經典音樂的“破圈”與“賦值”

“破圈”的藝術歌曲音樂會

2023年5月20日，深圳音樂廳小劇場舉辦了一場短小精致而又特別的音樂會，女中音李穎通過16首藝術歌曲的演唱，用音樂演繹了時尚大師可可·香奈兒（Coco Chanel）的一生。李穎畢業于法國巴黎高等師范音樂學院，取得了“高級演唱家文憑”，現為深圳歌劇舞劇院青年演員。相比起“正襟危坐”的藝術音樂會而言，這場名為“可可·香奈兒的音樂清單”的多媒體藝術歌曲音樂會始終呈現出輕松而愉悅的氛圍，觀眾也給予了熱烈的回應。

音樂會選取了薩蒂《1916年的三首歌》（EricSatie，Three songs of 1916）、奧芬巴赫《我剛剛參加的晚宴》（Jacques Offenbach，Ah！ What a dinner justhad）、德彪西《簡》（Achille-Claude Debussy，Jane）、普朗克《愛的旅途》（Francis Poulenc，The path of Love）、庫特·威爾《海市蜃樓》（Kurt Weill，Youkali、哈恩《華麗盛宴》（Reynaldo Hahn，Fetes galantes）、約瑟夫·科斯瑪《秋葉》（Joseph Kosma，Autumn leaves）等對于中國觀眾而言較為“小眾”的藝術歌曲，其中大多數為法語藝術歌曲，也不乏輕音樂風格的歌曲。比利時鋼琴家、旅居廣深地區的博復生（RenaatBeheydt）擔任伴奏，并穿插演奏了巴赫和斯特拉文斯基的兩首鋼琴作品。女中音李穎的音色醇厚又不失甜美，能在傳統藝術歌曲和輕音樂風格歌曲之間快速地變換表演風格，音量和音色的控制也頗為“老道”，活潑、自如的表演更是為其演唱增色不少，彰顯了這位年輕歌唱家的功底和實力。

這場音樂會最大的亮點在于其“破圈”的主題和加入了多媒體的呈現形式。法國時裝設計師可可·香奈兒從一名孤兒成長為時尚大師的人生經歷，及其突破歐洲傳統服裝模式、賦予女性獨立和簡練的設計風格是極富吸引力的主題。然而，這些需要通過敘述和視覺才能傳達的信息如何與音樂關聯起來，無疑是音樂會策劃的難點。為了讓觀眾更為清楚地了解香奈兒的“傳記”，音樂會根據人物經歷分為孤兒時期、歌女時期、創業期、事業高峰期和戰后復出期等多個主題場景，并取名為“童年的旋律”“穆朗城歌舞咖啡館”“1922年的下午茶沙龍”等，不同場景演繹與之創作時代和風格相近的歌曲，由此將音樂承載的時代氛圍、歌詞文本內容與人物的境遇和經歷對應起來。因此，這是一場以香奈爾兒的時尚事業發展歷程為名、展示19世紀末至20世紀中葉歐洲歌曲的音樂會。

與以往藝術歌曲音樂會空間設計的簡約設置不同，這場音樂會極力在視覺上營造精致和浪漫的感覺。小型舞臺兩邊始終擺放著時裝帽展示臺、屏風、古典座椅等物件，強調了“場景”性。李穎演唱時的表演也不拘泥于一個點位，而是充分利用道具，不時游走于兩側道具中或與鋼琴伴奏者對話，展開戲劇化的表演，將短小的歌曲整合進連續的情節和同一情境之中。此外，舞臺上最大的亮點當屬中上方的多媒體屏幕，它配合著音樂展示香奈兒的歷史影像，通過文字介紹了她的經歷以及歌曲創作背景。比如，“巴黎康朋街”單元講述的是香奈兒創業時期的歷程，這一時期的呈現由普朗克的《巴黎之旅》和喬·達辛（JoeDassin）的《香榭麗舍大街》兩首歌曲承擔，它們勾勒出“潮流之都”巴黎的浮華氛圍，多媒體同步展示了當時巴黎時裝的潮流樣式，以及香奈兒品牌店鋪及其彼時的作品。“1922年的下午茶沙龍”時段選取了薩蒂、弗雷和德彪西同時期的作品，多媒體以圖片和滾動文字的方式詳細介紹了音樂界的發展動態、風格潮流以及備受關注的香奈兒與斯特拉文斯基之間的往事。

