你永遠不知道下一朵云在哪里

ArtChina

藝術當代（以下簡稱“藝”）：此次在藝術門畫廊舉行的新展，是你在上海舉辦的第一次個展。我們的觀展體驗是，展出的新作不僅在內容、風格上與以往的作品相比有很大的跨越，而且展覽主題上也有突破，名字叫做“真空、干地與房間”，請問展覽有什么特別的指涉嗎？

倪志琪（以下簡稱“倪”）：這是我在上海舉辦的第一次個展，因此我在整體規劃上就試圖給藝術圈內外的新老朋友們耳目一新的感覺，嘗試突破一下自己，畢竟作為一個根在上海的藝術家，大家對我以往的作品都有所了解。具體的，在作品選擇上，我除了保留了幾件以往的“阿爾罕布拉宮”系列作品以外，基本都選用了近一年來的新作，因此這一年創作工作量很大。至于你所注意到的展覽主題，那是策展人的一種學術總結，雖然與我以往的命名思路有所區別，但是我一貫很樂見不一樣的解讀。具體到這次展覽主題中，“真空”和“干地”源自我新作中由于創作工序和材料的變化而帶來的畫面表面肌理、觸感的變化。這次的新作，在涂繪、拼貼的基礎上，從前一時期的油畫布、手工紙的材料中有又走了出來，我選取了日常生活中的包裝袋與紗布作為拼貼并構成繪畫表面的材料，裱平的包裝袋依然有褶皺感，和紗布一起，給人的感覺很類似于被抽干空氣的收納袋，因此是“真空”，而“干地”則來自于干挺的紗布與塑料包裝的觸感。這其實與畫面的內容并無直接關系，但是卻與我的新作帶來的第一時間的直觀感受變化有關。至于“房間”，既是一種對以往主題在內容上的延續，也和此次展示的空間暗合。

藝：是的。藝術門畫廊的展廳很有特色，內部空間自然分割成一個個的“房間”，頂上又鑲有鏡子，既相互獨立又可以有關聯。

倪：而且這和它的外觀又形成了很大的反差。外觀是裝飾主義風格的外墻，如同20世紀早期的紐約曼哈頓的老建筑，而內飾層高又很高，是一個純粹的“白盒子”，同我的作品氣質比較吻合。作為商業性的空間，能夠舉辦具有學術氣質的展覽還是比較難得的。

藝：我們注意到除了作品材質與手法上的區別，此次作品在配色_上也更大膽明快，在之前“倪調”的優雅和“高級灰”的基礎上，更開發出了時尚性的一面，這種嘗試是否和你對于時尚元素的涉獵有關？

倪：是的。時尚設計要接觸各種各樣的材料，而且我覺得他們在某些方面跑在了藝術的前面，因為它的競爭比藝術更激烈。藝術家可能是個人的事情，時尚行業化、產業化的競爭，而且近年的時尚界，比如各大時裝周，也開始走藝術路線。我一直關注這方面的信息，在自己的材料試驗上，也在手工紙的基礎上采取了杜邦紙、紗布等新材料，最后再加上舊的包裝袋。這些材料質地完全不一樣，而且時間的元素也添加了不一樣的效果。比如你看到的顏色比較鮮麗的包裝袋，原來是暖顏色的牛皮紙，經過風吹雨淋就變冷顏色了，它的組織、痕跡都保留下來。

藝：這批嘗試最早的是哪一件？

倪：最早的規模實驗是“真空”系列，一共三十九張，包括各種各樣的材料，甚至快遞件的包裝袋。效果不錯，在此基礎上，我帶有一定偶然性地完成了這個轉型的第一件大型作品《格斗》。

藝：這個名字本身就很有故事，它的產生有怎樣的戲劇性？

倪：創作《格斗》時，我想做一件尺幅超過二米五的大作品，就把畫框平攤，把十幾張手工紙和幾張包裝袋，拼貼涂繪完成。當時平攤在陽光下看效果很好，但是樹起來后發現跟我預想的不一樣，太刻意、太工藝了。當時我很不高興，很難過，寄予很大期望的作品是這種效果，而且恰恰我當時最滿意的一個地方現在是最不滿意的。后來我喝了一杯咖啡調節心情，之后我就直接在畫布上撕下了一塊，反而協調了，有感覺！后來再加上涂鴉，當時就想人生就是跟自己斗，有時候還蠻刺激，藝術家在創作的過程中真的無法預計的，你想的蠻好的，出來的就是適得其反的東西。后來我恰巧找了一首詩，就叫《格斗》，于是用涂鴉的筆調抄錄上去，這就是《格斗》的由來。

藝：如果說《格斗》上的涂鴉還帶有某種偶然性的話，此次你展出的其他新作中也陸續出現的涂鴉形式是否是一種有意識的探索？細究的話，以前你的作品，比如《書上的記憶》雖然也用舊書拼貼和涂繪，但其實是把舊的書作為一個底子，更強調畫面和構成感。但是這次你把涂鴉加進去之后，文字也開始有意義了。引入文字是基于什么考慮？

