藝術和商業藝術之間的平衡

范嘉桐（魯迅美術學院，遼寧 沈陽 110000）

關于藝術和商業是人們一直以來爭論不休的話題。有兩種不同的說法，一些人認為藝術是高雅的藝術，一旦和商業發生關系，就會變成了商業藝術，變得有功利性，有營利性的，是大眾化的，低俗的，媚俗化，而失去了藝術本身的純粹性；而另一些人則認為藝術就應該和商業結合才能發揮其更大的價值。

其實，世界萬物都有其兩面，萬物所具備的五種元素：金、木、水、火、土，它們相生相克才讓世界萬物達到平衡而得以共存。同樣，藝術和商業也一樣，他們既是互相促進，又是獨立存在。那么如何才能找到藝術和商業之間的平衡點，做到既實現藝術作品的影響力，又不失藝術的學術性呢？首先借鑒歷史上成功的藝術家們，從他們身上吸取經驗；再看當前時代發展形勢，結合當代藝術市場現狀去思考總結出藝術和商業之間的平衡點。

一、藝術與奢侈品牌的合作——以村上隆為例

當杜尚的小便池出現在展覽場上，博伊斯提出“人人都是藝術家”時，藝術和生活的界限開始打破。而隨著時代的不斷更迭，經濟發展迅速，人們消費水平的提高，物質欲望的增強，使得大眾的審美也發生了變化。人們不滿足于簡單的生活，而是希望讓自己的生活變得更有趣味，他們開始轉向精神層面的追求。而為了滿足人們精神的需求，商家們開始在藝術上尋找出路，所以藝術就自然而然的融入到商業中，而奢侈品就是作為藝術和商業領域跨界融合的產物。Max Mara 攜手國際著名藝術家 Maya Hayuk 榮耀奉獻“OPTIPRISM”全球新眼鏡系列；上海愛馬仕之家聯合韓國藝術家金善奕創作以“生命的脈流”為主題的超現實主Hermès櫥窗場景；Hermès 邀請中國當代藝術家丁乙設計“中國韻律”系列絲巾；2013 年植村秀攜手日本當代藝術家村上隆為其獨身打造“植村秀”2013 年圣誕限量系列；村上隆還與美國運動品牌 VANS 合作推出了不系帶休閑鞋與滑板，與路易威登合作推出“櫻桃包”等等。

村上隆是完美的將藝術和商業結合的代表人物之一。他意識到銷量的重要性，并且知道如何營銷自己的作品，從而使自己的作品價值最大化。在他創造出“超扁平”之后，他和路易威登的合作更加推進了他在社會上的知名度，而他的藝術也給路易威登帶來了不錯的效益。他從不排斥藝術的商業性，他認為他的作品賣出的價格就是肯定了他藝術的價值。他說：“用金錢去衡量藝術的價值沒什么不對，人應該清楚自己的欲望是什么，并且必須強烈提出如何與欲望相處，當清楚要的是什么，剩下的就是花時間去抗戰了。不凝視自己最渾濁的那部分，無法創作出讓世界認可的作品。”

確實，經濟基礎決定上層建筑，藝術需要金錢和時間，沒有金錢上的支持又如何能夠實現你“偉大的藍圖”呢！然而，藝術還需要世界水平的營銷策略。藝術是借由與社會接觸而成立的，光藝術作品本身是沒有辦法自立的，沒有觀賞者就無法成立，作品的銷售也是需要顧客才能成立。村上隆總是留心讓自己的作品曝光頻率增加，他認為所謂的暢銷，就是將溝通做到最大化后的成功結果。對于村上隆而言，藝術和商業的平衡點就是要承認商業藝術，讓藝術與大眾溝通。商業能給藝術帶來巨大的價值，商業也是藝術產生的前提條件。

而這種所謂的“接地氣”的大眾藝術，流行藝術的出現要追溯到最早從20世紀50年代英國出現，60年代又盛行于美國的波普藝術。工業化時代，人們聚集于現代都市，商家云集，城市廣告、雜志、電視、卡通漫畫等等宣傳造就了波普藝術的問世。人們所熟知的波普藝術最有影響的代表人物安迪·沃霍爾就是順應的時代的潮流，利用流行文化通過大眾傳媒的方式來提高自己的知名度，他利用凸版印刷、橡皮或木料拓印、金波技術、照片投影等各種復制技法，印制名人肖像，金寶湯罐頭，可口可樂瓶等，從而在藝術和商業上獲得成功。村上隆受到波普藝術的影響，安迪·沃霍爾的成功也給他以借鑒，在他來到美國之后，讓他體會到波普藝術的影響力，他決定要將日本的文化輸入到西方語境中，創造了超扁平” “幼稚力宣言”“御宅族文化”等相關的理念，為了得到話語權利用藝術和商業結合的方式讓他成功的得到了國際上的認可。21世紀藝術和商業的結合已經是時代發展的必然。