本場音樂會提供了一個以不同體驗方式了解法國藝術歌曲的機會，運用視覺展示進行輔助的呈現形式不僅豐富了音樂會的感知，對于普及藝術音樂也有著極大的優勢，使不了解藝術歌曲的觀眾在短時間內觸摸到古典作品的時代意義，可謂是感性與理性相結合的認知方式。但是，這場音樂會在視覺呈現及其與聽覺的關聯上仍有待打磨，多媒體展示更像是 PPT 式的實時“解說”，在一些繁雜的滾動文字介紹中，音樂甚至淪為了“背景”，觀眾的注意力反倒圍繞著影像和文字，文本制作則頗為粗糙。七個時段單元的想法新穎，但某些主題時段完全圍繞香奈兒的經歷展開，有些則完全脫離本來主題進入作曲家的詳細介紹，不同時段間的銜接過于生硬，歌曲與主題單元的拼湊感較強。

對于一場引入了與多媒體等視覺元素的音樂會，平衡聽覺與視覺的關系是一個極具挑戰性的課題。視覺效果是喧賓奪主還是相得益彰直接決定了音樂會的成敗，而“破圈”主題的意義和目的也需要謹慎考量，如果不能與音樂完全結合在一起被呈現，那就只是一個吸引眼球的無意義的標簽。

藝術音樂會的范式轉換

近幾年，與“可可·香奈兒的音樂清單”類似的新形態音樂會已經成為了國內外藝術音樂界不斷探索和實踐的道路，這是針對觀眾“老齡化”和市場萎縮的“應對措施”之一。西方藝術音樂的最大特性之一便是絕對“聽覺性”，即音樂的形式與意義都必須是聽到的，而非通過其他感官獲取。因此，即使20世紀以來音樂創作范式已經大獲突破，純粹而中性地展現音樂作品，靜心屏氣、凝神專注欣賞“純”音樂的演出范式始終未有大變化，似乎任何的改變都會“損害”藝術音樂的“獨立性”“正統性”和“嚴肅性”。然而，演出模式的固化卻是當下藝術音樂傳播的“瓶頸”之一，在解構高雅、嚴肅、純粹的時代，曾經的“經典”音樂逐步變為“文獻”般的存在，難以切實地介入到觀眾日常審美活動中來。

在信息化社會，觀眾不再滿足于曲目本真的聽覺傳達和音樂表演者的技巧，而希望看到代入了當代氣息的舊作，也期望在一場音樂會中獲得與同一類型音樂會完全不同的體驗和感知。因此，“破圈”已逐漸成為了藝術音樂會“自救”行動的一劑“良藥”。所謂“破圈”，乃是改變傳統音樂會只唱/奏、“就音樂論音樂”的思維，設定新的主題或戲劇情境，將作品固有的形式和內容打碎，脫離、舍棄作品的歷史語境和內涵，而后在當代文化語境中將演出曲目重整、組合或與其他類型的音樂交互。其本質是用音樂作品建構某個當代化的主題或議題，形成新的社會敘事，建立打破限制和界限的、開放而自由的藝術音樂現場。同時，重塑劇場空間和加入戲劇性的表演也是“破圈”的重要手段，換言之，音樂會不僅要好聽，更有“看頭”。

2018年在上海大劇院上演的《暗鏡：冬之旅》便是融音樂表演、影像、舞美設計于一體的改編版《冬之旅》。新的舞臺呈現將原作納入新的語境中，舒伯特那個“本真的”作品已然消解，這是現代人與《冬之旅》相遇后誕生的音樂劇場作品，觀者在這個劇場空間體驗到了一個與自身生存境遇息息相關的氛圍。早在2001年，德意志留聲機廠牌（DG）就創辦了“黃標現場”（YellowLounge）的品牌，其目標便是為年輕的觀眾打造一個不同于傳統表演形態的“音樂俱樂部”，用“時尚”的空間和跨界的方式營造類似于流行音樂的、高度互動和輕松的音樂場景。2020年，“黃標現場”落戶中國，這股“破圈”潮流開始在國內被接受和不斷實踐，給中國年輕人帶來了古典音樂的新體驗，也給新生代藝術家們提供了更多的施展空間。

