表象之下的美國文化

20世紀70年代，盡管彩色攝影技術已日趨成熟，但黑白攝影仍然占據主導地位，而彩色攝影更多是應用于廣告和時尚攝影領域。攝影大師斯蒂芬 ·肖爾（StephenShore）創新且大膽地將彩色攝影應用到藝術表現中，成為新彩色攝影先驅之一。本文試圖解析斯蒂芬 ·肖爾作品《不尋常之地》中的創作手法，探討斯蒂芬·肖爾的攝影創作理念與創作構思，通過深入挖掘照片表象之下的美國文化，歸納總結斯蒂芬 ·肖爾這一作品對當代攝影帶來的影響，激發觀者去思考藝術創作與所處時代的關系、藝術創作與社會發展的關系。

一、斯蒂芬 ·肖爾所處時代的藝術環境

1947年，斯蒂芬 ·肖爾出生在美國紐約。20世紀60、70年代，正是黑白攝影的黃金時期，斯蒂芬 ·肖爾率先探索彩色攝影，成為新彩色攝影的先驅之一。斯蒂芬 ·肖爾在孩童時期就開始接觸攝影，10歲時鄰居送給他一本沃克 ·埃文斯（WalkerEvans）的《美國照片》，沃克 ·埃文斯作品中的“透明性”，可以理解為是一種杜絕主觀干預的客觀紀實性風格，極大影響了斯蒂芬 ·肖爾后來創作的觀看方式。17歲時，斯蒂芬 ·肖爾成為安迪 ·沃霍爾（AndyWarhol）的專用攝影師，他看到了安迪 ·沃霍爾將藝術與大眾消費品建立了聯系，用藝術去諷刺美國現實社會。安迪 ·沃霍爾作 品中序列性、重復性、平面性等創作方法，為斯蒂芬 ·肖爾在攝影創作拍攝對象的選擇上提供了思路。

此外，埃德 ·魯沙（EdRuscha）1962年拍攝的《26個加油站》， 也極大影響了斯蒂芬 ·肖爾對美國社會景觀的關注。23歲時，斯蒂芬 ·肖爾成為在美國紐約大都會藝術博物館舉辦個展的首個藝術家。斯蒂芬 ·肖爾身處于這樣的藝術環境之下，受到了這樣的藝術環境熏陶，對之后其完成《不尋常之地》有著深遠的影響。

二、斯蒂芬·肖爾《不尋常之地》的創作手法

《不尋常之地》被稱為“新彩色攝影的盛典”，是斯蒂芬 ·肖爾長達10年公路旅行所記錄下來的美國日常的社會景觀。在這個作品創作過程中，斯蒂芬 ·肖爾更加注重畫面的結構與內容的解析，他嘗試以“去視覺中心點”的創作手法，讓圖片看似沒有視覺中心點，但其實整張圖像都是重點，這也就是為什么他會用大畫幅相機去記錄當時美國社會景觀與他的日常生活。這主要由于大畫幅自身的優勢，比如分辨率高、細節表現更好、大畫幅的移軸技術等，特別強調的是移軸技術能夠實現“超焦距”的效果，能夠讓畫面具有更多的可讀性，讓看似平平無奇、中規中矩的美國社會景觀影 像，去啟發觀眾思考這照片表象之下所隱喻的美國文化，即可以理解為是美國汽車文化與公路旅游文化的相互交織，體現了美國社會的變遷。那么“去視覺中心點”的創作手法如何去表達？可以從色彩視覺的表達、畫面結構的復雜性、拍攝視點的選擇三個維度去探索。

