覓，一邊被那些精神病患者創造出的動人心弦的藝術作品所打動，這不正是矛盾所在嗎？

李新生在《美術概論》中寫道：“美術從某種意義上講，就是在新的文化情景中不斷返回起點，返回人的生存需要和精神需要，以保存人之為人的本性。”這不正是對自然關照人類精神成長的一種訴求嗎？這不正是對人的一種終極關懷嗎？

人們在現代化進程中不停埋頭向前，為何不回頭望一望是否遺失了什么，除了自身所擁有的精神與心性之外，實在是一無所有。藝術的價值不僅僅在于其商品價值，更多的是自我表白。在競爭如此激烈的當下，若是人們擺脫傳統繪畫法則的條條框框，將內心的浮躁平鋪成藝術，將無形的壓力創造成一種繪畫方式，把深埋在內心的話通過藝術說出來，或許靈魂也就無所遁形了。

參考文獻：

[1]佩瑞.原生藝術：界外者藝術起源[M].上海：上海大學出版社，2015.

[2]郭海平.中國原生藝術手記[M].上海：上海大學出版社，2014.

[3]李新生.美術概論[M].鄭州：大象出版社，2014.

作者單位：

河南師范大學美術學院