2021年的北京國際音樂節上，藝術總監鄒爽導演的《自然頌歌》就以新編戲劇的方式重新演繹了亨德爾的《九首德意志詠嘆調》，在“環保”主題下塑造出巴洛克與現代音樂文化的對話。音樂會仍然保留了巴洛克古樂團的伴奏，樂隊與歌者在垃圾袋、綠植、冰箱構成的劇場舞臺空間中展開表演。新作的器樂曲將詠嘆調重新“黏合”起來，歌詞文本也在新的敘事情境中被重新解讀，構成了一場歌者感悟自然的“獨角戲”。舞臺設計展現的“現代工業風”與巴洛克的音樂風格形成鮮明的對比，聽覺和視覺的風格“錯位”帶來強烈的沖擊力，亨德爾的詠嘆調“脫去”了“本真的”戲劇情境和意義，被現代人賦予了符合當下文化和情境的“新衣”。

2022年底，沈洋在深圳音樂廳舉辦的“玉亦萬重：詩歌中的唐詩之路”藝術歌曲音樂會也是新形態藝術歌曲音樂會的成功案例。這場音樂會的亮點有二：一是由李白、杜牧、王維、劉禹錫等13位詩人的古詩詞譜曲的二十余首英語、德語、瑞典語、漢語藝術歌曲，熟悉的歌詞與陌生的曲調構成了一套新奇的曲目；二是這場音樂會并非由“一人一琴”、獨唱到底的傳統形態呈現，而是以演唱與敘事結合的方式呈現，一位始終在場的敘述者與演唱者扮演著同等重要的位置，敘事穿插在歌曲演唱中間，介紹中國古詩詞在歐洲傳播的點滴歷程，語言與音樂的循環構成了一個故事鏈條。雖然都是中國古詩詞藝術歌曲，但在敘事重組之下，從不同文化背景和角度創作的、不同趣味和風格的歌曲成為了一個“集群”，連結并“顯化”了文化交流、互鑒、碰撞的“絲路”。同時，被整合進一個故事的曲目，其意義不再囿于自身的微觀敘事，而是作為宏觀文化敘事的一部分，文化外延的構建傳達了超越音樂本身的意義，它們不僅是藝術作品，亦是記錄和傳播走向世界的“中國故事”的“史料”。這場音樂會展現的藝術性與歷史性的交疊和互融給觀眾以濃厚的學術沙龍氛圍，全新的觀演體驗無與倫比。

藝術經典的再“賦值”

演出范式的轉變將表演者或隱身于幕后的導演轉變為“策展人”，而音樂會不再只是音樂創作者和表演者的“功力”展現，其呈現方式也深刻地介入了藝術意義的傳達。因此，音樂會形式的更新不僅是經典藝術音樂的推廣策劃環節，更是為過去的藝術作品再“賦值”的過程，通過現代的思維和視角賦予舊作新的價值和意義，擴展藝術音樂演繹和詮釋的空間。或許有人會質疑，如此一來，經典藝術音樂“本真的”意義必將流失，其所承載的音樂會傳統也會漸漸消失，這種行動到底是對經典音樂的“復活”還是“毀滅”？

其實，藝術音樂或所謂古典音樂的經典性恰恰在于它們能夠適應或映射不同時代的文化氛圍，為不同立場和境遇的人們提供體驗、理解和詮釋的空間，而不同時代再“賦值”的疊加正是經典形成的條件之一。如果一個時代無法再賦予以往時代的音樂以新的價值和意義，那它們必將退出大眾的視線，成為公眾不再染指的古文獻。因此，音樂會形態的更新是藝術音樂“活態”存續的有效方式之一。

中國美術學院院長高世名先生在談論美術策展時曾言，“中介”式的藝術組織行動“讓被鎖定在各自社會階層、各個歷史階段、各個關系單元中的消費主義個體，重新煥發出生產的潛能、主體的動能，催生出一種自我創造和自我解放的力量。在這個意義上，策展就是一部‘行動之書’。這部‘行動之書’所書寫的一切，不是關于拜物的藝術，而是為了開展出解放的藝術、召喚出未來的節日”1。藝術音樂演出的策劃和組織又何嘗不是呢？

因此，女中音李穎的這場藝術歌曲音樂會整體而言“瑕不掩瑜”，其策劃和呈現方式顯示出中國青年音樂家在當代文化浪潮中對古典音樂創新化傳播的思考和實驗。音樂會不僅僅停留于經典音樂的詮釋，而是在此基礎上通過新的傳播方式將作品再“賦值”，這無疑將是新時代評判音樂家優秀與否的標準之一。

1高世名《策展：一種推動社會創新的行動》，《光明日報》2022年5月22日，第11版。

朱依依博士，深圳大學音樂舞蹈學院音樂系副教授

（責任編輯榮英濤）