空間介入：21世紀繪畫藝術的創作策略

［摘 要］ 主要探討了21世紀繪畫藝術在空間介入方面的創作實踐策略。首先，追溯了擴展繪畫的歷史脈絡，分析了擴展繪畫在形式和概念上的演進。其次，具體討論了沉浸式場域打造、畫框形態改造和場地特定藝術三類常見的空間介入的策略。最后，反思了空間介入對繪畫界限的影響，呼吁對繪畫的定義、界限和功能進行重新思考，以適應21世紀繪畫藝術的新語境。

［關 鍵 詞］ 空間介入；擴展繪畫；沉浸式體驗；特定場域藝術

傳統的繪畫作品，往往被裝裱在精致的畫框中，并以輕微的傾斜角度懸掛于墻壁，借助射燈的聚焦照明，使得作品的細節和質感得以突出。這種展示方式在盧浮宮、國家美術館等歷史悠久的博物館中十分常見。然而，自20世紀以來，這種傳統的展示方式開始發生顯著變化。特別是在21世紀的今天，當我們步入美術館或畫廊，會發現許多繪畫作品已經超越了傳統畫框的限制。藝術家們開始探索與展覽空間的互動，將繪畫作品與建筑環境相結合，創造出一種全新的展示形式。

在這種新興的展示方式中，建筑空間不再僅僅是作品的背景，而成為作品的一部分。繪畫作品通過空間介入的方式，與觀眾建立了更為直接的聯系。這種創新的展示手法不僅拓寬了藝術的表現力，也為觀眾帶來了更加豐富和立體的觀賞體驗。

一、擴展的繪畫領域

從歷史的角度來看，繪畫藝術經歷了從洞穴繪畫到教堂壁畫、架上繪畫，再到非傳統繪畫的根本轉變。洞穴繪畫是人類最早的藝術形式之一，通常與狩獵儀式等有關。教堂壁畫則將繪畫帶入了宗教建筑的墻壁和天花板，使其成為公共和可見的藝術形式。架上繪畫的出現標志著繪畫從固定地點的解放，反映了人文主義和個人主義的興起。而非傳統繪畫的發展可以概括為四個歷史階段：20世紀初的前衛藝術、20世紀60年代的概念藝術和極簡藝術、20世紀80年代的新概念主義以及今天的擴展繪畫。

擴展繪畫是一種超越了傳統畫架和畫布限制的藝術形式，它探索了繪畫在空間和時間維度上的可能性。這種藝術形式的歷史可以追溯到一個世紀以前，當時的藝術家們就開始挑戰繪畫的有限存在，逐漸摒棄了平面性和基于工藝的規則，轉而尋求空間和概念上的新擴展，這種轉變不僅是對繪畫物理形態的突破，也是對藝術表達方式的深化。

20世紀初，前衛藝術家開始關注作品的形式和內容，將注意力從畫框內部轉移到畫框本身和繪畫的物理性質。這種轉變標志著從傳統繪畫到非傳統繪畫的重要過渡，藝術家開始探索如何將繪畫從墻上擴展到整個空間，與環境和其他媒介互動，從而創造出沉浸式的藝術體驗。20世紀60年代的概念藝術和極簡藝術的興起進一步解構了傳統繪畫的體系，將觀念本身作為藝術的核心。20世紀80年代的新概念主義和裝置藝術則將藝術家帶回了工作室，裝置藝術的出現進一步擴展了繪畫的邊界，藝術家利用裝置藝術對藝術世界的結構進行了批判和反思。在這個過程中，藝術家如畢加索、塔特林、馬列維奇和利西茨基等，通過他們的作品和理念展示了如何從傳統繪畫走向三維形式，同時保留繪畫的本質。這些藝術家的實踐不僅推動了繪畫藝術的發展，也為后來的藝術家提供了豐富的靈感和可能性。

而近期的擴展繪畫更是跨學科、跨媒介高度融合的產物。大衛·霍克尼2017年創作的《在工作室中》就將畫作與實景圖片、3D建模等多種媒介融合；2021年美國畫家比普爾則以非同質化代幣的方式將《每一天：最初的5000天》拍賣出了6934萬美元的天價，讓他一舉成為“最有價值的在世藝術家的前三名”，而他的成功，完全得益于今天區塊鏈技術以及數字繪畫的成熟。