（一）色彩視覺的表達

新彩色攝影是20世紀70年代中期興起的一種美國攝影運動，代表性人物主要有威廉·埃格爾斯頓、斯蒂芬 ·肖爾、喬爾 ·斯頓菲爾德等人，新彩色攝影師們摒棄了傳統攝影對于公共意識形態的表現傾向，不追求攝影的宏大敘事，而是從自身體驗出發，以質疑和反省的態度，借助極具表現力的色彩，對于日常社會景觀進行攝影的審視，揭示了潛伏在美國平常普通的社會表面之下所普遍存在的不平凡的某種危機、某種焦慮、某種疏離……斯蒂芬 ·肖爾作為新彩色攝影創始人之一，他對彩色攝影有著自己獨到的理解，用大畫幅相機遠離拍攝主體，使其觀點更為含蓄、隱晦，同時以豐富的細節使觀眾能夠關注到照片的整體，又可以感受到細節反映的問題與沖突。比如在斯蒂芬·肖爾拍攝的《第五街和百老匯街》（見圖 1）中，斯蒂芬 ·肖爾捕捉到了汽車色彩與街道建筑色彩的微妙關系，這些色彩之間看似雜亂無序，卻又和諧統一。一條看似很普通的街道，卻讓觀眾感覺到色彩的張力，在這些色彩表象之下反映了什么社會問題？這讓觀眾不由得聯想到美國汽車文化給城市發展帶來的影響。

（二）畫面結構的復雜性

“攝影不應該提倡構圖，而應該尋找一種結構”，這是斯蒂芬 ·肖爾在《形式與張力》文章中所強調的觀點。斯蒂芬 ·肖爾這里強調的結構，不是取代構圖方法，而是一種全新的觀看方式。斯蒂芬 ·肖爾的作品《不尋常之地》很注重畫面結構復雜性的表達，也就是在注重改變人的觀看習慣的同時，還要豐富人的觀看視角。他要挑戰的是人類用大光圈觀看事物的視覺習慣，也就是上文所提到的“去視覺中心化”。斯蒂芬 ·肖爾以大景深的視覺效果去呈現畫面內容，他要強迫觀者的眼睛在多到近乎混亂的元素之間，去尋找畫面中元素與元 素之間產生的視覺間隙、結構復雜性、結構秩 序感等。比如斯蒂芬 ·肖爾拍攝的作品《比弗利大道和拉布雷亞街》（見圖2），從主題上看，拍攝的就是一個街道加油站，可就是這樣平淡無奇的一張照片，有些人卻認為這張照片是美國汽車工業時代的紀念碑，這足以證明這件作品的背后所體現的社會意義。從畫面結構上看，構圖并不精美，畫面中的加油站、廣告牌、汽車等視覺元素之間看似沒有重點，但細看你會發現這些視覺元素之間是有一定關聯性的。作為觀眾，你也許看到了色彩與色彩之間的呼應關系，也許看到了物體與物體之間的秩序感等。而能夠讓觀眾產生這樣不同的觀看視角和畫面解析，就是這張作品畫面結構復雜性的表現，這也是區別于傳統攝影觀看方式的關鍵點。斯蒂芬 ·肖爾的作品沒有愛德華 ·韋斯頓作品那樣精雕細琢的藝術美，也沒有羅伯特 ·弗蘭克《美國人》那樣的宏偉敘事，而是 專注對日常社會景觀進行攝影的審視。

此外，斯蒂芬 ·肖爾對畫面結構復雜性的表達，還體現在其注重打破傳統的透視規則。透視最基礎的原理就是近大遠小，攝影不同于繪畫，攝影師只要按下快門，就會得到一張近大遠小的照片，也就是被攝物體離照相機越近影像就越大，越遠影像就越小。斯蒂芬 ·肖爾注重用畫面的透視、線條、色彩等元素去分割畫面內容，讓觀眾忽略透視所帶來的視覺沖擊感，更多關注對畫面內容的解析。如在斯蒂芬·肖爾的作品《埃爾帕索街》（見圖3）中，斯蒂芬 ·肖爾利用樹、路燈桿、建筑、車輛、廣告牌、行人、光線等元素將畫面分割成點、線、面，從而讓我們忽略畫面中的透視關系，而是去思考這張照片表象之下隱喻的美國文化，反映了20世紀70年代美國經濟的發展狀況。