倪：這其實跟包裝也有關系，第一張作品的包裝袋中間有一個紅條，這個紅條上就有字，我感覺這個字蠻有趣的，在畫面上構成了一種新的元素，使得節奏、結構、圖像產生了一種新的效果，所以我想在畫面跟結構的處理上增加一點文字的曲線、文字的機理，效果會比較好。后來我就聯想到可以在不同的作品中，根據創作最初的感覺和在地的線索，選擇一點歌詞、詩歌上去，逐步賦予它意義。

藝：但其實你又不太愿意讓具體的敘事性內容占用更多觀眾的精力，所以我們注意到你往往用左手寫，還寫意大利文，其實又是想消除它的閱讀功能。

倪：對。對于文字的內容，不要去注意它就可以，雖然它還是存在的。

藝：我們在由時尚感展開話題時，最早關注的其實是這批新作中鮮麗而高飽和度的顏色。這是更偏重主觀性感受的色彩還是有著你真實的游歷背景與視覺經驗？

倪：改變是主動的，但是感受是有客觀淵源的。比如我有一組兩件作品，一深一淡，總體感覺是典型的“倪調”，但是深色的被我刷成鐵銹色，因為它特別像我一踏上西西里島就感受到的環境，西西里早晨的陽光就是這樣的，濃濃的、厚厚的，跟這個色調很接近。正好波切利唱過《西西里的早晨》的歌曲，我馬上拿出來，用左手把意大利文的歌詞涂鴉上去，完成了這件作品。那件藍色的《深色》其實也來自于我的旅行體驗了。在那不勒斯附近有一個卡普里島是旅游度假的勝地，那里的藍洞很有名，藍洞就是這個顏色，帶有一些神秘感。

藝：所以從“游記”的角度上說，你的新作可以說是從“西班牙時期”轉進到“意大利時期”。這兩個階段，除了內在氣質的一致性以外，在色彩上還有一個顯著的區別，那就是如果說你以往的作品，往往以畫布為媒介，表現比如“午后陽光”這樣特定光源下的對象，這次作品給人的感覺，似乎是讓外部光源直接參與到畫面的視覺形成上了。表現在展覽呈現上，給人最突出的感受是，一些作品在光源設置上特別考究，作品表面在燈光下會閃閃發亮，有燈箱的感覺。這是你刻意追求的效果嗎？這種改變背后有什么創作思想的變化？

倪：這是我刻意為之的，也是一種畫面呈現的突破。但不是每件作品都是這樣處理燈光的。我特意選擇了一些畫面表面材質相對統一的，色彩關系也比較統一、不復雜的，我感覺這些作品上燈光只打到畫面而不打到墻的效果會更好，那樣焦點就更集中了，這也算是試探性地從另外一個角度來呈現光和色的感受。

藝：這在某種程度上講也算是對展覽展示規律的一種突破，因為以前要求燈光必須盡可能的還原作品本來的狀態，而這次的嘗試一定程度上是通過犧牲作品的還原度來實現的。

倪：對，確實這個燈光關注的人很多很多，大家都沒想到。不過反響還不錯，很多收藏者是連燈具一起收藏了。因為他們覺得某些小件作品，在特殊的燈光下，像一扇有靈性的窗戶或者是壁龕，有著某種帶有宗教性的儀式感。

藝：其實你骨子里還是保留了很多西方化的、帶有經典趣味的格調，但是你又一直非常在意用一種很時尚流行的東西把自己從一味的懷舊趣味中拉回來。

倪：的確如此。隨著年齡的增長，盡管容顏有了變化，但心態還是年輕的。我還是在不斷地反思不斷地想往前走，盡管走一步不容易。比如這次展覽上我做了尺幅近三米的作品，下次我想做更大的，尺幅超過四米五米，美術館級的作品。這其實是從《書上的記憶》這些比巴掌大一點的開本一步一步走過來的。

藝：但是當這種小作品里面的拼貼被放大之后，還要解決一系列的技術問題，這不光是制作技術問題，還有原來小尺幅里的那種精致感覺，以及與之相當的文字如何能夠在放大的體量里重新匹配，并且在力量感上站立起來的問題。

倪：所以藝術還是很有趣的，當你找到一個點，就能夠不斷去自我挑戰。

藝：你剛才談到對以后的一些作品的計劃，就還是以繪畫拼貼、平面作品為主，但是您也有裝置作品，有很長的觀念藝術的學術背景。在你整個創作系統里面你會給自己設置一個邊界嗎？

倪：完全沒有。比如這次展覽的最后一件作品，就有著類似裝置的處理方式，叫《風中的薔薇》，它招人喜歡的地方，一則是那種暖暖的粉色，雖然最初是由材料中的包裝袋底色引發的，但是當它鋪陳開后，就有一種曖昧的感覺，這種感覺讓人迷戀，所以我叫它《風中的薔薇》。二則當我們習慣了這個展覽上的畫都是掛在墻上的以后，突然在展覽的結束處出現一件放在地上的作品，也可以讓觀眾“換換眼睛”。從保留的幾件《阿爾罕布拉宮》到《真空》和《風中的薔薇》，從上墻到下地，也算是對于這個創作階段的某種總結。

藝：那能否展望一下接下來的展覽會是什么樣子？會回到裝置和觀念嗎？

倪：對此我自己也無法憑空想象。在我看來，藝術家的創作就像云一樣，你永遠不知道下一朵云在哪里。