藝術創作中美術創作的方法分析與形式流變

⊙劉平一［北京師范大學藝術與傳媒學院，北京 100089］

一、藝術創作中美術創作的流程

一般來說，藝術創作指藝術家以自身世界觀、人生觀、價值觀為指導，運用一定的藝術創作方法，通過對現實生活的觀察和體驗，從而進行主觀的研究、分析和選擇，進而對生活素材加工和提煉，塑造出藝術形象，最后創作出藝術作品的創造性勞動。藝術家創作藝術作品的步驟一般是：從特定的審美感受、體驗出發，運用形象思維，按照美的規律對生活素材進行選擇、加工、概括、提煉，構思出主觀與客觀交融的審美意象，然后再使用物質材料（如顏料、水墨、雕塑泥等）將審美意象表現出來，最終構成內容美與形式美相統一的藝術作品。在這一過程中，需要藝術家擁有極高的藝術審美甄別能力和高超的駕馭藝術材料的技法。

藝術創作是人類為自身的審美需要而進行的精神生產活動，是一種獨立的、純粹的、高級形態的審美創造活動。藝術創作以社會生活為源泉，但并不是簡單地復制生活現象，實質上是一種特殊的審美創造。美術創作作為藝術創作的一種，也類屬于同樣的創作過程。藝術是藝術家對生活的提煉、升華，源于生活又高于生活。而在美術創作的過程中，藝術家——也就是畫家，是美術創作主體，其思想傾向、生活積累、性格氣質、個人藝術修養等這些主觀因素是其開展美術創作并最終完成的基礎和前提。可以說，優秀的美術創作的誕生，不僅需要藝術家自身擁有豐富的生活積累和感受，而且同時藝術家自身也要掌握與其作品相匹配的良好的藝術創作方法。而在漫長的美術史歷程中，有無數藝術大師為更好地讓美術作品符合時代發展的需求和動向，身體力行地推動著美術創作方法的一代又一代變革，最終，才形成了我們今天看到的包羅萬象、豐富多彩的美術史。

二、藝術創作中的美術創作方法

任何一種藝術的創作方法是指藝術家在藝術創作過程中，對主體思想感情和客觀生活的關系所持的基本態度和所遵循的基本原則。美術也不例外。藝術創作方法是藝術創作中的一條核心線，而藝術創作方法就是圍繞核心運動的分子。在一張美術創作的過程中，藝術家一定有其自己遵循的創作方法，這個創作方法可能是習慣使然，也可能是主觀為之，但其一定會貫穿于整個藝術創作的過程之中。一個優秀的藝術家會在整個創作過程中一直秉持自己的創作理念，這會讓其在創作過程中對這個畫面的進程把控得胸有成竹。最典型的莫過于古典風格的繪畫大師們，他們在創作過程極為嚴謹而理性地遵循著每一個繪畫的步驟，對于細節和結構的描繪一絲不茍、精益求精，力求最大化真實又細膩地描繪出想表達的場景。

而相反，如果一張美術作品在創作時毫無章法，縱然可能技巧熟練高超，但整個作品如果細細品來是經不起推敲的。同樣的，一個藝術家可以采用看似極為簡易直白的創作語言，但只要擁有符合其創作理念和意識的創作方法，一樣可以創造出具有深刻意義的藝術作品。如達達主義的代表人物杜尚的代表作《泉》，就是藝術家購買的一個非常普通的標準工業化生產的小便池，但這一作品的出現，直接成為20世紀最具影響力的藝術作品，對傳統的藝術概念表達了強烈的嘲諷并將藝術的概念與生活現成品相結合，開創了一個新的領域，標志著生活與藝術不再那么涇渭分明。