（三）視點的選擇

這里所說的“視點”，指的更多是照相機與被攝物的相對位置，這個相對位置能夠呈現出一張照片前后都清晰的大景深效果。斯蒂芬 ·肖爾的《不尋常之地》這部作品，視點的選擇是盡量遠離拍攝主體，運用大畫幅相機的移軸技術結合小光圈，將鏡頭對準美國社會景觀，記錄了高速公路的廣告牌、城市街道、郊區購物中心、加油站、汽車等影像，拍攝內容有種所見即所得之感。正如他自己所說：“我的拍攝都是直覺性的。在拍《不尋常之地》時，我想要創造一個視覺世界，觀眾可以自由在畫面中游走。我不想要照片有非常明顯的景深，我會用不同的光圈和移軸功能來實現。”而這種視點的選擇，能夠讓觀眾在現有的空間中看 到更多內容和細節，引發觀眾不斷去思考攝影師為什么會這樣拍？為什么選擇這樣的拍攝角度？這樣便會增加畫面內容的可解讀性。比如在作品《優勝美地國家公園》（見圖4）中，斯蒂芬·肖爾站在一個離拍攝對象較遠的地方，以俯拍的視角記錄了加利福尼亞州的優勝美地國家公園一角，畫面視覺上給你一場自然美的盛宴，但你又會不由地望向畫面中的幾個人，好奇他們具體在做什么？畫面每一處都是那么的吸引人的眼球，那么在這個表象之下你會有什么思考呢？也許是人與自然的關系，又或是美國公路旅游文化帶來的人文景觀，這樣的視點選擇賦予了作品更深的內涵。

三、斯蒂芬·肖爾《不尋常之地》創作對當代攝影的影響

有人說，能不能讀懂斯蒂芬 ·肖爾的作品是評判一個人的攝影藝術審美是否入門的標準。先不談這種說法是否可取，但這充分證實了斯蒂芬 ·肖爾在當代攝影界的地位。《不尋常之地》是斯蒂芬 ·肖爾用大畫幅相機捕捉的美國社會景觀和普通日常的生活，打破了傳統攝影的觀看方式，成為傳統攝影與當代攝影之間重要的轉折點，也推動了新彩色攝影的發展。斯蒂芬 ·肖爾以一種冷靜、客觀的紀實攝影拍攝方式，賦予了尋常事物不尋常的社會意義和藝術價值。他的創作理念不僅對之后南·戈爾丁、安德烈斯 ·古斯基、馬丁 ·帕爾等攝影藝術家的創作帶來深遠的影響，而且對當代攝影發展也影響頗深，豐富了當代攝影藝術創作的表達形式。

四、結語

斯蒂芬 ·肖爾對城市景觀的關注，以及對彩色攝影的研究和探索，賦予了新彩色攝影極大的時代意義。本文以分析斯蒂芬 ·肖爾創作《不尋常之地》時所處的藝術環境為出發點，探討了作品的畫面色彩視覺、畫面結構復雜性、視點選擇等內容，全面解析了尋常之地的不尋常之處，挖掘了美國文化的視覺表現形式，肯定了該作品的藝術價值和社會意義。斯蒂芬·肖爾以新彩色攝影的創作理念，打破了傳統攝影的觀看方式，豐富了攝影藝術創作的表達形式，也為當代攝影創作形式的表達提供了更多的可能性。

藝術創作與社會發展的關系是密不可分的，斯蒂芬 ·肖爾《不尋常之地》的創作主題在反映美國當時社會文化的同時，也激勵當下青年攝影師思考如何創作與時俱進的攝影藝術作品，這一話題值得我們不斷探索。

[作者簡介]黃好玉，女，苗族，湖南長沙人，中南林業科技大學涉外學院講師，碩士，研究方向為影像藝術。