繪畫藝術的擴展發展總是伴隨著關于“繪畫消亡論”①的討論。這種討論通常源于新技術的出現，如攝影和數字媒體，它們不僅改變了圖像的捕捉和再現方式，也促使藝術家重新審視繪畫的角色和功能。然而，繪畫藝術具有強大的適應力和變革性。每一次面臨新技術的挑戰，繪畫都能以一種新的狀態存活下來，以適應新的視覺和復制條件。在這個過程中，“空間介入”逐漸成為一種重要的繪畫創作策略。這種策略突破了傳統繪畫的界限，將繪畫與展覽空間相結合，創造出一種沉浸式的觀賞體驗。通過空間介入，藝術家能夠更深入地探索繪畫與環境的關系，進而拓展繪畫的表現力和影響力。

二、空間介入的策略與實踐

隨著21世紀虛擬網絡和社交媒體的高速發展，繪畫藝術的傳播和銷售途徑經歷了翻天覆地的變化。數字工具和人工智能技術的日益成熟，使得繪畫的界限變得模糊，實體空間不再是唯一的展示平臺。這一轉變不僅為藝術家提供了更廣闊的創作空間，也給傳統畫廊和美術館帶來了前所未有的挑戰。

在這樣的背景下，為了重新吸引觀眾，畫廊和美術館開始積極探索轉型之路，越來越愿意支持藝術家對建筑空間進行改造甚至解構，鼓勵繪畫作品突破傳統畫框的界限，與展覽場地的環境相融合。這種空間介入的策略不僅豐富了繪畫的物理形態，更拓展了藝術表達的可能性。正如蘇格蘭藝術家弗蘭絲-莉絲·麥古恩（France-Lise McGurn）在“晃動的身體（Bodytronic）”展覽中所展示的那樣，她巧妙地將建筑空間作為繪畫作品的延伸，創造出一種全新的沉浸式體驗。

在她的畫作中，人物的身體形象擺脫了傳統造型模式的限制，它們不僅在畫布上進行延展，甚至溢出周圍的空間。她巧妙地將畫框與墻面緊密結合，讓繪畫從畫布擴展到展覽空間的墻壁，改變了傳統的畫框界限，畫面得以在不同的介質上自由地延展與流淌，給觀眾帶來一種全新的沉浸式體驗。這樣的創作方式為整個展覽空間注入了一種動態的生命力，使得作品不再局限于二維平面的視覺體驗，而是變成了一種多維度的感官體驗。

麥古恩還非常擅長描繪充滿節奏感和不穩定性的身體形象，此次展覽的主題“Bodytronic”，指的也正是這種充滿節奏感、夢幻般的、不斷移動的身體。她常常將從電影、俱樂部傳單和雜志中精選的圖像，與她個人的生活體驗進行融合，再創造出全新的人物形象，并用她強有力的筆觸與線條，將人物身體的各個部位進行解構，既表現了城市生活的疏離感，又展現了城市中人與人之間那種難以言喻的親密聯系。

而西班牙藝術家安其拉·德·拉·克魯茲（Angela de la Cruz）則以其對畫框的創新使用而聞名。她通過破壞和彎曲畫框，讓畫布呈現出脫離、扭曲、撕裂或變形的狀態，從而將繪畫從二維平面解放出來，轉化為具有建筑尺寸的巨型三維作品。在她的代表作品《比生命更大》（Larger Than Life）（見圖1）中，畫布被拉伸占據整個空間，讓整個建筑空間都變成繪畫的表面，脫離了傳統的圖像再現，探索了當代繪畫空間的極限。此時，這幅作品不僅是一幅畫，而是成為一種空間的存在。除此之外，她的作品還具有很強烈的擬人化特征，如她將這幅作品比作一個不會跳舞、倒在地上的巨型女人。

《比生命更大》除了是一幅顛覆傳統畫框形態的佳作，更是一件充分體現場域特定性（Site-specific）①的繪畫作品。所謂場域特定，是指藝術創作與特定地點緊密相連，作品的意義和表現形式都與該地點的獨特性質密切相關。一旦脫離了原初設計的場所，作品便可能失去其核心價值和深層意義。這件作品在巡展至西班牙、以色列、德國等國家的博物館時，克魯茲都會根據每個展覽場地的空間布局和建筑特點對其進行重新構思和創作。這種針對具體場地空間量身定制的繪畫實踐，要求藝術家深入理解和把握展覽地點的獨特性，將個人的創作理念與空間的物理屬性和文化背景相結合，從而創作出既具有個性又與環境和諧共生的作品，也已成為當代藝術家介入和重塑空間的常用手法之一。