二、當代藝術市場——二級藝術市場，藝術博覽會

近年來中國的藝術市場生機勃勃，源于經濟的發展迅速，人們的消費水平提高，博覽會已經成為藝術市場鏈中重要的一環，與畫廊，拍賣共同筑起當代藝術的兩級市場。

藝術博覽會是大規模、高品位，綜合性的藝術商品集中展示的交易形式、買賣場所和組織活動。博覽會的舉辦既能促銷藝術商品，推動藝術文化交流，又能培育藝術市場，提高舉辦城市知名度。目前世界上主要的藝術博覽會有5個，都是國際性的，4個在歐洲，1個在美國：德國科隆國際藝術博覽會，瑞士巴塞爾國際藝術博覽會，法國巴黎國際當代藝術博覽會，西班牙馬德里國際現代藝術博覽會，芝加哥國際藝術博覽會。而自20世紀90年代初開始，亞洲一些國際在經濟發展和藝術市場浪潮的的推動下也陸續開辦了藝術博覽會。日本東京是亞洲開始舉辦的第一家藝術博覽會，之后的1992年香港亞洲藝博會和臺灣臺北畫廊藝術博覽會（現在是臺北國際藝術博覽會）幾乎同時舉辦,到目前為止我國舉辦了越來越多的藝術博覽會，主要圍繞廣州、上海、北京3個城市為中心舉辦藝術博覽會。2018年單上海一個地方1周之內就已經舉辦第6屆ART021當代藝術博覽會、第12屆上海雙年展、第22屆上海藝博會、第4屆上海青年藝術博覽會、第5屆上海西岸藝術與設計博覽會以及眾多國際一流展覽次第揭幕，可見中國藝術市場的活躍度。同時為了推動和挖掘有潛力的青年藝術家，現在還出現了不少線上藝術交易的平臺，和線下舉辦的青年藝術博覽會，網上消費也成為了更為“時尚”的消費模式。中國的藝術博覽會發展已經成為一個社會現象，經過20多年的發展，逐漸建立自己的組織策劃體系。但國內的博覽會起步晚，發展快，在發展的過程中也存在很多問題：例如參展的機構的評審過程缺乏規范性，導致很多藝術作品的專業水準參差不齊；宣傳工作的目標群體缺乏針對性，而導致不能達到理想的交易額等。當代中國藝術博覽會是在中國的市場經濟體制下新起的，它的產生和發展均與國內現實狀況息息相關，促進藝術博覽會更好的發展，既能推動經濟發展，又有助于營造社會藝術氛圍，提高國民的文化藝術審美力。

三、科技為當代藝術注入新的活力

當代藝術的發展越來越重視藝術的觀念性，在數字化時代，人工智能飛速發展，科技的融入也為藝術帶來新的活力。人工智能藝術，智能交互藝術，虛擬現實藝術等等，藝術將現代科技和觀念在不斷前進。

奧地利藝術家亞歷克斯·基思林（Alex Kiessling）主辦的一場前所未有的機器人遠程作畫活動，因此被命名為“遠程”。機器可以畫出和原作一模一樣的作品，然而人工智能的參與是否對藝術市場帶來沖擊呢？實際上現在的人工智能還處在模仿階段，并不能進行藝術創作，機器始終是沒有思想情感的機器，但是人工智能和藝術的結合也為人們帶來了樂趣。當人們參與到一件交互藝術中，與藝術作品進行互動，既提高了作品的趣味性，也讓人們親身體會到作品的意義。先鋒實驗影像藝術家彼得·坎普斯在作品《界面》，于1972年完成的藝術裝置，作品是在一個黑暗的空間，當人走到光投射的中心位置時，在前方的玻璃中會出現另一個自己，仿佛是自己和自己靈魂的對話，藝術家清晰的呈現出技術輔助下身體及精神層面自我認知的復雜構造。喻紅的作品《她曾經來過》，就是利用了VR（Virtual Reality）技術，來模擬她的人生經歷，當人們帶上VR眼鏡時，自己仿佛來到了另一個空間，進入到了她的世界，觀者將親身處在作品情境中更能體會到作者所表達的思想情感。她的另一個作品《半百》，歷時半年創作完成，是和團隊進行VR技術開發的3D沉浸式VR電影藝術作品，成功的入圍了2019年第24屆釜山國際電影節VR劇場單元。作品展示了一個女孩的出生和成長，以及一群孩子從兒時到成年的時光，也同時反映了社會的發展和變化，虛擬現實技術通過營造舞臺氛圍來傳遞和強化觀者以情感共鳴。

現在許多燈光藝術也運用到了交互藝術中，成為網紅打卡的圣地。將燈光充滿整個空間，燈光隨著人們的動作或者聲音的感知而變化，為人們帶來沉浸式的藝術體驗。德國的Exile工作室創作出了一個感知視覺及情感體驗的交互式裝置“Ego”，作品是基于一個粒子系統的運動來感應人們實時的動作行為，人們的動作通過投影轉換成條形狀在面前。2019年悉尼燈光藝術節，邀請了眾多照明藝術家，設計師，制造商等，利用燈光雕塑，互動技術，建筑投影等新媒介在悉尼進行活動表演。上海世博會展覽的虛擬現實作品“清明上河圖”,主要是以視覺和聽覺的沉浸式效果讓觀眾仿佛置身于北京的汴梁之中，這個項目根據畫卷的的內容安排了54個場景，設計了七百多段人物的對話，觀眾還可以在熒屏上進行自主操作，隨意觀賞畫面在中的細節，感受畫中的世界。科技和藝術結合的交互藝術已經進入畫廊，博覽會等藝術市場，未來越來越多的交互作品將會被買家所收藏。科技已經融入藝術，并為藝術帶來了商業價值。

結語

藝術和商業的結合無非對錯，它是歷史發展的必然，藝術應該保持自己的獨立性和純粹性，與商業的結合并不代表要跟著藝術市場的腳步而失去了藝術水準，而是要讓藝術市場按照藝術家步伐，為藝術家提供更大的平臺和充足的資金一起推動藝術的發展。科技為藝術注入新的活力，提高藝術的趣味性，讓大眾參與到藝術作品中，成為作品的一部分，和大眾拉近距離，也讓大眾對藝術有了進一步的認識。當代文化中日常生活審美化趨勢決定了消費和商品的藝術化需求，而藝術品高昂的價格讓大多數的人望而卻步，奢侈品是為人們提供通向藝術品消費的一種途徑。藝術在商業和科技的推動下不斷發展。