盡管在美術創作中風格可以百種多樣，但同時也遵循著最基本的原則，也就是最核心的藝術創作方法，正所謂萬變不離其宗。首先，是關于創作題材的選擇。藝術家一開始在充分的想象和生活經驗的積累下選擇出即將創作的題材，這個題材，可以平凡，亦可以非凡。歷史上有諸多的以農民為創作題材的畫家用最平凡的勞動人民為題材創作出了意義非凡的藝術作品，如著名巡回畫派代表畫家列賓創作的《伏爾加河上的纖夫》、繪制了大量農村生活場景的尼德蘭現實主義畫家老彼得勃魯蓋爾等。題材的選擇直接決定了一件藝術作品主題的高度。

杜尚《泉》

列賓《伏爾加河上的纖夫》

顧愷之《女史箴圖》局部

其次，就是對于藝術形象的塑造。創作主題決定后，藝術家就要選擇現實生活中的一個物象或者自行創造一個形象進行描繪，但不論是哪一種，都需要經過藝術家的主觀處理和加工，這樣才能創造出生動典型的藝術形象。一味地根據現實照搬照抄不是繪畫，藝術形象不是自然的翻版。而這個藝術形象，無論真實還是虛擬，無論典型還是平凡，都需要滿足一點：傳神。東晉畫家顧愷之最早提出了“以形寫神”的概念，極其強調繪畫要能表現人物的神韻風貌。其代表作品《女史箴圖》極其注重對于人物神態的描繪，顯示了魏晉女性濃郁的生活氣息，將當時女官們雍容華貴、嫵媚優美的形象刻畫得淋漓盡致、呼之欲出。真實而感人的藝術形象的刻畫往往能更好地展現出藝術家想表達的思想感情，才能產生強烈的持續的感人的力量。

最后，關于創作風格的形成。歷史上優秀的繪畫大師，都擁有自己強烈的個人風格。所謂風格，無非是作品所顯示的一種格調、氣派，這一點往往與作者自身的思想感情密切聯系的題材、主題的特殊性特別是表現方式的習慣性有著極大關聯，因此一個藝術家的創作風格往往都有著一種相似的基調。但一個成熟的藝術家，是能夠做到在自己的作品中將所想表達的思想感情和個人風格做出相應的調節和適應的。如果風格一直一成不變，就容易流于形式和僵化。如達芬奇，在創作晚期的時候就漸漸陷入一味的“蒙娜麗莎”式的模式之中變得俗套。創作風格的多樣化能夠更好地為創造優秀的藝術形象服務；同時，也不要孤立地強調風格的多樣性和個性，這會使得藝術創作變得表面而膚淺，而且脫離實際生活。

三、美術創作方法形式的演變

縱觀整個美術史的發展，我們會發現一代又一代的藝術家們都在不斷推動著繪畫這一藝術無論是從表達的內容還是創作的技法等方面更好地符合時代的發展和需要。藝術本質上屬于社會上層建筑的范疇，必須與當時的經濟基礎相適應，同時又能對社會的發展具有或進或退的反作用。在這一發展的過程中，我們不僅可以看到人們審美觀念的不斷進步，而且甚至能感受到整個人類文明的精神內核——對“真善美”的無盡追求和對人性的光輝的吶喊。

在經歷了漫長而黑暗的中世紀時期后，一批勇敢而向往人文主義的開拓者出現了，他們就是來自“文藝復興”的斗士。他們以文字或畫筆為工具，呼吁人們掙脫沉重的鐐銬，正視自己生而為人的權利，主張人首先要成其為人。他們主張欣賞古希臘古羅馬時期“單純的崇高，靜穆的偉大”，重視“人”這個詞的分量，力爭將當時“神”的藝術變成“人”的藝術。給充斥著宗教畫的日益呆板僵化的畫壇帶來了鼓吹人性和自由的號角。在他們的筆下，畫中人物的形象開始富有生氣，題材的選擇慢慢不再拘泥死板。在“文藝復興三杰”之一拉斐爾的筆下，那些圣母不再高高在上，而是像是優美高雅而且散發著溫柔母性的少婦。這場文藝變革不僅開創了西方古典主義的先河，而且奠定了西方繪畫的再現式表達基礎。