在本章節中，我們深入分析了當代繪畫中空間介入的三種常用策略：首先是創造沉浸式體驗，通過擴展繪畫的空間維度，使觀眾得以置身于藝術之中。其次是改造畫框，不僅顛覆了傳統的展示形態，也使繪畫突破了平面的界限，以立體的形式呈現，從而拓展了藝術的表達空間。最后是場地特定藝術的繪畫實踐，這種策略強調藝術作品與特定地點的融合，賦予作品獨特的地域性和環境互動性。這些策略共同拓寬了繪畫的界限，為觀眾帶來了全新的審美體驗，展現了藝術與空間交互的無限潛力。

三、空間介入后的繪畫界限探索

介入空間后的繪畫作品不僅改變了藝術的表現形式，更引發了對繪畫本體界限的深刻反思。這種變革促使我們重新審視繪畫的定義、功能以及它與觀眾之間的互動關系。例如，我們開始思考，在何種條件——特定的時間、地點和情境下，一幅作品才被認定為繪畫。

以露西·麥肯齊（Lucy McKenzie）的Quodlibet LXI （Cerfontaine Coiffeuse）（見圖2）為例，這幅作品在視覺上成功地模糊了繪畫與實物的界限。初看之下，似乎是一件逼真的家具化妝臺，仔細觀察可以發現，這幅作品實際上是通過運用古典油畫中的“視錯覺”（trompe l'oeil）技法，巧妙地繪制了化妝品、大理石臺面以及凳子的布紋，并將這些元素組合成一個看似真實的化妝臺，實現了以假亂真的效果。

這種“視錯覺”技法在繪畫史上具有悠久的傳統，尤其在17世紀荷蘭靜物畫中極為盛行。對于不熟悉繪畫史的觀眾來說，他們可能在初次觀賞這件作品時，難以將其識別為一幅繪畫作品。然而，這種難以識別的特性，恰恰體現了“視錯覺”作品的成功之處，它挑戰了觀眾的感知，迫使他們重新思考何為“真實”、何為“虛構”。

更有趣的是，盡管“視錯覺”是一種古老的技法，但在麥肯齊的作品中，它被賦予全新的創作視角，展現出當代藝術的獨特魅力。這種創新不僅為繪畫史的發展提供了新的視角，也體現了油畫在傳承與創新中不斷前行的精神。通過這樣的作品，我們可以看到古老的藝術技法在當代藝術家的手中，依然能夠煥發出新的生命力，為繪畫史的豐富與發展做出貢獻。

在21世紀的繪畫領域，空間介入后的繪畫作品呈現出顯著的跨學科特性。這種跨學科性不僅對觀眾的藝術認知和辨識能力提出了挑戰，而且極大地拓展了我們對繪畫可能性的認識。這些作品的存在，對傳統繪畫的界限提出了質疑，促使我們重新審視繪畫的定義和功能。面對這類作品，我們不應再局限于“今天什么是繪畫”的問題，而應更多地思考“繪畫在今天如何存在”。這種思考方式的轉變，有助于我們更全面地認識繪畫藝術的當代價值和意義，以及它在當代社會中的多元角色和功能。

四、小結

40年前，繪畫在技術和意識形態上曾被視為視覺藝術中相對停滯和保守的領域。然而，21世紀的繪畫藝術已經證明，繪畫遠未達到其發展的終點。它持續不斷地演變，每時每刻都在進行著創新與更新的循環。正如藝術評論家蒂埃里·德·迪弗所說：“有一個詞可以用來描述世界上所有畫家的想象和真實作品，無論他們在做什么，這個詞就是繪畫。”①

當前，空間介入的繪畫策略進一步挑戰了我們對傳統繪畫技術和工具的認知，推動藝術實踐從關注物質性轉向更深層次的探索——即繪畫所蘊含的無限可能性。這種轉變突破了對繪畫形態的傳統看法，將焦點從作品的實體產出轉向對其本質的深入探討。在這一領域，繪畫不再是單一的完成物體，而是變成了充滿潛力的空間，為觀者提供了一種全新的、直接體驗存在場景的方式。這種轉變極大地擴展了繪畫的定義和范疇，使其成為一種不斷進步、始終充滿創新活力的藝術形式。

參考文獻：

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作者單位：上海大學