但隨著資本主義的進一步發展和當時政治因素的失敗，其鼓吹的理性王國也漸漸暴露出名不副實的真面目。知識分子們開始對當時權威的古典主義感到失望，比起虛偽的理性主義，他們更渴望一種能夠帶領人民走向自由、追求理想的充滿希望與朝氣的藝術，于是浪漫主義美術應運而生了。浪漫主義美術的主題往往宏大到甚至夸張，多以鼓舞人心的革命歷史題材和美好壯麗的大自然為主。在這一時期，藝術家們不再強調理性，充分發揮自身的主觀性和想象力。在作畫手法上，被古典主義所重視的素描的地位開始被拉下神壇，畫家將注意力集中在色彩對整個畫面氛圍的縈繞。正如著名的浪漫主義代表作《自由領導人民》一樣，現實生活中根本不可能出現一個半裸的年輕女子在戰場沖鋒陷陣，只可能是畫家的創意幻想。而這種幻想，正是基于藝術家對現實的強烈不滿和能有所改變的希望。

繼浪漫主義的風靡之后，有一群藝術家開始對一味追求幻想至脫離現實的浪漫主義感到厭倦，他們開始把藝術的目光投射到自然上，主張藝術的返璞歸真，于是以寫實的手法為基調創造了現實主義美術。現實主義在題材上拋棄了新古典主義的神話傳說與古代英雄人物、浪漫主義的中世紀傳奇、異國情調和不切實際的幻想，將眼光指向大自然和現實生活，尤其著重描繪普通勞動者的生活和斗爭，此時勞動者真正成為繪畫中的主體形象，深入拓展了藝術創作的題材范圍。而在藝術表現上，它重視自然美、真實美，以寫實手法如實地描繪大自然和反映現實生活，倡導對社會生活的評價，對普通人生活的關切。這一時期誕生了許多贊美自然、歌頌勞動的偉大作品，為大自然和樸實的勞動者們譜寫著深情的贊歌。

隨著工業革命逐漸發展成為大批量工業化生產帶來的社會變遷，藝術家對于藝術創作開始做出更多方面的探索，如與機器化生產有著直接關聯的立體主義、結構主義，以及由現代批量化工業生產設計而誕生的波普藝術，至此，藝術與日常生活的邊界被徹底打破。同時伴隨著兩次世界大戰的爆發，給人們的心靈帶來了極大的創傷，人們對未來感到虛無、哀傷、失望和迷茫，許多藝術家的創作對人的情緒展現了更多的重視，甚至僅僅表達情緒而已，如蒙克的作品《吶喊》。在這種戰后情緒的籠罩和西方寫實主義發展的飽和，也有一部分藝術家主張顛覆傳統，全盤否定，如前文提到的達達主義，積極為藝術的發展探索更多形式。盡管現代主義有其過于劍走偏鋒之嫌，現在藝術界也對于現代主義的價值有諸多爭議，但毋庸置疑的一點是，藝術是對人們心靈世界的高級審美表達，在這一點上，現代主義美術是純粹而大膽的。

結語

藝術創作方法在具體藝術創作的過程中的運用既是理性的，同時又是感性的。方法是可以有規律可循的，但高質量的藝術作品不能僅僅靠創作者所熟悉的規律，因為藝術始終不是工業流水線的產品可以復制粘貼。我們既要不斷努力提高技術層面等創作的硬性需要，但同時也審時度勢地提高藝術創作的意識層面內容，形成自身的藝術創作方法體系，不斷完善和創新。藝術會隨著時代的發展更新和進步，藝術創作方法作為藝術創作時的重要工具，“工欲善其事，必先利其器”，這是藝術家終其一生都需要思考的問題。

德拉克羅瓦《自由領導人民》